CINEMA PARADISO

LA CASA DE CERA

2010-03-20T19:00:00.000-07:00

Título original: House of wax
Género: Terror
Año: 2005
Nacionalidad: EEUU
Duración: 113 minutos
Dirección: Jaume Collet-Serra
Elenco: Elisha Cuthbert (Carly), Chad Michael Murray (Nick), Brian Van Holt (Bo/Vincent), Paris Hilton (Paige), Jared Padalecki (Wade), Jon Abrahams (Dalton), Robert Ri'chard (Blake), Dragitsa Debert (Trudy Sinclair), Murray Smith (Dr. Sinclair), Andy Anderson (Sheriff), Thomas Adamson (Bo/Niño), Sam Harkess (Vincent/Niño).

Sinopsis:
Lo que comienza como una escapada de fin de semana para seis amigos se convierte en una aterradora lucha por sus vidas en "La casa de cera", una apasionante nueva versión de la clásica película de terror de 1953. Un viaje por carretera a uno de los partidos de fútbol universitario más importantes del año cobra un dramático giro para Carly (Elisha Cuthbert), Paige (Paris Hilton) y sus amigos cuando deciden acampar durante la noche antes de dirigirse al partido. Un enfrentamiento con un misterioso camionero en el camping deja a todo el mundo inquieto, y Carly está muy ocupada tratando de mantener la paz entre su novio Wade (Jared Padalecki) y su exaltado hermano Nick (Chad Michael Murray). Al despertarse a la mañana siguiente se dan cuenta de que su coche puede haber sido forzado deliberadamente. Ante el riesgo de quedarse tirados, aceptan la invitación de un vecino del lugar de llevarles a Ambrose, la única población en varios kilómetros. Una vez allí, se sienten atraídos por la principal atracción de Ambrose, la casa de cera de Trudy, que está llena de esculturas de cera increíblemente realistas. Pero, como enseguida descubren, hay una espeluznante razón por la que las piezas parecen tan reales. Mientras los amigos descubren los oscuros secretos del pueblo, son acechados por un misterioso asesino y se ven inmersos en una sangrienta lucha por la supervivencia. El grupo debe encontrar una manera de salir de Ambrose o convertirse en adquisiciones permanentes de "La casa de cera".

Comentarios:
Encontrarse con Paris Hilton actuando es algo que no tiene desperdicio. Y si a ese detalle le sumamos que se trata de una remake de un clásico del cine de terror, hace presumir que Hollywood una vez mas lo hizo. Pero luego de terminada la película sentimos que pudo haber sido peor…
La historia si bien es cliché, también podríamos afirmar que es funcional para lo que se quiere contar, inclusive tiene algunos condimentos extra que le dan un poquito de sabor al asunto. La idea del pueblo fantasma es algo que me atrae, y más si en lugar de fantasmas allí hay un par de asesinos y varios muñecos simulando situaciones reales.
Elisha Cuthbert su real belleza y algo de actuación que carece la Hilton y compañía, pero que uno llega a divertirse por eso y deja las preocupaciones de lado. No le podemos pedir a “La casa de cera” que nos de más de lo que nos brinda, con algunas buenas escenas es más que suficiente. Destaco la escena de persecución dentro del cine rodeados de muñecos, sobre todo por la música.
El final deja espacio para una segunda entrega que esperemos que no se cumpla, porque lo que había para hacer, ya fue hecho aquí.

Bonus:
Todas las figuras utilizadas en la película eran reproducciones de personas reales. Se realizaron sesiones de casting con el director para hacer posar y seleccionar extras con el aspecto adecuado para cada figura. Se utilizaron 20 toneladas de cera para crear los decorados de la Casa de Cera, que se construyeron con materiales tradicionales y luego se revistieron con una fachada de cera pulverizada.

Como le fue: La película tuvo un costo total de 30 millones de dólares, logrando recaudar 32 millones en EEUU, de los cuales 12 millones en su primer fin de semana.

Por qué hay que verla?: Valen la pena un par de auto referencias de Paris Hilton.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

LIGERAMENTE EMBARAZADA

2010-01-20T06:29:00.000-08:00

Título original: Knocked Up
Género: Comedia
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 129 minutos
Dirección: Judd Apatow
Elenco: Seth Rogen (Ben Stone), Katherine Heigl (Allison Scott), Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie), Jay Baruchel (Jay), Jonah Hill (Jonah), Jason Segel (Jason), Martin Starr (Martin), Iris Apatow (Charlotte), Maude Apatow (Sadie).

Sinopsis:
Allison Scott (Katherine Heigl) es una periodista de 24 años con una brillante carrera. Por desgracia, no todo sale como estaba previsto cuando, después de una noche de juerga con el vago de Ben Stone (Seth Rogen), descubre que está embarazada. Ante la posibilidad de enfrentarse a la maternidad sola o de conocer mejor al padre, Allison decide dar una oportunidad al entrañable inmaduro. Ben, que no quiere crecer, se da cuenta de que debe tomar una decisión: quedarse o salir por piernas. Pero salir con la mujer a la que acabas de dejar embarazada es más difícil de lo que parece. No tardan en darse cuenta de que no son exactamente sus respectivas medias naranjas.

Comentarios:
Judd Apatow venía de lograr un excelente debut tras las cámaras con “Virgen a los 40”, esa notable comedia protagonizada por el genial Steve Carell. El desafío para su segunda película era lograr tal nivel de comicidad sin un actor tan importante en su papel principal. Y a pesar del amor y admiración que Apatow siente por Seth Rogen, en esta comedia la falta de esa figura protagónica no se pudo disimular, transformándose en uno de los problemas con que nos enfrentamos al verla, y peor aún cuando el mayor peso de la historia recae en una chica que no aporta humor en grandes dosis. Aquí el asunto se centra en Allison, que luego de pasar una noche de sexo con Ben, queda embarazada de éste sin conocerlo. Por supuesto que son totalmente diferente y allí radica el novena por ciento de los chistes, ya que Ben es un vago al extremo al igual que sus compañeros. Una de las virtudes de “Virgen a los 40” era la cotidianeidad con que era tratado el tema, y lo cercano que se hacia el personaje principal, algo que aquí no ocurre. Ben es insoportablemente vago, sus amigos son insoportablemente vagos y tontos, y ella es tan adorable que se hace difícil creerte la situación que plantea el guion. De cualquier manera, a lo largo del metraje, el film cuenta muchísimos chistes de los cuales la mayoría son efectivos, provocando varias risas que nos permiten pasar un rato agradable.
Otro punto en contra es que Seth Rogen no me resulta tan divertido como le resulta a otras personas, y no siento que este a la altura de tamaña responsabilidad como lo es ser protagonista excluyente de una comedia. Por su lado, Katherine Heigl está muy bien en su papel, aportando belleza y frescura cada vez que la vemos en pantalla. El resto del elenco (de los cuales hay muchos secundarios de “Virgen a los 40” que repiten) los apoyan bastante bien, sobre todo sus futuros cuñados, que aportan diversión a todo este embrollo.
“Ligeramente embarazada” es una comedia ligera (tal vez un poco de mas), pero que permite entretener por un rato, y no es poca cosa…

Bonus:
Judd Apatow se fijó en Seth Rogen cuando vio una prueba para “Freaks and Geeks”, la serie de televisión de la que era productor ejecutivo en 1999. “Le vi en una prueba grabada en Vancouver”, recuerda el director. “Entonces pensé que tenía una voz muy graciosa y que no estaría mal verle. Me fui a Vancouver. Conocí a Seth y me morí de la risa. Acabamos creando un papel para él en el programa”. Seth Rogen es un as de la improvisación. Después de la abrupta cancelación de la aclamada serie, Judd Apatow volvió a contar con él como actor y guionista para “Undeclared”, la serie que creó en 2001 acerca de un grupo de universitarios. El realizador recuerda: “Cuando empecé a trabajar con ‘Undeclared’, contraté a Seth como actor y guionista por muy poco dinero, pero demostró ser uno de los mejores guionistas y sólo tenía 18 años”. “Tengo la impresión de que Seth nació siendo cómico”, añade el director. “Es retorcido, mordaz, irónico, sardónico, pero también es dulce y bueno. Es la combinación ideal para una comedia. Siempre pensé que era perfecto para protagonizar una película”. El actor se quedó muy sorprendido cuando se enteró de que protagonizaría “Knocked up”. “Judd no hablaba con nadie de su siguiente proyecto, hasta que un día, estando reunidos con la gente de Universal para otra película, empezó a venderles esta”, recuerda Seth Rogen.

Por qué hay que verla?: Tiene momentos sumamente divertidos.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

LA NIEBLA

2010-01-04T06:56:00.000-08:00

Título original: The mist
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 126 minutos
Dirección: Frank Darabont
Elenco: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda), Andre Braugher (Norton), Toby Jones (Ollie), Bill Sadler (Jim), Jeffrey DeMunn Dan Miller), Frances Sternhagen (Irene), Alexa Davalos (Sally), Nathan Gamble (Billy Drayton).

Sinopsis:
En un pequeño pueblo de Maine, después de una súbita tormenta, aparece una espesa niebla que cubre el lugar, atrapando a la gente en sus hogares, en los supermercados... y matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.

Comentarios:
Frank Darabont es un director muy importante en la industria, a pesar de no contar con tanta publicidad como otros directores. Si es reconocido como guionista, ya que es considerado uno de los más importantes, pero también ha dado muestras de lo bien que se lleva tras las cámaras, en las pocas ocasiones en que lo ha estado, como en “The Shawshank Redemption, “The Green Mile”, “The Majestic” y “The mist”. No es caprichoso decir que le gusta adaptar novelas de Stephen King, ya que de sus cuatro películas dirigidas hasta el momento, tres están basadas en cuentos del maestro del terror. Y no está de más decir, que de sus tres primeras películas, “The Majestic” es la única fallida, y que casualmente no se basa en un relato del señor King.
Quise hacer toda esta introducción, porque con “La niebla” nos encontramos de nuevo ante el mejor Darabont, el que se enfrenta a n cuento corto de King y lo transforma en largometraje. Una historia que se asemeja bastante a las anteriores películas llamadas de la misma manera en español, pero que se diferencia básicamente en su esencia. Sin grandes estrellas en el reparto, ni grandes sumas de dinero detrás, esta muy buena película se sostiene por un guión acertado y una muy buena dirección.
Todo comienza cuando luego de una devastadora tormenta, comienza a acercarse una espesa niebla que cubre todo el pueblo. Un grupo de personas quedan atrapadas en un supermercado, en el cual no podrán salir ya que el que sale muere por algo extraño que ocurre en la niebla. No es conveniente contar mucho más al respecto, ya que la historia contiene varias sorpresas que ocurren a medida que trascurren los minutos, pero si es interesante desarrollar sobre el siguiente punto, que es el que hace de esta película una especie de rareza en Hollywood. Aquí mas allá de las situaciones terroríficas que suceden afuera (que son muchas y muy extrañas), Darabont nos propone centrarnos en otro terror, el terror que proviene del ser humano cuando siente terror.
Al encerrar a un grupo de personas tan numerosas como heterogenias, y con un claro terror que proviene del afuera, Darabont nos propone enfrentarnos al terror que proviene de adentro mismo del hombre, ese terror que nos diferencia de los animales. Cuando los miedos exteriores comienzan a suceder vertiginosamente, y no encuentran una solución clara (todo lo que intentan los dejan en peores condiciones), los personajes empiezan a plantear acciones que dividen, inclusive llegando a matar a otro humano por el simple hecho de centrar su venganza y rabia en él.
Aquí, hay una señora adulta del pueblo que habla siempre del fin del mundo, y siempre fue tratada de loca por todos los pobladores. Cuando el terror los envuelve y no saben qué hacer, comienzan a creer en sus palabras, logrando generar una verdadera secta dentro del supermercado que hacen destruir lo más fuerte que puede tener un grupo en estas circunstancias, la unión. A través de ese grupo cada vez más numeroso, un padre con su niño que lucha por salir adelante en busca de la solución, pero ya es imposible luchar desde adentro, porque el adentro se ha convertido en un lugar más hostil que el afuera.
Por supuesto que hay muchas muertes, bichos gigantes y mucho desasosiego, pero sobre todo hay miedo a lo que el ser humano puede llegar a transformarse. El terror de afuera hacia adentro, el ser humano en situaciones límites, el terror que provoca el terror a morir… De eso se trata esta excelente película que además entretiene mucho, y tiene un final durísimo como pocas veces visto en una cinta de género de las major americanas.

Bonus:
En 1977, cuando el ahora legendario escritor de ficción Stephen King conoció el éxito por primera vez, quiso encontrar una manera de agradecerlo. En una muestra de apoyo a otros artistas emergentes, dio permiso a los estudiantes y aspirantes a directores de cine para adaptar sus historias cortas por tan sólo un dólar. A principios de los 80, Frank Darabont escribió, produjo y dirigió una de estas “Dollar Babies.” A King le encantó la adaptación del director de 23 años de “La mujer de la habitación”, un relato de King sobre una mujer con una enfermedad incurable que desea morir. “Hay algo en el estilo de Stephen como narrador que siempre me ha calado”, explica Darabont, que se crió en Los Ángeles. “Su trabajo me habla, sus personajes me hablan. Es un maestro de la narración y lo que escribe me deja boquiabierto. Me inspira para ponerme detrás de la cámara”. “Como mi corto le había gustado, decidí pedirle a Stephen los derechos de The mist o de Rita Hayworth and Shawshank Redemption”. Después de meditarlo, Darabont se decantó por esta última, estrenada como “The Shawshank Redemption”. El resto es historia.

Por qué hay que verla?: Tiene un final diferente a lo que Hollywood nos tiene acostumbrados.

Puntaje: 7,5

TRAILER:

GRACE

2009-12-30T08:57:00.001-08:00

Título original: Grace
Género: Terror
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU y Canadá
Duración: 85 minutos
Dirección: Paul Solet
Elenco: Jordan Ladd (Madeline Matheson), Samantha Ferris (Patricia Lang), Gabrielle Rose (Vivian Matheson), Malcom Stewart (Dr. Richard Sohn), Stephen Park (Michael Matheson), Serge Houde (Henry Matheson).

Sinopsis:
“Grace” narra las vicisitudes de una madre obsesionada con sacar adelante a su recién nacido. Hasta ahí todo sería normal si no fuera porque tras un fatal accidente, el niño nunca hubiera debido nacer, o al menos, nadie esperaba que lo hiciera.

Comentarios:
Cuando me enfrenté con esta película que había tenido éxito en Sundance, deposité esperanzas en encontrarme con un muy buen ejercicio de terror, lejos del lenguaje tradicional de las cintas de género. Pero lamentablemente no fue así, y una vez más, lo que parecía bueno resultó ser mediocre para abajo.
El asunto se centra en Madeline, que estando embarazada sufre un fatal accidente automovilístico y no solo pierde a su marido, sino que con él pierde al hijo que llevaba en su vientre. A pesar de no tener vida, la partera permite que ella lo siga “gestando” dentro suyo hasta la fecha de nacimiento estipulada, para evitar mayores traumas. Cuando llega el día fatal, increíblemente el niño nace con vida para la felicidad de su mama ante la mirada atónita de su partera y asistentes.
Con ese argumento inicial no podemos negar que el film promete. Inclusive las primeras escenas dentro de su casa con su hijo nos hacen ingresar en ese sórdido mundo que ella ha creado en su hogar, aislándose del resto para proteger a su adorado bebe, que no es tan adorado ya que en lugar de leche, el chico prefiere sangre, aunque sea de su madre. Pero a medida que la cinta avanza, ése sórdido mundo comienza a entreverarse con otro mundo menos real, ya que la niña (llamada Grace, por supuesto) realmente vive, o está en el imaginario colectivo familiar. Pero da igual, en cualquiera de los dos casos hacen que la historia pierda fuerza. Pero peor aún es la subtrama ridícula de su suegra con su esposo y luego con su nieta, que llevan a la película a un desbarranco inevitable. Y ni que hablar de la partera, y peor aun la de su ayudante que le miente a Madeline cada vez que le deja un recado. Entonces, el gran problema radica en los momentos que la historia sale de la cabeza de Madeline y se centra en los personajes secundarios, con historias y acciones absurdas, que por momentos toman demasiada importancia haciendo que la historia se transforme en una bobería.
Un reconocimiento a Jordan Ladd, que en el papel de Madeline se pone la película al hombre y logra hacer verosímil momentos y reacciones que no lo son, dejando a un lado su belleza natural para desplegar una variada gama de gestos y miradas con excelentes resultados.
Da la impresión que en el pasaje de la historia de corto a largometraje, sufrió estiramientos innecesarios producto de la necesidad de minutaje, dejando a “Grace” bastante más maltrecha de lo que la dejó el accidente automovilístico.

Bonus:
El largometraje está basado en “Grace”, un cortometraje de seis minutos escrito, producido y dirigido por el propio Paul Solet, que ganó el premio “Best short” en el Rhode Island International Film Festival.
Con este trabajo Solet debuta en la dirección de largometrajes, con el cual logró llamar la atención en el Festival de Sundance, se comenta que dos personas se desmayaron en el Egyptian Theater durante su proyección: Una saliendo y otra en el lobby… el dueño del teatro confirmo que eso no pasaba desde hace diez años.

Por qué hay que verla?: Una buena idea que no logró desarrollarse bien.

Puntaje: 3,0

TRAILER:

CONTROL TOTAL

2009-12-22T10:47:00.000-08:00

Título original: Eagle eye
Género: Suspenso
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Alemania
Duración: 118 minutos
Dirección: D.J. Caruso
Elenco: Shia LaBeouf (Jerry Shaw), Michelle Monaghan (Rachel Holloman), Michael Chiklis (Callister), Anthony Mackie (Scott), Billy Bob Thornton (agente Morgan), Rosario Dawson (Zoe), Ethan Embry (agente Toby Grant).

Sinopsis:
Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michelle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos. A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué.

Comentarios:
Si hay algo que Hollywood sabe explotar, son los temas de actualidad en clave de acción. Y este es un caso más. La historia gira en torno de Jerry, un simple muchacho que al llegar a su humilde apartamento lo encuentra repleto de armas de todo tipo. Al mismo tiempo suena su celular y le informa que salga porque la policía está llegando. Por supuesto que no cree, y es capturado ante la atónita actitud del pobre Jerry, que nada entiende de la situación por la que está pasando. Al mismo tiempo pero en otro lugar de la ciudad, Rachel es obligada a manejar un auto último modelo, y esperar en una esquina sin saber para qué. Ayudado sin saber por quien, Jerry se escapa y por orden de alguien que no sabe quién es, se sube al auto manejado por Rachel, y ambos sin conocerse se transforman en fugitivos.
Con esta interesante premisa, “Control total” logra ser un interesante divertimento que se resuelve de manera tan obvia como inverosímil, pero no por ello deja de ser efectivo durante todo su metraje, tal vez un tanto excesivo. No faltarán persecuciones y momentos de alta intriga, pero lo más interesante del asunto no son las escenas de acción que tan bien llevadas están, sino que por el contrario es el tema central de la historia lo que nos atrapa, esa idea de sentirnos constantemente vigilados por cámaras de seguridad que nosotros como ciudadanos exigimos para nuestra tranquilidad. En un mundo tan perseguido por la falta de seguridad, donde cada vez hay más barrios privados controlados por cámaras de seguridad, al igual que en la vía pública, todo ello vehiculizado por ese gran, pero peligroso invento llamado internet, que poco a poco está controlando el mundo, y que es una excelente herramienta, pero que en manos peligrosas se puede transformar en un arma con un poder increíble. Y más aún, si es la propia computadora la que toma el mando, dejando de lado las órdenes humanas, como ya lo demostrara hace tiempo atrás Kubrick con su impresionante “2001, odisea en el espacio”. Un poco de todo esto se esconde detrás de “Control total”, que no solo busca entretener, sino que también quiere dejar un mensaje de duda al menos, por el futuro que nos avecina.
El ascendente Shia LaBeouf encarna de buena manera a Jerry, y Rachel es interpretada por Michelle Monaghan, una actriz que de a poco se va abriendo un lugar en la industria, apoyada por su belleza y su buen tino para componer a los diferentes personajes que le han tocado interpretar.

Bonus:
Shia LaBeouf nació en Los Ángeles, California, siendo el hijo único de Obama y de Jeffrey Craig LaBeouf, un veterano de la Guerra de Vietnam que "iba a la deriva" de trabajo en trabajo, trabajando como mimo de un circo y como payaso de rodeo. El padre de LaBeouf cultivaba cannabis, y los dos fumaron marihuana juntos cuando Shia tenía 10 años. LaBeouf también ha afirmado que su padre estuvo "drogado" durante su niñez, siendo adicto a la heroína y se puso en rehabilitación de drogas por la adicción de heroína, mientras la madre de LaBeouf "intentaba mantener la fortaleza". Sus padres se divorciaron eventualmente, y tuvo lo que ha descrito como una "buena niñez", creciendo pobre con su madre (quien trabajó vendiendo telas y broches) en Echo Park, Los Ángeles, California y asistiendo a una escuela de predominancia latina y afroamericana. LaBeouf ha dicho que desde el comienzo, se volvió un actor porque su familia estaba en bancarrota, y no porque intentó perseguir una carrera de actuación.

Por qué hay que verla?: Porque entretiene un rato.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

DEATH PROOF

2009-12-18T09:37:00.000-08:00

Título original: Death proof
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 114 minutos
Dirección: Quentin Tarantino
Elenco: Kurt Russell (Stuntman Mike), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene), Jordan Ladd (Shanna), Rose McGowan (Pam), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoë Bell (Zoë), Omar Doom (Nate), Michael Bacall (Omar), Eli Roth (Dov), Quentin Tarantino (Warren), Monica Staggs (Lanna), Michael Parks (Earl).

Sinopsis:
Stuntman Mike (Kurt Russell) es un rebelde que sólo se siente completo cuando se encuentra tras el volante de su mastodóntico coche. Juntos recorren las carreteras en busca de hermosas mujeres que se convierten en víctimas de su sed de sangre.

Comentarios:
Hace unos años atrás, cuando recibí la noticia de que Tarantino y Rodríguez se unían para hacerle un merecido homenaje a las películas clase Z de la década de los 70´ lo tomé con alegría y ansiedad, esperando el resultado. Unos años después y luego de ver la película de Tarantino vuelo a caer una vez más en los pies del director… Pero para mordérselo. Una vez más éste sobrevalorado director deja pasar una excelente oportunidad para brillar (si es que le queda brillo), en un género que me imagino conoce como ninguno.
La película comienza bastante bien, con tres chicas en un auto listas para pasar una noche de locura. Pero Quentin se encarga de aplastar un poco la cosa llenándolo de diálogos absurdos e innecesarios, buscando repetir lo que alguna vez logró con éxito. La cuestión es que se demora tanto que cuando aparece Stuntman Mike, uno ya está al borde del aburrimiento. Pero esta vez aparece en el momento justo y desata los mejores minutos de la cinta. Desde que aparece en el bar, hasta el final de la persecución, sentimos que estamos ante esa cinta clase Z que esperábamos, y logramos disfrutar esos minutos.
Pero una vez terminada la historia con estas chicas, increíblemente Tarantino nos vuelve a repetir la fórmula pero con otras chicas. Y comenzamos a sentir que tenemos un deja vú bastante largo y tedioso. Otra vez las chicas conversan hasta el cansancio, pero a esta altura de la película a el espectador se le hace muchísimo más pesado soportarlo y se deja llevar por el tedio y la monotonía de la conversación, perdiendo de vista la atmosfera que rodea el film, tan carente de ideas y estructuras como las de antaño.
Se podría decir que las películas clase Z son así de malas. Está bien, es cierto. Pero uno espera de Tarantino que nos muestre una historia del estilo pero con una mano narrativa superior, con una historia que mas allá de lo tonto y obvio, nos permita pasar un buen rato. Nada de eso sucede, perfectamente podríamos ver una película real clase Z y probablemente pasemos un rato más agradable.
El plantel femenino es más que destacable, no por sus actuaciones (que no están nada mal, vale reconocer) sino por la amplia gama de estilos de mujeres que maneja la película. Podríamos decir que hay para todos los gustos, un punto fuerte dentro del cine Z que aquí se repite con creces, sin dudas.
Tarantino dirige desde la soberbia de saberse superior y con poder dentro de la industria para hacer lo que se le dé la gana, olvidándose del público que una vez depositó su confianza en él, allá por el lejano Pulp fiction”, cada vez más lejano…

Bonus:
Michey Rourke iba a interpretar en un principio a "Stunman Mike", pero luego recayó en Kurt Russell, el cuál conduce un Chevy Nova de 1971/1972. Anteriormente se le ofreció el papel a Kal Penn y a Sylvester Stallone, pero ambos lo rechazaron. Con la excepción de los cines en USA, “”Death proof” y “Planet terror” se estrenaron como películas individuales y tuvieron diferentes fechas de estreno en los cines de todo el mundo. Tarantino "envejeció" la película, añadiendo rasguños, suciedad y polvo para simular el aspecto de las verdaderas películas Grindhouse. Según el propio Quentin, la película es un homenaje a John Carpenter. "La película que tenía que haber rodado entre 1997: Rescate en Nueva York (1981) y La Cosa (1982). La actriz Zoe Bell, especialista al fin y al cabo en escenas de riesgo, rodó las secuencias peligrosas de la cinta, pero las dejaron para el final ya que antes rodaron las escenas de diálogo, no fuera a ser que se lesionase... Eli Roth abandonó momentaneamente el rodaje de Hostel 2 para rodar durante una semana su papel en Death Proof. " A Tarantino no se le puede decir que no" declaraba Roth.

Por qué hay que verla?: Para confirmar una vez más que Tarantino está sobrevalorado.

Puntaje: 2,5

TRAILER:

KUNDUN

2009-12-04T07:00:00.000-08:00

Título original: Kundun
Género: Drama
Año: 1997
Nacionalidad: EEUU
Duración: 134 minutos
Dirección: Martin Scorsese
Elenco: Tenzin Thuthob Tsarong (Dalai Lama/Adulto), Gyurme Tethong (Dalai Lama/12 años), Tencho Gyalpo (Madre), Tenzin Lodoe (Takster), Sonam Phuntsok (Reting Rimpoche), Gyatso Lukhang (Lord Chamberlain).

Sinopsis:
En 1937 un niño tibetano es elegido por un grupo de monjes para representar a su pueblo y convertirse en el decimocuarto Dalai Lama, la más alta figura del budismo en el Tibet. El sistema es expeditivo: el niño, de dos años, es arrebatado a su familia y llevado al palacio de Potala para ser educado y preparado para asumir el liderazgo político y espiritual.

Comentarios:
Siempre resulta difícil ver a un neoyorkino como Scorsese contando una historia que se enmarca fuera de su ciudad, aunque no sea la primera vez, ya que en 1988 con “La última tentación de Cristo” se animó no solo a salir de Estados Unidos, sino que a tocar un tema por demás difícil. Aquí nuevamente sale para tocar otro tema por demás delicado, como sucede en Kundun, que es nada más ni nada menos que una pequeña biografía del Dalai Lama, en el período que abarca su “elección” cuando era un niño de dos años, hasta su exilio.
La película no está entre lo mejor de su filmografía, ya que cuenta con un ritmo narrativo bastante lento y tedioso. En su afán de retratarle a occidente de manera clara la forma de “encontrar” al Dalai Lama, deja caer la película en un tedio que le cuesta bastante salir. De alguna manera esa es la constante a lo largo de la cinta. Pero es entendible, ya que nos relata un mundo que se basa en reglas sumamente dispares a las de occidente y la gran preocupacón de Scorsese es introducir al espectador a ese otro mundo, sobre todo para no sentir la historia tan ajena.
Por otro lado es una biografía, y como tal es difícil resumir en poco más de dos horas los sucesos más importantes en la vida de una persona, y si bien aquí solamente se centra la historia en unos años, fueron años por demás tumultuosos y claves. Scorsese es uno de los grandes maestros del cine que aun se encuentran en actividad, y solo alguien con su capacidad podía tomar este tema y llevarlo a la gran pantalla sin caer en un lenguaje demasiado new age, sino que por el contrario lo que intenta, con éxito, es mostrarnos con sus ojos occidentales un suceso por demás espiritual, sin tomar mayor partido que el del relato propio. De todas maneras nunca nos podemos alejar de los ojos occidentales, y es ahí donde la película pierde en potencia, ya que a pesar de los intentos nunca sentimos la historia cercana, y por lo tanto perdemos en emotividad. Pero al fin y al cabo era una tarea titánica, y si bien Scorsese no logra llegar a su cometido, consigue realizar un buen instrumento para unir ambos polos del mundo.
La película fue rodada en Marruecos, ya que el gobierno chino prohibió a Scorsese desplazarse a los lugares donde transcurrió la historia real, y contó con actores no profesionales, la mayoría tibetanos, incluso algunos tienen vinculación con Kundun. Tanto esfuerzo, podríamos decir que tuvo su merecido, ya que el propio Dalai Lama ha felicitado al director por su reivindicativa, lirica y emotiva visión, más allá de la fría acogida que tuvo el film en EEUU y el resto del mundo.

Bonus:
Scorsese dijo sobre Kundun: "Puede que no conozca al detalle la cultura (tuve muchos asesores técnicos para este filme) pero lo que sí comprendo es el conflicto que hay dentro de nosotros, lo bueno y lo malo, la idea de expresarse a través de la violencia como la única manera, que es algo que he visto mucho". “Está la lucha entre la violencia y la otra parte de nuestra naturaleza, la bondad. Y es por eso que me interesó la historia. Me pregunto cómo sería si todos nos tomáramos la vida tan en serio y tuviéramos tan fuertes convicciones como las que él tiene”.

Por qué hay que verla?: Un mundo difícil de entender para occidente, contado por Scorsese, nada menos...

Puntaje: 6,5

TRAILER:

VISITANTE DE INVIERNO

2009-11-30T11:03:00.000-08:00

Título original: Visitante de invierno
Género: Terror
Año: 2007
Nacionalidad: Argentina y España
Duración: 95 minutos
Dirección: Sergio Esquenazi
Elenco: Santiago Pedrero (Ariel), Sandra Ballesteros (Viviana), Ana Cuerdo (Marisa), Diego Alonso (Pichi), Pepe Novoa (Dr. Silva), Rolly Serrano (Cabo Miranda), Ariel Staltari (Berto), Catalina Artusi (Julieta), Anahí Martella (Clarisa), Jorge Varas (Figura).

Sinopsis:
“Visitante de invierno” se centra en la historia de Ariel Lambert, un joven de veinte años, a quien luego de un trastorno psicológico, se le recomienda hacer reposo en un lugar tranquilo y apacible. En pleno invierno se muda con su madre y hermana a Villa Mar, un pequeño pueblo veraniego el cual en dicha época del año se encuentra prácticamente desierto. Allí, poco a poco, Ariel descubrirá que en una casa cercana a la suya (supuestamente desierta) entran niños, los cuales no vuelven a salir jamás. ¿Pero esto es verdad? ¿O solo parte de la locura de Ariel? Habrá una sola forma de averiguarlo: Ariel deberá entrar a esa casa.

Comentarios:
Esta es la primera película argentina de terror que veo, y me deja una sensación bastante agridulce. No decimos que es un intento fallido, porque su director logró momentos dignos, pero preocupa la falta de riesgo que decidió afrontar al momento de hacerla. La historia transita dentro de los lugares más comunes del género, en donde un chico con trastornos mentales puede llegar a ver a un asesino, el cual pasa desapercibido para todos los demás. Pero como el chico tiene un pasado conflictivo, nadie cree lo que vio y entonces no le queda más remedio que actuar acompañado de una amiga, para lograr las pruebas necesarias para que los mayores le crean.
La historia es demasiada conocida como para darle merito a la película. El director en ningún momento sale del argumento tradicional, y de esa forma vemos como escena a escena la historia avanza por los carriles ya conocidos hasta el hartazgo, y por dicho motivo caer en lo absolutamente previsible. Los personajes secundarios son tan funcionales en la historia, que llegan a molestar, ya que aparecen cuando la historia lo necesita y luego desaparecen sin más. No falta la maldita escena de sueño, donde el protagonista se enfrenta cara a cara con el asesino. Tampoco ayudan las actuaciones, sobre todo la de Santiago Pedrero que personifica a Ariel, el protagonista de la historia.
Pero no todas son malas, porque a pesar de todo lo que dije anteriormente (ya sé que fue mucho…), si hay que reconocerle a su director el pulso narrativo con que lleva la repetida historia. Más allá de no ofrecernos nada nuevo, logra escenas de mucho suspenso y sobresaltos varios. La escena en la cual Ariel ingresa por primera vez a la casa del asesino, contiene un suspenso digno de las mejores películas americanas, al igual que varias que suceden cerca del desenlace final. No sé si eso es merito suficiente a esta altura del partido, pero borrándome de la mente la cantidad de films que vi con la misma historia pude llegar a disfrutarla en ciertos momentos.
Lo que le achacamos al director, es la falta de originalidad en la propuesta, y sobre todo por la falta de riesgo en aportar algo diferente al espectador, curioso por ver un producto de terror argentino. De cualquier manera la propuesta es válida, y siempre es grato ver cine de género en una región donde el drama social y la comedia costumbrista aparecen acaparando toda la producción.

Bonus:
Este es el tercer largometraje para el director, pero el primero en español, ya que sus anteriores trabajos (Dead Line y Bone Breaker) fueron realizados en inglés para el mercado estadounidense. Sobre la película Sergio Esquenazi dijo al respecto: “Yo creo que el guión tiene algo que nos llevó a hacer todo muy rápido, los productores se fueron a España y volvieron con dos productoras que se peleaban por el guión. No es común que pasen ese tipo de cosas. El terror es un género muy subestimado en Argentina. Hay gente talentosa que maneja el género. Somos pocos, nos conocemos todos. El cine argentino maneja más el costumbrismo, la cosa social...que está bien, hay muy buenas películas sobre eso. Tuve muchísimas limitaciones para rodar. Es una película de 45 días y yo tuve 28 días. Fue un rodaje muy intenso, muchas cosas no pude hacer, pero estoy satisfecho. Lo importante es que con lo que tenés hagas lo mejor posible. Nos esforzamos 110 por ciento todos para que sea una buena película, independiente de que sea una película de terror.

Por qué hay que verla?: Si bien la historia es cliché, es interesante ver como en Argentina hay directores interesados en el cine de terror.

Puntaje: 5,5

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CUANDO HARRY CONOCIO A SALLY

2009-11-19T16:02:00.000-08:00

Título original: When Harry met Sally
Género: Comedia
Año: 1989
Nacionalidad: EEUU
Duración: 96 minutos
Dirección: Rob Reiner
Elenco: Billy Crystal (Harry Burns), Meg Ryan (Sally Albright), Carrie Fisher (Marie), Bruno Kirby (Jess), Lisa Jane Persky (Alice), Michelle Nicastro (Amanda).

Sinopsis:
Harry (Billy Crystal) y Sally (Meg Ryan) se conocen cuando viajan juntos en el coche de Sally de Chicago a Nueva York, después de terminar sus estudios universitarios. En Nueva York cada uno de ellos hace su vida y trata de encontrar un amor. Un día coinciden casualmente y pasan un rato largo juntos filosofando sobre la vida. En los años siguientes se ven de cuando en cuando, cada vez con más frecuencia. Surge entre ellos una amistad que contradice la filosofía de Harry de que hombres y mujeres no pueden ser amigos.

Comentarios:
"¿Tú crees que dos amigos puedan tener una noche de sexo y al día siguiente seguir siendo amigos?". Con esta pregunta podríamos decir que arranca esta exquisita historia de amor entre dos personas aparentemente opuestas, pero más cerca de lo que creen. Luego de los sucesivos encuentros casuales, en los que cada uno de ellos resalta más y más las enormes diferencias en la manera de pensar y actuar, finalmente la paciencia de la casualidad tiene su efecto, y logran hilvanar una amistad por demás dependiente. Hasta llegar al momento clave donde la pregunta del comienzo pasa a ser un acto del cual no tiene marcha atrás.
Pocas veces en el cine de Hollywood (y casi nunca en el cine de Reiner) nos enfrentamos ante una historia tan maravillosamente realizada en todos sus aspectos. Un guion tan perfecto como jugoso, escrito por Norah Ephron, que luego sería la directora de comedias inferiores pero de buen nivel como “Sleepless in Seattle” y “You've Got Mail” con la actuación de Meg Ryan y Tom Hanks en ambas. Con decenas de diálogos que dan para conversarlos durante largo rato (como el que use en el comienzo), y muchísimas escenas divertidísimas, pero sobre todo reales.
Y las actuaciones de Billy Crystal y Meg Ryan, que decir… Nunca más pudieron llegar a tal grado de nivel actoral, pero eso no es una crítica ya que muy pocos pueden llegar a componer un personaje con la naturalidad que ambos lo hacen. Divertidos, ácidos, cariñosos, tristes. Una actuación que pasa por todos los matices sin desentonar en ningún momento. Sin dudas que gran parte del éxito pasa por sus magistrales interpretaciones.
Varias escenas quedaron en la más rica historia del cine, sobre todo la de la cafetería cuando Sally finge un orgasmo para demostrarle que las mujeres no siempre le dicen la verdad. Pero también me gustaría recordar escenas como cuando invitan a sus mejores amigos para presentarse entre ellos y terminan escapándose en un taxi, dejándolos solos. O cuando hablan por teléfono cada uno desde su cama, en una gran elección de Reiner al dividir la pantalla.
El film tiene mucho del mejor Woody Allen, pero también tiene vida propia gracias a la magistral dirección en silencio de Rob Reiner. Alguien me dijo que el mejor director es el que pasa desapercibido, y este es un claro ejemplo de esa frase. Lástima que nunca más supo demostrar su talento y quedó relegado a películas sin mayor interés que el económico, tan solo se rescata “Misery”, realizada un año después.
En definitiva, notable película del que no puede faltar en la memoria de cualquier persona que se dice enamorada del cine.

Bonus:
Un estudio sobre la química sexual de las parejas en el cine, revela que nadie iguala a Meg Ryan y Billy Crystal en “Cuando Harry conoció a Sally”. Resulta que un rato de ocio, algunos científicos del Kings College de Londres encontraron una fórmula con la que pueden calcular la química que tienen las parejas en la pantalla grande. Meg y Billy quedaron en primer lugar con su actuación en Cuando Harry encontró a Sally, de 1989. El segundo lugar lo tiene el clásico romántico Casablanca, pero los que más llaman la atención son Winslet y DiCaprio, que en Titanic resultaron tener menos química de la que tienen el aceite y el agua. “En Titanic, la manera en que se hablan los protagonistas no es nada natural, es muy fingida”, explica Stephanie Charters, una psiquiatra que explica que la química sexual se mide con base en cuatro factores: la voz, el contacto visual, el lenguaje corporal y la excitación. “En cambio, cuando el personaje de Meg Ryan, Sally, demuestra lo fácil que es fingir un orgasmo en un restaurante, Harry (Billy Crystal) se le queda viendo de una manera tan especial que hace fluir energía por todo el cuerpo”, agrega. El estudio se realizó para contextualizar el lanzamiento de un fin de semana de películas románticas que se transmitirá en Inglaterra, y califica a las parejas del 1 al 10.

Por qué hay que verla?: Simplemente por ser una de las mejores comedias en la historia del cine.

Puntaje: 9,0

TRAILER:

WATERWORLD

2009-11-17T03:35:00.000-08:00

Título original: Waterworld
Género: Ciencia Ficción
Año: 1995
Nacionalidad: EEUU
Duración: 135 minutos
Dirección: Kevin Reynolds
Elenco: Kevin Costner (Mariner), Jeanne Tripplehorn (Helen), Dennis Hopper (Deacon), Tina Majorino (Enola), Robert Joy (Ledger Guy), William Preston (Depth Gauge), Zakes Mokae (Priam).

Sinopsis:
En el futuro los casquetes polares se han derretido y el agua lo cubre todo. Por tal motivo, el agua dulce es el bien más preciado, y los seres humanos sobreviven en plataformas flotantes siempre buscando agua potable, algo de tierra, y hablando sobre la leyenda de que en algún lugar existe tierra firme. Mariner (Kevin Costner) es un errante que viaja solo practicando el trueque. Un día llega a un atolón de chatarra y vende tierra a sus moradores, pero éstos, al descubrir que es un mutante (mitad pez, mitad humano), lo condenan a muerte...

Comentarios:
Hay películas que cargan con una cruz desde su gestación, y nunca se pueden desprender de ella, a tal punto de que la termina de enterrar. De alguna manera “Waterworld” carga con una cruz un poco injusta. La historia comienza con un errante (Kevin Costner) en el medio del desierto acuático haciendo lo que siempre hace para sobrevivir, buscar objetos en el fondo del mar para luego intercambiarlo. El mundo terrestre fue tapado por el deshielo y todo el planeta es un gran e interminable océano. Y dentro de ese difícil panorama están los pocos humanos que sobrevivieron adaptados a la nueva situación, pero añorando la tierra. En especies de fortalezas flotantes, los humanos se reagrupan en sociedad para comenzar de nuevo. Allí cae el personaje interpretado por Costner, que llega a realizar su trueque y seguir en su solitario viaje a ningún lado. Pero al descubrir que es un mutante, lo atrapan. Hasta que llegan los Smorkels (liderados por Dennis Hopper) a saquear el lugar, y Costner logra escapar llevándose consigo (de muy mala gana) a Helen y a Elona, una niña tatuada con un extraño mapa del que dicen, sería la clave para encontrar tierra firme. A partir de ese momento comienza una mortal persecución por parte de los Smorkels para encontrar a la niña.
Lo primero que hay que decir es que la película es un muy buen ejercicio de acción, dentro de un imaginativo mundo futurístico. La historia central es la siempre entretenida aventura del solitario que se complica al tener compañía, y es perseguido por los malos. No es más que eso. Pero mas allá de los problemas internos (se dice que el director Kevin Reynolds se peleó con su amigo Kevin Costner en la mitad del rodaje, y éste tuvo que suplantarlo), la historia fluye de manera más que entretenida, con los típicos vaivenes que contiene este tipo de aventuras. Y a esto sumado una inteligente historia por detrás, en el cual la falta de tierra firme genera que los humanos hayan encontrado diferentes formas para adaptarse al medio. Tal vez los personajes estén demasiado caricaturizados, sobre todo el que interpreta Dennis Hopper. Kevin Costner nunca fue buen actor, y aquí utiliza las pocas expresiones que ha utilizado a lo largo de su carrera, para redondear una de las tantas pobres actuaciones que ha realizado. Tal vez esta historia en manos de otro director con más creatividad nos hubiese permitido disfrutar de otra manera este fascinante mundo acuático. Pero lo cierto es que no es tan mala como uno cree antes de verla, y en definitiva no creemos que sea justo la carga que lleva detrás. Tiene una excelente dirección artística, muy buena banda sonora, y escenas de alta tensión con gran impacto visual que hacen de este film un grato entretenimiento de aventuras.
De alguna manera le destruyó la carrera a Costner, que ha intentado levantarla una y otra vez, pero ya no tiene la misma fuerza de antes. Ese si es un mérito importante a favor que tiene “Waterworld” y por el cual estaremos eternamente agradecidos.

Bonus:
Se la considera uno de los grandes fracasos del cine comercial por su elevadísimo presupuesto (175 millones de dólares), su cuidada realización y su baja recaudación. Este hecho por sí solo la ha hecho muy popular. Se la considera una película con mérito por estar casi enteramente rodada en el mar, en escenarios flotantes, lo cual es considerado muy difícil, así como la creación de éstos, junto con el vestuario y los vehículos que la convierten en la película más cara de su momento. Lo cierto es que la productora Universal tembló el día que salieron las primeras críticas: Kevin Costner, que venía "entrenado" en descalabros en taquilla (sus anteriores films habían sido "The War" y "Wyatt Earp"), regalaba a los críticos una megasuperproducción (la más cara hasta la fecha de toda la historia del cine, nada menos) con un tema y título de inmejorables posibilidades para la sentencia: "No sale a flote", "se hunde", "hace aguas", "con el agua al cuello".

Por qué hay que verla?: Tiene una historia interesante y es entretenida. Y el hecho de haber sido uno de los grandes fracasos comerciales hace que “Waterworld” haya ingresado en la historia del cine, aunque sea en sus páginas negras…

Puntaje: 6,5

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EL SECRETO DE SUS OJOS

2009-11-10T03:40:00.000-08:00

Título original: El secreto de sus ojos
Género: Drama
Año: 2009
Nacionalidad: Argentina y España
Duración: 127 minutos
Dirección: Juan José Campanella
Elenco: Ricardo Darín (Benjamín Esposito), Soledad Villamil (Irene Menéndez Hastings), Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Gómez), Guillermo Francella (Sandoval), José Luis Gioia (Molinari).

Sinopsis:
Es el final de la década del 90. Benjamín Espósito (Ricardo Darín), secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, está a punto de retirarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con el brutal asesinato ocurrido en 1975 lo lleva a revivir aquellos años, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen y de su perpetrador, sino también una profunda historia de amor con su compañera de trabajo, a quien ha deseado y amado fervorosamente y en silencio durante años. La novela que escribe Espósito nos hace recorrer los años 70, cuando en la Argentina se vivían épocas turbulentas, el aire estaba enrarecido y nada era necesariamente lo que parecía ser. Crimen, amor, justicia, política y venganza se confunden y entremezclan en la vida de los personajes. Una película en la que se entrelazan los dilemas morales en torno a la justicia y el castigo, el tema del proceso de escritura, la empatía y el amor insinuado.

Comentarios:
Más de dos millones de espectadores solamente en Argentina, hace entender porque para muchos es la mejor película argentina de los últimos años. Pero nada está más lejano que eso. No es una mala película, sin dudas que está por encima de la media, pero Campanella comete algunos errores en momentos claves, y eso es imperdonable. Pero no me quiero adelantar en mis comentarios.
El film comienza en el presente, donde Benjamín (Ricardo Darín) ya es un jubilado más, que vuelve a visitar a una vieja compañera de trabajo, que en realidad fue más que eso. Con la excusa del libro que está escribiendo, retoma el contacto y sobre todo los recuerdos del pasado, esos recuerdos que lentamente nos harán introducirnos en una historia escalofriante que cambió su vida: Una chica es encontrada violado y muerta en su domicilio. Su marido (Pablo Rago) no parará hasta encontrar al asesino, así tenga que esperar todos los días de su vida sentado en las estaciones de trenes. Ya nada es más importante. Y ahí está Benjamín, entre la desesperación de Morales (Pablo Rago) y la certeza de saber quién es el asesino. Al que descubre en una secuencia impresionante, como lo es la realizada en la cancha de futbol del club Huracán. Un plano secuencia de cinco minutos, donde la cámara comienza en el cielo, hasta terminar en la cancha de futbol pasando por baños, escaleras y tribuna con gol incluido. Una joya del nuevo cine argentino. Una vez atrapado, confesará de manera absurda su culpabilidad. Pero como son tiempos de dictadura, es dejado en libertad a cambio de algunos favores a los militares. Y allí esta Benjamín, atrapado en una historia de venganzas, y desigualdades sociales. Perdidamente enamorado de Irene, a la cual nunca es el momento para declararle su amor. También esta Sandoval (Guillermo Francella), su mejor amigo y compañero de trabajo, alcohólico perdido pero leal.
Con esta historia bastante común en el cine, Campanella se despacha con una película con toques de policial negro, algo de drama y momentos de humor. Esta vez deja de lado las comedias dramáticas familiares, para abocarse a una historia que entrelaza muchas mini historias, lo que la hace por demás pretenciosa en su búsqueda. Sé que la gran mayoría habla de “El secreto de sus ojos” como una especie de obra maestra, por lo tanto varias personas estarán en desacuerdo con mi comentario, ya que a mi entender se trata del primer traspié narrativo del Campanella de los últimos años.
Para no develar demasiado la trama trataré de explicar lo menos puntual posible. El primer gran problema con el que nos encontramos es la sutileza del descubrimiento. Cliché de las películas americanas, el protagonista logra descubrir al asesino por sobre la policía, al observar con detenimiento un detalle muy diminuto. Luego de encontrarlo en la fabulosa escena en la cancha de Huracán, la manera por la cual el asesino declara es casi infantil, reconozco que me dio un poco de vergüenza ajena. Y la última escena, la cual no puedo revelar mucho, contiene un problema grave, que es cuando Benjamín comienza a atar cabos sueltos de manera caprichosa y sin sentido. Es más, luego de la serie de flashback que lo hacen reaccionar, el espectador se queda pensando que se perdió algo porque no funciona como aclarador, sin mencionar que es otro gran cliché del cine. Es decir, las tres escenas claves que marcan en desenlace de la historia fallan de manera catastrófica. No así el resto de la película, que por momentos nos lleva por un grato camino entre el humor (a cargo del personaje que interpreta magistralmente Francella), la tragedia (centrada en el personaje de Morales, el marido de la victima) y el misterio. Y sobre todo el giro de tuerca final, que es muy impactante y doloroso.
Debo reconocer también, que las películas donde se revela un amor oculto por años me molestan bastante, como sucede aquí. Sobre todo cuando al final se juntan y abandonan sus familias. A esta altura de las circunstancias deberían buscar por otro lado, ya que esas historias cansaron hasta el hartazgo.
Las actuaciones están muy bien, destacándose ese gran actor argentino llamado Ricardo Darin, acompañado por Guillermo Francella aportando la cuota de humor que nunca falta en las películas de Campañella. El que desentona completamente es Pablo Rago, en una actuación muy poco creíble desde todos los ángulos, algo que no es ajeno a su carrera.
De cualquier manera, más allá de mis palabras la película es un éxito, tanto de taquilla como de crítica. A pesar de todo…

Bonus:
“El secreto de sus ojos” contiene las escenas más impactantes del cine argentino de los últimos años. El responsable es Rodrigo Tomasso, quien fuera el director de los efectos especiales y socio de Capanella de “Cien Bares”, productora que llevó adelante el proyecto. La película tiene 108 efectos visuales, aparte de la frutilla del postre que es el plano secuencia de 5 minutos en la cancha de Huracán. La gran mayoría de ellos no se notan. Hay mucha restauración de época como en Retiro, Tribunales, hay algunos planos del interior de la provincia de Lanús, donde hubo que reemplazar el tren por uno de la época. La participación de Tomasso, incluida la escena en la que a través de la animación llenó de público una cancha de futbol vacía, donde Darín y Francella buscan un supuesto asesino, no estuvo acotada a la post producción del film. El artista parananense intervino desde el origen del proyecto, junto a Campanella y participó también durante la filmación. “El rol del supervisor de efectos visuales no está impuesto todavía como debería ser, al nivel de un dirección de fotografía o un director de arte”, reconoce Tomasso y explica que “siempre se relaciona a los efectos visuales con post producción y en realidad es un proceso similar al resto. Vos tenés que estar desde la pre producción, como se hizo en esta película. Se juntan a las cabezas de equipo y se hace lo que se llama el página a página del guión y se va a aportando desde la especialidad de cada uno, para hacer las cosas de una forma que rinda en tiempo y costos”.

Puntaje: 7,0

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EL ATAQUE DE LAS ARAÑAS

2009-10-29T06:30:00.000-07:00

Título original: Eight legged freaks
Género: Comedia de horror
Año: 2002
Nacionalidad: EEUU y Australia
Duración: 99 minutos
Dirección: Ellory Elkayem
Elenco: David Arquette (Chris McCormack), Kari Wuhrer (Sheriff Sam Parker), Scott Terra (Mike Parker), Scarlett Johansson (Ashley Parker), Doug E. Doug (Harlan), Rick Overton (Diputado Pete), Leon Rippy (Wade), Matt Czuchry (Bret), Jay Arlen Jones (Leon), Eileen Ryan (Gladys), Riley Smith (Randy), Matt Holwick (Larry), Jane Edith Wilson (Emma), Roy Gaintner (Floyd), Don Champlin (Leroy).

Sinopsis:
“El ataque de las arañas” comienza con un barril de desperdicio tóxico cayendo accidentalmente a un lago en las cercanías de un pequeño pueblo en Arizona, Estados Unidos. El material afecta paulatinamente a la fauna local, incluyendo los insectos que un entomólogo usa para alimentar a las exóticas arañas que mantiene en su museo como débil atracción de turistas. Las arañas comienzan a crecer. La sheriff Parker (Kari Wuhrer) y un grupo de vecinos encabezados por Chris McCormack (David Arquette), dueño de las minas locales, tendrán que enfrentarse a la amenaza arácnida para salvar lo que quede de la pequeña comunidad.

Comentarios:
Si bien nunca fui fanático de las películas de monstruos gigantes, que fueron muy populares en la década del 50, debo reconocer que al menos me llamaron la atención, sobre todo por el grado de demencia que significa una película en la cual arañas, ratas, hormigas, o cualquier tipo de insecto crece hasta llegar a ser gigante y atacar a los humanos.
Haciendo una muy breve reseña nos podemos acordar de “La humanidad en peligro” (1954) donde los protagonistas se enfrentan a unas hormigas gigantes producto de mutaciones generadas por radiaciones nucleares; “Monster from Green Hall” (1957) donde los humanos huían de avispas gigantes; "Beginning of the end" (1957) en el cual una plaga de saltamontes gigantes invaden los bosques de Illinois; o "Attack of the giant leeches" (1959) donde una especie de sanguijuelas gigantes infestan los pantanos y desarrollan un gusto particular por la carne humana. Estos son algunos de los ejemplos, de los cuales en todos los casos el gigantismo era producto de algún desecho toxico que se perdía por el lago de manera misteriosa o trágica, provocando dicha mutación.
Pasaron más de cincuenta años, y la sociedad ha perdido el miedo hacia los experimentos con productos tóxicos o radiaciones nucleares y sus consecuencias, y con ello se llevó el cine de monstruos. Pero por suerte, de tanto en tanto aparece alguna película para recordarnos ese cine tan inocente.
“El ataque de las arañas” forma parte de ese grupo. Aquí la formula es exactamente la misma a la que se utilizaba cincuenta años atrás. Un camión con desechos tóxicos tiene un pequeño accidente en la ruta y pierde un barril que se cae a un lago. Un entomólogo que utiliza insectos para alimentar a sus extrañas arañas es el causante de que ellas crezcan hasta dimensiones inesperadas, ya que dicho alimento toxico se transforma como esteroides para las arañas. Claro que el tiempo pasa inexorablemente para todos, y Ellory Elkayem consciente de ello, no se toma en serio el tema, y en clave de homenaje la película se desarrolla a mitad de camino entre el horror y el humor en iguales dosis. La historia ocurre en un pequeño pueblo perdido de Estado Unidos, en el cual el alcalde actúa según sus propios interesases y no los del pueblo. La paz está garantizada por una sheriff que impone la ley, acompañada por un asistente un poco tonto. Por supuesto que es divorciada con hijos, de los cuales la hija adolescente (una sorprendente juvenil Scarlett Johansson) pasa por la etapa de rebeldía, mientras el hijo menor es el cerebrito que descubre la mutación de las arañas ante las burlas del pueblo. El orden aparente, parece desmoronarse cuando llega un forastero que no es tal. Chris, que hace diez años se alejó del pueblo y hoy vuelve para plantearle su amor incondicional al sheriff. Y están las arañas. Y el loco que las colecciona, que es el primero en morir.
Con todo este panorama cliché desde el comienzo hasta el final, el novel director Elkayem se encarga de rememorarnos ese clima de matinée (que en particular me encanta), y sin tomarse la historia en serio se va desarrollando ágilmente hacia un final tan esperado como tonto. A diferencia de las clásicas películas, aquí no hay un héroe tan marcado, sino que los principales actores de esa sociedad, cada uno ayudará para poder salir de este difícil conflicto.
Hay sobresaltos, hay risotadas. La película vale la pena, es inteligentemente tonta. Por más que los efectos visuales sean bastante buenos, el film tiene en su atmosfera un aire de clase Z que nos hace pasar un momento por demás agradable.

Bonus:
“Roland Emmerich y yo estuvimos hablando acerca de las películas de la década de 1950 “Tarántula” y “La humanidad en peligro”, dice el productor Dean Devlin. “Estuvimos de acuerdo en que nadie había hecho películas como aquellas en mucho tiempo”. Lo que los productores no sabían entonces es que el cineasta de Nueva Zelanda Ellory Elkayem había escrito, producido y dirigido poco antes “Larger Than Life”, un cortometraje de ciencia-ficción en blanco y negro de 13 minutos, al estilo de 1950, sobre una pequeña araña que en contacto con una sustancia tóxica crecía hasta proporciones descomunales y aterrorizaba a una mujer en su casa. Se trataba de una interesante combinación de humor, terror y suspense. Después de que este cortometraje fue estrenado con éxito en el Telluride Film Festival, el Productor Ejecutivo Peter Winther lo mostró a Emmerich y Devlin. “El estilo del cortometraje de Ellory era precisamente el mismo del que habíamos estado hablando”, menciona Devlin. “Sabíamos que esta era una oportunidad para revitalizar un género dormido”. “Nos centramos en cinco tipos diferentes de arañas: las arañas escupidoras, las arañas argiope, las tarántulas, las arañas saltadoras y las arañas de tapadera. Cada una de ellas tiene sus propios movimientos y sus propias personalidades. En nuestra película se comportan exactamente como les han dictado siempre sus instintos naturales. Todo esto es realista, sólo que las arañas son más grandes”.

Puntaje: 7,0

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UN NOVIO PARA MI MUJER

2009-10-24T17:39:00.000-07:00

Título original: Un novio para mi mujer
Género: Comedia
Año: 2008
Nacionalidad: Argentina
Duración: 100 minutos
Dirección: Juan Taratuto
Elenco: Adrián Suar (el Tenso), Valeria Bertuccelli (la Tana), Gabriel Goity (Cuervo Flores), Marcelo Xicarts, Martín Salazar, Luis Herrera.

Sinopsis:
El Tenso (Adrián Suar) no sabe cómo enfrentar a su mujer, la Tana (Valeria Bertuccelli), para decirle que se quiere separar, ya que la relación se le hace insostenible debido a su terrible carácter. Ella vive constantemente malhumorada: si no protesta por el tiempo, es por el gobierno; si no es por los vecinos, es por los jóvenes, o por los viejos… o por lo que fuere. Carlos, amigo del Tenso, le sugiere invertir el problema… y provocar que la Tana lo abandone a él. ¿Cómo? se pregunta el Tenso, y Carlos le presenta una propuesta: recurrir al Cuervo Flores (Gabriel Goity), un viejo seductor irresistible que seducirá a su mujer hasta el enamoramiento para que por fin el Tenso encuentre la solución a sus problemas…

Comentarios:
“Un novio para mi mujer” es la tercera película de Juan Taratuto, y la primera que dirige sin haber participado en el guion, y eso se nota a pesar de haber sido escrita por Pablo Solarz, que cuenta en su currículo con películas tales como “Historias mínimas”, la serie “Tiempo final” e inclusive coescribir ¿Quien dijo que no es fácil? con el propio Taratuto. Porque algo se quedó en el camino, y esta película no llega al nivel de sus dos anteriores.
Aquí el protagonista es Adrian Suar, que está casado con la Tana, una mujer insoportablemente quejosa y negativa las veinticuatro horas del día. Ya cansado de su humor, decide sacársela de arriba contratando al Cuervo Flores para que la seduzca y la saque de su lado. Este es el punto de partida para una historia bastante más absurda de lo que Taratuto nos tenía acostumbrado. Porque La Tana es llevada a un extremo en su malhumor, a tal punto que promediando la película logra sacarle rédito a ese insoportable defecto, en un programa de radio poco creíble. Pero no todo es malo. La historia tiene puntos muy buenos, en donde pasamos momentos sumamente divertidos, como la escena en el cumpleaños de un amigo de El Tenso, por citar un caso. El principal problema está en la historia , ya que peca de simple y en ningún momento logra sorprendernos, hasta diría que es demasiada predecible, inclusive en sus supuestas “sorpresas” que no llegan a ser tales. Pero como en toda película de Taratuto, siempre nos encontramos con escenas muy bien resueltas, que en definitiva nos hacen pasar una entretenida hora y media, que no es poca cosa.
El punto fuerte es, sin lugar a dudas, las actuaciones. Valeria Bertuccelli en el papel de La Tana hace un trabajo magistral en un papel bastante difícil. Adrian Suar como siempre correcto, sin sobresaltar. Y el “Puma” Goity manejando ese humor absurdo que tan bien le sienta.
Tal vez sea un punto bajo en la carrera del director, pero de todas formas no defrauda y nos permite pasar un rato ameno.

Bonus:
La película se estrenó en Argentina con gran éxito estando 8 semanas en el primer puesto en recaudaciones y 11 en total estando entre las películas más vistas de los fines de semanas. Fue vista por más de 1.330.000 personas y fue la película argentina más vista de año y la cuarta película más vista en el año. Muchos diarios la criticaron muy bien, pero igual no fue elegida para los Oscar ni para los Goya por su país. De cualquier manera, Patagonik (empresa que ya vendió derechos a los Estados Unidos para remakes de filmes como Nueve reinas -que se hizo- y El hijo de la novia -que nunca se concretó-) vendió los derechos a Warner Bros. para hacer la remake norteamericana. Según dijo Suar, Warner le ofreció la película a la productora de Steve Carell (Super agente 86, Virgen a los 40) para que el actor la protagonice. Carell tiene un acuerdo con Warner para desarrollar proyectos en sociedad. Según Suar, "Carell vio la película y le gustó... Ojalá que se pueda concretar con él".

Puntaje: 6,0

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NO TE METAS CON ZOHAN

2009-10-22T06:11:00.000-07:00

Título original: You Don't Mess with the Zohan
Género: Comedia
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 113 minutos
Dirección: Dennis Dugan
Elenco: Adam Sandler (Zohan), John Turturro (Fantasma), Emmanuelle Chriqui (Dalia), Nick Swardson (Michael), Lainie Kazan (Gail), Rob Schneider (Salim), Ido Mosseri (Oori), Dave Matthews (James), Michael Buffer (Walbridge), Charlotte Rae (Sra. Greenhouse), Sayed Badreya (Hamdi).

Sinopsis:
Zohan (Adam Sandler) es un agente israelí del Mossad que finge su propia muerte con el propósito de cumplir su sueño: convertirse en peluquero en la ciudad de Nueva York. Aunque quiere dejar atrás su anterior vida como antiterrorista, pronto se da cuenta de que no es tan fácil escapar de sus raíces. Enemigos nuevos y antiguos intentarán eliminarlo, pero al final todos aprenderán una misma lección: no debes meterte con Zohan.

Comentarios:
Zohan lo tiene todo. Dinero, fama y lindas mujeres a su alrededor. Solo que tiene una pequeña frustración que no le permite continuar con su vida sin sentir un vacío interior. A pesar de ser el agente israelí mas importante y venerado, muy dentro de sí, esconde su verdadera vocación: peluquero. Para cumplirla, se hace pasar por muerto en un enfrentamiento con su peor enemigo, y se escapa hacia Nueva York en busca de su tan ansiado deseo de trabajar en una peluquería.
Con esta absurda pero hilarante premisa, Adam Sandler vuelve a sorprendernos con un personaje increíblemente bizarro. Zohan llega a “la gran manzana” con una personalidad escondida, la cual quiere enterrar. Pero claro, él es así, y en situaciones cotidianas reacciona el guerrillero para destrabar conflictos, de manera demasiada radical, generando los mejores momentos reideros. La película sigue al personaje durante su intento de adaptarse a la ciudad, cosa que le será por demás fácil ya que su ingenuidad le permitirá rápidamente generar una amistad con un simpático pero torpe muchacho que lo ayudará a lograr su objetivo. En ese camino, nos encontramos con muchísimas situaciones graciosas, de las cuales algunas te sacan una risotada y otras no tanto, lo que hace que se vuelva un poco tonta y soez por momentos, con chistes que no logran su objetivo.
Lo que sí es interesante es el trasfondo cultural que contiene. En un mundo donde musulmanes y judíos se disputan la tierra santa desde hace muchísimo tiempo, cuando huyen hacia América en busca de prosperidad tienen que compartir el vecindario de la mejor manera. Y si bien no tienen las mejores relaciones, pueden convivir en paz. Pero Zohan llega al vecindario con el solo objetivo de trabajar en una peluquería, y deja de lado sus raíces y hace lo que parecería imposible para una persona como él: trabajar para una musulmán. Por supuesto que ella es muy hermosa y desea la paz mundial, faltaba más…Pero Zohan no lo hace porque se haya enamorado ni mucho menos (por supuesto que finalmente se enamorarán), simplemente porque fue la única que le abrió la puerta. Y él no tardará en devolverle la gentileza, ya que gracias a su potencia sexual, se convierte en un suceso, no tanto por el peinado sino que más bien por el trabajito sexual que viene de “yapa” con el corte de pelo. Pero no todo es prosperidad para Zohan, porque un musulmán lo reconoce y tratará de conectarse con su enemigo llamado “Fantasma”, que lo creía muerto, para que lo mate definitivamente.
Una curiosidad es la cantidad de cameos de personalidades famosas que hay a lo largo del film. Desde Chris Rock como chofer de taxi jamaiquino, Mariah Carey cantando y actuando de ella misma, John McEnroe y Kevin James actuando juntos, y hasta el propio director Dennis Dugan que se reservó un pequeñísimo papel.
En esta comedia intercultural, donde los judíos son buenos y los musulmanes malos (Que esperaban??!!), logramos reírnos por momentos, pero no llega a ser del todo satisfactoria la experiencia. Tal vez debamos hacerle caso a las personas que eligieron el nombre del film, y no deberíamos meternos con Zohan.

Bonus:
Cuando Adam Sandler decidió aceptar Zohan, se comprometió con el papel. Trabajó muy duro. Se entrenó con un marine de élite durante cuatro meses, levantando pesas, corriendo varios kilómetros, haciendo abdominales, sin snacks. También trabajó en su acento israelí. Recibió ayuda de la supervisora del guión Ronit Ravich-Boss, que es de Israel. Ayudó a Sandler con la pronunciación y el uso de las palabras. Además, fue útil tenerla cerca. “A veces Adam le preguntaba a Ronit si conocía la palabra hebrea para algo”, dice Dugan. “Si la palabra nos sonaba graciosa, Adam la usaba". Otro asesor de Sandler fue Eytan Ben-David, quien, al más puro estilo en que la realidad imita la ficción, es un antiguo soldado israelí que ahora trabaja en una peluquería de Los Ángeles. Ben-David quedó con Sandler y le dio consejos sobre cómo actúa un peluquero, cómo coge las tijeras y la jerga que utilizan. Dicho esto, darle vida a Zohan no fue todo cuestión de laca y acondicionador. Sandler se puso en muy buena forma para interpretar al agente antiterrorista. El otro asesor clave de Sandler fue el coordinador de especialistas Scott Rogers, veterano de Spider-Man 2 y 3 y Sky High, una escuela de altos vuelos. Tal y como explica Dugan, Scott estuvo a cargo de hacer alarde de las extraordinarias habilidades de Zohan. “Queríamos que todos los especialistas parecieran tan frescos y originales como fuera posible", dice Dugan. “No queríamos que los especialistas fueran cómicos, del estilo de Jackie Chan, sino reales, brutales, que dieran miedo y tan terroríficos como fuera posible y, cuando se pudiera, mostrar a Zohan haciéndolo”.

Puntaje: 5,5

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BELLE EPOQUE

2009-10-19T04:24:00.000-07:00

Título original: Belle epoque
Género: Comedia
Año: 1992
Nacionalidad: España, Portugal y Francia
Duración: 109 minutos
Dirección: Fernando Trueba
Elenco: Gabino Diego (Juanito), Penélope Cruz (Luz), Ariadna Gil (Violeta), Maribel Verdú (Rocío), Miriam Díaz-Aroca (Clara), Fernando Fernán Gómez (Manolo), Jorge Sanz (Fernando), Agustín González (Don Luis), Chus Lampreave (Doña Asun), Mary Carmen Ramirez (Amalia), Michel Galabru (Danglard).

Sinopsis:
Poco antes de la guerra civil, el joven Fernando (Jorge Sanz), decide desertar. Se esconde en una finca del campo y es acogido por un pintor excéntrico llamado Manolo (Fernando Fernán Gómez), también retirado por sus ideas políticas. Fernando encuentra allí a las cuatro hijas de su mentor: Rocío (Maribel Verdú), Violeta (Ariadna Gil), Clara (Miriam Díaz-Aroca) y Luz (Penélope Cruz), con las que entabla relaciones sucesivamente, en la duda de saber de quién enamorarse.

Comentarios:
Es curioso como los premios le cambian la historia a una película. Sobre todo si ese premio es nada más ni nada menos que el tío Oscar, y esa película es la segunda de su país en llevárselo. Algo de eso pasó con este film de Fernando Trueba, que no solo ganó el Oscar, sino que también arrasó con los Goya de ese mismo año.
La historia se centra en Fernando, un joven desertor que llega a un pueblo donde es acogido por Manolo, que tiene cuatro hijas que son la delicia y el sueño de cualquier hombre, y no solo por su belleza. Fernando ira cayendo en las redes que le tenderán cada una de ellas, en un juego en el cual el hombre es la víctima. La historia tiene un encanto muy particular, Trueba nos propone entrar en este mundo de seducción sin tapujos, en donde el deseo es el leitmotiv, por sobre todas las cosas. Desde un primer momento, Fernando es engañado por esa cuarteta cuando se las cruza en la estación de trenes y decide quedarse. Creyendo que con su encanto podrá atrapar a las chicas, abandona su viaja hacia Madrid para quedarse unos días más en casa de Manolo, y en compañía de sus hijas.
La primera en tenderle una trampa amorosa es Violeta. Y Fernando no solo cae en su falda sin más, sino que se enamora al primer revolcón. Lástima que Violeta es lesbiana, y solo quiso cumplir una fantasía bastante particular. De esta manera da comienzo ese periplo por las faldas de las diferentes hermanas, a los ojos de Luz, la más chica e inocente, que si se enamora de Fernando, aun a sabiendas de las andanzas con sus hermanas. Es muy interesante como se nos va revelando las intenciones de las chicas, verdaderas manipuladoras, y no solo de Fernando sino también de Juanito, joven que esta perdidamente enamorado de Rocío, pero que su madre (otra relación de dominación femenina) no ve con buenos ojos.
Trueba nos propone un juego de manipulación y dominación, partiendo de la seducción hasta el sexo, todo será cuando y como quieran las chicas. Tiene algo de paraíso y de infierno, al igual que ellas. Al igual que una época que cambió para siempre el concepto de la sociedad.
Belle Epoque es una película coral, con un elenco en donde sobrepasan las mujeres, principalmente la cuarteta que componen a las hijas de Manolo, donde da muchísima curiosidad ver a Penélope Cruz tan joven, en un papel lleno de inocencia, totalmente diferente a lo la hemos visto estos últimos años.

Bonus:
La “Belle Époque” (del francés: “Época Bella”, con un matiz, además de estético, de pujanza económica y satisfacción social) es una expresión nacida tras la Primera Guerra Mundial para designar el periodo de la historia de Europa comprendido entre la última década del siglo XIX y el estallido de la Gran Guerra de 1914. Esta designación respondía en parte a una realidad recién descubierta que imponía nuevos valores a las sociedades europeas (expansión del imperialismo, fomento del capitalismo, enorme fe en la ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad); también describe a una época donde las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población (desde la aristocracia hasta el proletariado), y también este nombre responde en parte a una visión nostálgica que tendía a embellecer el pasado europeo anterior a 1914 como un paraíso perdido tras el salvaje trauma de la Primera Guerra Mundial.

Puntaje: 6,5

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HABLE CON ELLA

2009-10-16T03:21:00.000-07:00

Título original: Hable con ella
Género: Drama
Año: 2002
Nacionalidad: España
Duración: 112 minutos
Dirección: Pedro Almodovar
Elenco: Javier Cámara (Benigno), Leonor Watling (Alicia), Darío Grandinetti (Marco), Rosario Flores (Lydia), Geraldine Chaplin (Catarina), Mariola Fuentes (Rosa), Roberto Álvarez (Doctor), Chus Lampreave (Consuegro), Fele Martínez (Alfredo), Elena Anaya (Ángela), Lola Dueñas (Matilde).

Sinopsis:
El telón de rosas color salmón y grandes flecos dorados que cubre el escenario, se abre para ver un espectáculo de Pina Bausch, Cafe Müller. Entre los espectadores, dos hombres están sentados juntos por casualidad, no se conocen. Son Benigno (un joven enfermero) y Marco (un escritor de cuarenta y pocos años). En el escenario, completamente lleno de sillas y mesas de madera, dos mujeres con los ojos cerrados y los brazos extendidos se mueven al compás de "The Fairy Queen" de Henry Purcell. La pieza provoca tal emoción que Marco rompe a llorar. Benigno puede ver el brillo de las lágrimas de su casual compañero, en la oscuridad del patio de butacas. Le gustaría decirle que a él también le emociona el espectáculo, pero no se atreve. Meses más tarde, los dos hombres vuelven a encontrarse en la Clínica "El Bosque", una clínica privada donde Benigno trabaja. Lydia, la novia de Marco, torera de profesión, ha sufrido una cogida y está en coma. Benigno justamente se ocupa del cuidado de otra mujer en coma, Alicia, una joven estudiante de ballet. Cuando Marco pasa junto a la puerta de la habitación de Alicia, Benigno no duda en abordarlo... Es el inicio de una intensa amistad... tan lineal como una montaña rusa. Durante el tiempo suspendido entre las paredes de la clínica, la vida de los cuatro personajes fluye en todas las direcciones, pasado, presente y futuro, arrastrando a los cuatro a un destino insospechado.

Comentarios:
Los hombres mirados a través de las historias femeninas y de los ojos de Almodóvar. De eso se trata esta nueva película del genial director manchego. Y si, es de destacar, ya que su carrera se ha cimentado en historias femeninas u homosexuales. Pero claro, no es que hayan quedado de lado, ya que Benigno y Marco se conocen a través de dos mujeres encerradas en un coma profundo. Marco llega a la clínica para acompañar a su novia, que tras una cogida de toro cae en un profundo coma. Mientras Benigno, enfermero de profesión, cuida muy atentamente a Alicia, una joven estudiante de ballet que tras sufrir un accidente cae en un coma profundo que le lleva dos años sin tener conciencia, en la cama de la clínica. Cuando se cruzan por casualidad, Benigno no duda en acercarse en busca de una extraña amistad. Pero todo comienza con esa crueldad como lo son las corridas de toros. Con una mujer en el papel del hombre frente a la fiera. Esperándola de rodillas, arrastrada con fiereza…
Cuatro personajes, dos amores… Almodóvar nos plantea un universo complejo de relaciones, que con el correr de los minutos (y los reiterados flashback) la sorpresa se hará presente, para enriquecer aún mas este enredado planteo. Pero sobre todo es un contrapunto de personajes tan disímiles como parecidos. Benigno es una persona ambigua a todo nivel. Lo conocemos en una obra de teatro, admirando las lágrimas de Marco de manera por demás intensa. Al igual que cuando lo encuentra en la clínica, como quien ha encontrado al amor de su vida. Pero por otro lado esta su relación con Alicia, la joven en estado de coma, que él cuida hasta el más mínimo detalle. Verlo masajear sus piernas nos dice mucho más que los reiterados flashback que nos muestran que no es solo una simple paciente, sino que es algo que nunca tuvo y siempre deseó. En el otro polo se encuentra Marco, un periodista que dice todo lo que piensa y actúa con seguridad en sus actos. Es racional, centrado y sobre todo práctico. Benigno le habla Alicia, convive con ella, y está feliz de su relación. Mientras que Marco acompaña el cuerpo de Lydia, esperando que despierte algún día, o simplemente por culpa. Pero entre estos dos hombres, nacerá una relación de amistad como ninguno nunca antes la vivió, sobre todo Marco que aprenderá que la vida cuenta con momentos mágicos para todos, inclusive para él.
No conviene revelar como prosigue la historia, simplemente acentuar el grado de provocación natural de Almodóvar, que aquí vemos una vez más, tocando un tema que provoca tanta urticaria en la sociedad desde un lugar humano, si se le puede decir. Almodóvar es transgresor por naturaleza, y eso se ve reflejado en su cine una vez más. Pero también es una persona con sentimientos a flor de piel, esos sentimientos tan profundos que logra traspasarle a sus personajes en cada una de sus películas, aunque esos sentimientos tan puros los lleve a cometer un acto aberrante, es solo sentimiento.
El elenco siempre es una pieza clave en sus películas, y aquí no es la excepción. Rosario Flores en un papel un poco extraño, hecho a su medida. Leonor Watling que si bien participa en todo el film, casi siempre lo hace en estado de coma, pero su belleza es un punto importante en la historia. Dario Grandinetti es un gran actor, pero siempre me rechina cuando un actor argentino (y sobre todo él, que es bien argentino) actúa con acento neutro o español, y es lo que hace a lo largo del film, por lo tanto pierdo en credibilidad. Y para el final dejo a Javier Cámara, un notable actor, que en el difícil papel de Benigno logra trasmitirnos esa compleja personalidad de manera tan natural, que nos pone los pelos de punta.
Almodóvar nos sigue dando buen cine, y eso es una gran noticia.

Bonus:
Hable con ella se estrenó el 15 de marzo de 2002 en las salas españolas. El preestreno fue ante más de 500 estudiantes de Comunicación Audiovisual de la Universidad Complutense de Madrid, que quedaron rendidos ante el film. El recibimiento general del filme fue bueno, sobre todo en el extranjero donde cosechó importantes premios como el Oscar al mejor guión original y una nominación como mejor director, el Globo de Oro al mejor film extranjero y dos premios BAFTA, al mejor guión original y al mejor film extranjero. Contrariamente, en España, donde llegó a recaudar 6.208.691,42 euros, no tuvo tanta fortuna en cuanto a premios, ya que fue dejada de lado por la Academia Española al no seleccionarla para representarla en los Oscar. También recibió algunas voces críticas fuera de la Academia, como la de la periodista Pilar Rahola que en un artículo del diario Avui, publicado el 28 de marzo de 2002 titulaba “A Pedro Almodóvar sobre la crueltat”. En el mismo se denunciaba que el director había infringido la ley 1/1990 de Protección de Animales Domésticos, ya que los toros utilizados para el rodaje de las escenas taurinas fueron sacrificados de manera deplorable.

Puntaje: 8,5

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TRICK 'R TREAT

2009-10-13T15:39:00.000-07:00

Título original: Trick 'r Treat
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU y Canada
Duración: 82 minutos
Dirección: Michael Dougherty
Elenco: Dylan Baker (Steven), Rochelle Aytes (Maria), Quinn Lord (Sam), Lauren Lee Smith (Danielle), Moneca Delain (Janet), Tahmoh Penikett (Henry), Brett Kelly (Charlie), Britt McKillip (Marcy), Isabelle Deluce (Sara), Jean-Luc Bilodeau (Schrader), Alberto Ghisi (Chip), Samm Todd (Rhonda), Anna Paquin (Laurie), Brian Cox (Mr. Kreeg), Leslie Bibb (Emma)

Sinopsis:
La noche de Halloween es cuando los muertos salen a caminar entre nosotros y otros extraños entes circulan libres, fecha que será utilizada para entrecruzar cuatro historias en un pequeño pueblo. Una de las historias se centra en un director de instituto que se convierte en un vicioso asesino en serie con la luna llena. Otra trata de una virgen en edad universitaria que se reserva para el hombre de su vida, a quien cree que acaba de conocer. La tercera versa sobre una mujer cuyo odio hacia Halloween solo es superado por el amor que le tiene su marido a esta festividad. Por último, un grupo de adolescentes despiadados llevan a cabo una broma imperdonablemente cruel.

Comentarios:
“Trick 'r Treat” es una verdadera película de Halloween. No solo porque las historias transcurren en ese tradicional día, sino que en sus ochenta y pocos minutos, contiene todos los ingredientes que hacen de ese día una fecha tan particular para todos. En clave de homenaje a esas grandes series americanas como lo fueron “Cuentos desde la cripta” y “Creepshow”, la película nos cuenta aterradoras historias de brujas, zombies, vampiros, hombres lobos, y hasta la calabaza asesina se hace presente a lo largo del film. Con una estructura a lo “Pulp fiction”, cuatro historias que se entrecruzan a lo largo de una misma noche en un pueblo de los Estados Unidos. Un director de instituto que aprovecha el día para saciar sus peores deseos reprimidos, que tiene por vecino a un viejo amargado que odia las festividades, pero que esta vez tendrá una visita muy especial. Un grupo de niños que luego de la recorrida por diferente casas se alejan del pueblo para ir a un lugar donde habita una leyenda muy particular, con el único objetivo de hacerle una broma a la más tonta, pero que traerá consecuencias insospechadas. Mientras un trío de chicas muy apetecibles, recorren el pueblo en busca de chicos con quien ir al baile, entre ellas una que busca a alguien especial para perder la virginidad. Todo entrelazado y enmarcado en un lugar especialmente acogedor y festivo.
El novel director Michael Dougherty (que también escribió la historia) retoma con este film las cintas de terror que se hicieron muy populares a finales de la década de los ochenta, que manejaban diferentes historias cortas con un único común denominador como el terror. Por supuesto que las diferencias son notorias, pero hay que destacar el espíritu que impregna a esta película, digna de los mejores capítulos de aquellos años. Aquí no hay ningún espectro con los ojos rasgados, ni mutilaciones en primerísimo plano. Aquí vemos una muestra del terror clásico adolescente con que nos asustábamos aquellos que ya pasamos los treinta años.
Es una película coral, y como tal el funcionamiento del elenco es vital para que el resultado final sea satisfactorio. Y aquí no falla, en un elenco en donde encontramos algunas figuras medianamente conocidas (Anna Paquin, Brian Cox o Leslie Bibb), la calidad proviene de los desconocidos, sobre todo del plantel juvenil que se desenvuelve en gran forma en su parte de la historia, que s sin dudas la más interesante y jugosa de las cuatro que componen este film.
Realmente es un deleite encontrarse con esta desconocida joyita, para sentirnos jóvenes nuevamente sintiendo miedo por aquellas cosas que tan mal nos hacía pasar la noche. A pocos días de Halloween, es ideal echarle un vistazo para salir con todas las ganas (o miedo) a recorrer el barrio diciendo “truco o travesura”.

Bonus:
La historia de la frase “trick or treat” esconde un origen lejano al hábito actual de los niños que amenazan con “hechizar” si no se les da un “regalo”. Halloween era un festival que celebraban los Celtas, señalando el principio del invierno (Cavendish). Estas sociedades druidas adoraban y servían a Samhain, dios de la muerte. Cada año, el 31 de octubre, los druidas celebraban la víspera del año nuevo céltico en honor de su dios Samhain, brindándole sacrificios animales y humanos. ¿Qué hacían esa noche?: Los druidas se vestían esa noche con cueros y cabezas de animales. Disfrazados de fantasmas, espíritus y brujas; iban por todo el vecindario recogiendo ofrendas para el dios de la muerte y las tinieblas Samhain, y así brindarle su honor y sacrificios. Si los sacerdotes no quedaban conformes o a gusto con los obsequios, ellos le hacían el “trick” (o truco) a la familia de la casa, quemándole su terreno, llevándose a la doncella, matando su ganado o maldiciendo con enfermedades a la familia. Este es el origen de la frase "Trick or Treat" (truco o travesura). Una vez recogidas y reunidas todas las ofrendas, los sacerdotes druidas hacían grandes fogatas ofreciendo en ellas sacrificios humanos o animales para adorar a su dios.

Puntaje: 7,0

TRAILER:

SPLINTER

2009-10-10T14:14:00.000-07:00

Título original: Splinter
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 82 minutos
Dirección: Toby Wilkins
Elenco: Shea Whigham (Dennis Farell), Paulo Costanzo (Seth Belzer), Jill Wagner (Polly Watt), Rachel Kerbs (Lacey Belisle), Charles Baker (Blake Sherman Jr.), Laurel Whitsett (Sheriff Terri Frankel)

Sinopsis:
Una joven pareja de recién casados, se resguardan de un voraz parásito mutante en una gasolinera. El parásito transforma a sus víctimas en unas máquinas mortíferas. A su vez, la pareja deberá establecer amistad con un ex-convicto fugado de la cárcel, para poder, juntos, acabar con el extraño ser.

Comentarios:
Reconozco que cuando vi por un lado a la pareja de jóvenes intentando acampar, y el malo con su chica por el otro, estuve a punto de apagar la tele. No podía tener peor comienzo una película. Pero por suerte decidí seguir mirándola y me encontré con una interesante propuesta. Porque luego de pasar este más que común comienzo, una vez realizado el encuentro entre ambos, la historia nos lleva a esa gasolinera donde quedan encerrados durante el resto del metraje, con un ser extraño afuera. Y aquí es donde la película gana en intensidad y en calidad. Convengamos que no es tarea fácil mantener un largometraje con cuatro personajes encerrados en una locación durante gran parte de la película. Pero Wilkins lo logra con bastante astucia, ya que cuando la historia parece estancarse, introduce algún elemento para sacudir, y sobre todo para avanzar en la búsqueda desesperada de los protagonistas por salir del lugar.
Si algo se le puede achacar, es al pulso por demás nervioso que propone con su cámara cada vez que aparece la cosa. No sabemos si es por una decisión estética, o porque no confiaba en los efectos especiales, pero la verdad es que molesta bastante.
Mención aparte para el hermano menor del popular “dedos” de la familia Addams, que esta vez aparenta ser malo e intentará llegar a los refugiados para infectarlos, sin que podamos esbozar alguna risotada, cuando el cometido era otro…Pero bueno, no hay mucho más para decir, simplemente reconocer que es una película con la cual se puede pasar un buen momento frente al televisor.

Bonus:
La película gano 6 premios del “Screamfest Awards” y 3 premios del “Night of horror”. A su vez estuvo nominado a los “Saturn Awards ” como mejor película de horror. Actualmente participa de los “Scream 2009” con dos nominaciones, “Best horror movie” y “Most Memorable Mutilation”, con la particularidad de que los internautas pueden votar hasta el próximo 27 de octubre del 2009 ingresando a: http://www.spike.com/event/scream2009/.

Puntaje: 6,0

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SECTOR 9

2009-10-07T14:50:00.000-07:00

Título original: District 9
Género: Ciencia ficcion
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU, Nueva Zelanda
Duración: 112 minutos
Dirección: Neill Blomkamp
Elenco: Sharlto Copley (Wikus van der Merwe), David James (Koobus), Jason Cope (Christopher Johnson), Mandla Gaduka (Fundiswa Mhlanga), Vanessa Haywood (Tania), Kenneth Nkosi (Thomas), William Allen Young (Dirk Michaels).

Sinopsis:
Hace casi treinta años, los alienígenas contactaron por primera vez con el planeta Tierra. La raza humana esperó un ataque hostil o un gran avance en la tecnología. No ocurrió ninguna de las dos cosas. Los alienígenas eran refugiados, los últimos sobrevivientes de su planeta de origen. Al tiempo que las naciones del mundo intentaban ponerse de acuerdo en lo que tenían que hacer con ellos, las criaturas fueron instaladas de forma temporal en el Distrito 9 de Sudáfrica. Ahora, la paciencia en cuanto a la situación de los alienígenas se ha agotado. El control sobre los extraterrestres ha sido delegado en la Multi-National United (MNU), una compañía privada que lo que le interesa no es el bienestar de los alienígenas sino las formidables ganancias que les podría reportar su impresionante armamento, en el caso de que pudieran hacerlo funcionar. Hasta el momento no lo han logrado; la activación de las armas requiere ADN alienígena. La tensión entre los extraterrestres y los humanos llega a un punto crítico cuando un operario de campo, Wikus (Sharlto Copley), contrae un misterioso virus.

Comentarios:
La idea primaria de Sector 9 es sumamente interesante. Esta vez los extraterrestres no llegan a invadir, ni siquiera en son de paz. Simplemente llegan refugiados de su planeta. Y ahí comienza un nuevo problema para nuestro mundo, que bastante tiene ya con las diferentes razas y credos, como para sumarle ahora extraterrestres indefensos. Y no tienen mejor idea que encerrarlos en una especie de gueto, dentro de Johannesburgo, ciudad en la cual encallaron (si así se puede decir). Fíjense que curioso, una vez los extraterrestres comienzan a mejorar, poco a poco demuestran ser seres poco inteligentes en sus acciones, y sobre todo molestos para los seres humanos. Entonces, no tienen mejor idea que trasladarlos hacia otro lugar bastante más alejado de la civilización, para tapar el problema, por lo menos por un tiempo y de la vista de las personas (cualquier semejanza con la realidad no es pura coincidencia).
Partiendo de esta muy original historia Blomkamp, se centra en el ejecutivo que se encarga del traslado de los extraterrestres, que en una visita que realiza al gueto para convencerlos del traslado, es contaminado por un fluido que le traerá consecuencias inimaginables. Y aquí sucede algo que es bastante común en el campo cinematográfico, porque una vez explicada la historia de la llegada de los extraterrestres, los guionistas (el propio Blomkamp junto a Terri Tatchell ) se encuentran con que esa excelente idea que imaginaron no es suficiente para desarrollar una historia, entonces no tienen mejor idea que enfocar la historia hacia un lado bastante más recorrido en la historia del cine. Por lo tanto, una vez que pasamos los primeros minutos que nos sitúan en el contexto, comienza la historia del bueno perseguido, y que a su vez lucha por encontrar la salvación que lo lleve a volver a ser el mismo de antes. Es decir, estructura clásica del cine de ciencia ficción. Pero no por eso pierde en calidad, ya que de alguna forma nos traslada a las viejas películas de matinée, que tan buenos momentos nos ha hecho pasar, y Hollywood las ha dejado de lado. Pero lo curioso es que pasa de ser una historia original, a transformarse en una historia clásica con todo lo que eso conlleva, tanto lo malo como lo bueno por igual. Culminando con un sesgo romántico y la ventana abierta para realizar una secuela.
A nivel estético ocurre algo similar, todo comienza mostrado como un falso documental, para luego pasar (al igual que la historia) hacia un lugar bastante más común y formal de lo que prometía al comienzo.
Los efectos especiales merecen un capítulo aparte, ya que en ningún momento sentimos que estamos ante una gran mentira como es el cine, sino que por el contrario, a medida que transcurren los minutos nos vamos familiarizando con los extraterrestres y perdemos de vista que no son mas de efectos especiales. Lo mismo sucede con la nave que flota en la ciudad, con un diseño espectacular en sus detalles.
En definitiva, una película muy recomendable sobre todo para disfrutarla en el cine, que esta por encima de la media, que no es poca cosa.

Bonus:
La génesis de DISTRICT 9 se remonta a un cortometraje, un falso documental de bajo presupuesto llamado “Alive in Jo’burg” que Blomkamp rodó en un barrio de chabolas de Johannesburgo hace un par de años. En el cortometraje, Blomkamp introduce alienígenas intergalácticos dentro de la mezcla cultural de Johannesburgo. Para ese filme, Blomkamp se metió en las calles con un equipo de cámara para buscar las reacciones de la gente real. Pronto descubrió que la idea de refugiados intergalácticos que llegan a las puertas de su ciudad encajaba con el conflicto real y la xenofobia que prevalece entre los habitantes de Johannesburgo frente a los inmigrantes ilegales de los países vecinos. Las honestas reacciones capturadas por la cámara le dieron una gran vitalidad al cortometraje y diluyeron la línea divisoria entre la realidad y la ficción. Blomkamp y su compañera de guión, Terri Tatchel, utilizaron como trampolín la temática y los componentes visuales del cortometraje y dieron vida al personaje de Wikus y a dos personajes alienígenas centrales, Christopher Johnson y su hijo Little C.J. El amigo de infancia y colaborador de Blomkamp, Sharlto Copley, interpreta el papel de Wikus van der Merwe, el oficial de la MNU a cargo de la recolocación de los no-humanos del Distrito 9 en el campo de concentración del Distrito 10. Copley también trabajó en el cortometraje Alive in Jo’Burg, como productor.

Puntaje: 8,0

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DOS EXTRAÑOS AMANTES

2009-10-04T18:30:00.000-07:00

Título original: Annie Hall
Género: Comedia
Año: 1977
Nacionalidad: EEUU
Duración: 93 minutos
Dirección: Woody Allen
Elenco: Woody Allen (Alvy Singer), Diane Keaton (Annie Hall), Tony Roberts (Rob), Carol Kane (Allison), Paul Simon (Tony Lacey), Janet Margolin (Robin), Shelley Duvall (Pam), Christopher Walken (Duane Hall) Colleen Dewhurst (Mrs. Hall).

Sinopsis:
Alvy Singer es un comediante de clubs nocturnos que a los 40 años hace un repaso de su vida tras romper con su última novia, Annie. Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella, a la que conoce tras un partido de tenis. Alvy es un tipo especial, algo neurótico, dominado por una serie de obsesiones que acaban por destruir cada una de sus relaciones.

Comentarios:
Excelente película del genial Woody Allen, que en su momento marcó un punto de quiebre en su carrera, que hasta ese momento apuntaba más hacia la comedia con una estructura menos compleja. Usando el cine como psicoanálisis, Allen nos propone un repaso de la vida de Alvy (protagonizado por el propio Allen), basándose en la historia de sus desamores. Su familia, su infancia en una casa debajo de una montaña rusa, y por sobre todo sus diferentes amores, principalmente Annie, su última desilusión amorosa.
La película comienza con un pequeño monologo, en el cual el personaje dice de sí mismo “Nunca ingresaría a un club donde acepten socios como yo”, para marcar su grado de neurosis, tal vez demasiada para quedar solo encerrada en la proyección del cine. A tl punto que promediando la película rompe la regla número uno, y en determinados momentos el personaje le habla directamente al espectador, mirándolo a los ojos.
Manejando su humor tan particular que venía desarrollando en las anteriores películas, a partir de aquí Allen comienza a incursionar en el mundo de las relaciones amorosas. Con un maravilloso guion que escribió junto a Marshall Brickman, centrándose en la relación que Alvy y Annie mantienen en una ciudad como Nueva York por aquellos años, principalmente desde el punto de vista sexual.
Con la notable Diane Keaton en el papel de Annie Hall (según dicen, él la escribió para ella), el film nos deleita con su contrapunto actoral y un sinfín de escenas reideras que hacen de este film, uno de los grandes clásicos del cine Norteamericano. Mención aparte merece la escena en la terraza, en la cual ambos mantienen un dialogo sin interés, y por intermedio de subtítulos logramos ver lo que realmente están pensando. Magistral!
Más de 30 años han pasado, y este film ha servido de inspiración para muchísimas comedias que se basan en las relaciones de pareja, más de un chiste o gag ha sido copiado hasta el hartazgo. Pero a 30 años de su realización, aun mantiene su frescura y su encanto como la primera vez.

Bonus:
La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia (cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando pisó por primera vez la alfombra roja de este evento), aquella vez dijo que se le había olvidado, ese día se quedó tocando el clarinete. Antes de adquirir el título por el que es conocida, Annie Hall llegó a llamarse Anhedonia (incapacidad de disfrutar la vida, es una enfermedad psicológica, la productora no permitió que se le colocase un nombre tan poco atractivo) o Una montaña rusa llamada deseo, referencia doble a la montaña rusa que aparece en la película y a la obra de Tennessee Williams (Un tranvía llamado deseo).

Puntaje: 8,5

TRAILER:

LARS Y LA CHICA REAL

2009-10-02T08:50:00.000-07:00

Título original: Lars and the real girl
Género: Drama
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 106 minutos
Dirección: Craig Gillespie
Elenco: Ryan Gosling (Lars Lindstrom), Emily Mortimer (Karin), Paul Schneider (Gus), Patricia Clarkson (doctora Dagmar), R.D. Reid (reverendo Bock), Kelli Garner (Margo), Nancy Beatty (Sra. Gruner), Doug Lennox (Sr. Hofstedtler), Joe Bostick (Sr. Shaw), Liz Gordon (Sra. Schindler), Nicky Guadagni (Sra. Petersen).

Sinopsis:
Lars (Ryan Gosling), un joven enormemente tímido y dulce que vive en una pequeña localidad junto a su hermano (Paul Schneider) y su cuñada (Emily Mortimer), lleva por fin a casa a Bianca, la chica de sus sueños. El problema es que Bianca es una muñeca que encargó por Internet, aunque Lars la trata como si fuera una persona real. Alentados por una doctora (Patricia Clarkson) y en un esfuerzo por comprenderle, su familia decide seguir con la fantasía de Lars, de la que pronto acabará participando todo el pueblo.

Comentarios:
Hay películas que parten de ideas absurdas para retratar de una manera diferente situaciones cotidianas. Recuerdo vagamente una película del italiano Marco Ferreri, en la cual el protagonista se enamora de un llavero (Así como lo leen). En este caso el objeto de amor no es un llavero, pero si una modernísima mujer inflable. Lars, tan solitario como un perro, demasiado tímido como para relacionarse con el sexo opuesto, sin saber muy bien porque ni como decide encargarse una muñeca inflable, con la que se pasea por todo el pueblo cual si fuera su novia. Convencido de que se trata de una chica brasilera que conoció por internet, decide al fin salir del encierro en el que vivía para disfrutar de la vida junto a su amada. Su hermano y su cuñada se encargaran por todos los medios de convencer a las personas del pueblo para que les sigan la corriente a Lars, y la muñeca Bianca pasa a ser una habitante más del pueblo para alegría de Lars.
Más allá de lo absurdo, la historia es muy interesante, sobre todo para mostrar la soledad e indiferencia que sufren las personas extremadamente introvertidas. Lars vivía encerrado en su casa, y se negaba a tener contacto con el resto de los mortales (con la excepción del trabajo), y una vez dentro de su delirio comienza a abrirse a la sociedad, siendo una persona activa en las diferentes actividades del pueblo. Es feliz y se le nota. Entonces, por que romperle la ilusión?
El gran problema de la película radica en que el absurdo llega a todo el pueblo, diría que hasta un extremo, llegándole a sacar eficacia al recurso. Cuando los vecinos reclaman la presencia de la muñeca en diversas actividades, empezamos a sentir de que la historia tomó un camino en el cual deja demasiado de lado la realidad para transformarse en una fabula. Cuando la demencia de Lars es vista por primera vez desde los ojos de su hermano y su cuñada, es de los mejores momentos de la película. Es ese choque con la realidad, en donde ver a un ser querido delirando con una muñeca se transforma de tragicómico a doloroso y desesperante. Lástima que luego de esos minutos, el delirio transfiere la mente de Lars y se instala en el pueblo, dejando a un segundo plano los momentos de choques con la realidad que le habrían aportado mayor dramatismo a la historia. Sin lugar a dudas lo mejor de la película es el constante engaño que realiza la doctora Dagmar, haciéndole creer a Lars que le está haciendo controles médicos a Bianca, para psicoanalizarlo sin tomar conciencia.
Muy original historia, muy buenas actuaciones (sobre todo Ryan Gosling, excelente), y una película para ver algo distinto del cine que nos llega habitualmente de Norteamérica.

Bonus:
Ryan Gosling (actor que encarna a Lars) nació en Ontario, Canadá, el 12 de noviembre de 1980. A los 17 años abandonó los estudios para mudarse a Los Ángeles. Nunca realizó ningún estudio para llegar a ser actor, aunque sí toca la guitarra y tomó clases de baile y canto desde muy joven. Su primera experiencia en la televisión fue en 1990, en El Club de Mickey Mouse, donde compartió créditos con Justin Timberlake, Christina Aguilera y Britney Spears. Mantuvo una relación de tres años, anunciando su ruptura en noviembre del 2007, con Rachel McAdams. Otra relación conocida del actor es la que mantuvo con Sandra Bullock durante dos años, que comenzó después del rodaje de la película Murder by Numbers. Ryan es dueño de un restaurante de comida marroquí llamado "Tagine", ubicado en Beverly Hills (Los Ángeles). Además, tiene una banda llamada Dead Man's Bones donde participa como vocalista principal.

Puntaje: 6,0

TRAILER:

LOS EXTRAÑOS

2009-09-29T07:20:00.000-07:00

Título original: The strangers
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 86 minutos
Dirección: Bryan Bertino
Elenco: Liv Tyler (Kristen McKay), Scott Speedman (James Hoyt), Gemma Ward (la muñeca), Kip Weeks (el enmascarado), Laura Margolis (chica Pin-Up), Glenn Howerton (Mike).

Sinopsis:
Kristen McKay (Liv Tyler) y James Hoyt (Scott Speedman) habían decidido pasar una noche especial en la aislada segunda residencia de la familia Hoyt. Al regresar a casa después de asistir a la boda de una amiga, el mundo de la feliz pareja se derrumba cuando alguien llama a la puerta a las 4 de la mañana y pregunta: "¿Está Tamara?"

Comentario:
No extraña que “Los extraños” haya tenido éxito de taquilla en el norte, ya que maneja un estilo de terror bastante innovador para esos lugares, pero poco original para el cine de terror europeo, sobre todo el francés. Es inevitable comenzar hablando de las similitudes que tiene este film con la franco-rumana “Ils”. Porque a pesar de lo que muchos piensan, “Los extraños” no es una remake de “Ils”, por lo menos no lo es declarada. Ambas historias cuentan sobre una pareja que está sola en una casa de campo, y en el medio de la noche unos extraños invaden su tranquilidad, con el simple objetivo de matarlos por diversión. Como verán las historias son idénticas, por lo tanto es difícil evaluar esta película sin olvidarse de su antecesor, pero lo intentaré de aquí en adelante.
Visualmente el film es muy interesante en su planteo. Con una iluminación bastante austera y puntual. Filmada cámara en mano, y con muchos encuadres extraños y, sobre todo con mucho movimiento de pulso, el novel director logra trasmitirnos el miedo y nerviosismo que viven la pareja. Tal vez lo problemas estén más sobre el guion, que por momentos cae en lugares comunes y pierde efectividad en la sorpresa. Otro punto en contra, es el juego el gato y el ratón que se plantea. Los extraños nunca dejan de ser el gato, controlan cada movimiento que la chica hace en busca del escape, lo que hace que la victima nunca traspase el límite de ser perturbada a escapar por su vida, por lo tanto se empantana en una misma idea y llega a perder algo de interés para el público.
La hermosa Liv Tyler se pasea por la película entre gritos y llanto un poco desmedidos por momento, pero era una parada difícil que supo salir airosa.
El final es lo peor de la cinta, pero a esa altura de los acontecimientos no nos imaginábamos otra cosa. En fin, la película entretiene y asusta, y para lo que es Hollywood hace una diferencia con ls media. Pero para ser una remake (aunque no declarada) perdió muchísimo de lo bueno que tenia “Ils”.

Bonus:
En otoño de 2004, Bryan Bertino dio el guión a su representante, Michael Connolly. Le gustó y pensó que no sería difícil venderlo, por lo que organizó una reunión con Vertigo Entertainment. El productor ejecutivo Sonny Mallhi y sus colegas de Vertigo, los productores Roy Lee y Doug Davison, leyeron el guión y estuvieron de acuerdo en que tenía una cualidad especial. Sonny Mallhi dice: “Era diferente de las otras películas de terror, también de las películas producidas por Vertigo. Tenía una fuerte dosis de realismo, dejaba la sensación de que podía pasarle a cualquiera”. Al productor ejecutivo no sólo le fascinó la calidad y belleza del guión, sino su desgarrador final. “Me atrajo la historia de amor de los dos protagonistas”, explica. “La profunda relación entre Kristen y James, dos personas que caen bien, es un elemento que no suele estar presente en este tipo de películas”. Vertigo compró el guión, y Bryan Bertino se apresuró en dejar su trabajo. “Estaba convencido de que ya no me haría falta trabajar como maquinista”, recuerda, riendo. Mientras seguía puliendo el guión, Vertigo ofreció compartir el proyecto con otra productora, Mandate Pictures, “The strangers” no tardó en tener oficina en Rogue Pictures, donde Vertigo ya se ocupaba de otros proyectos. Como es lógico, los productores hablaron con varios directores, pero todos querían adaptar el guión y personalizarlo. Finalmente, decidieron escoger al propio guionista, convencidos de que era el más idóneo para dirigir la película.

Puntaje: 6,0

TRAILER:

EL TREN DE LA MEDIANOCHE

2009-09-25T10:55:00.000-07:00

Título original: The midnight meat train
Género: Suspenso
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 98 minutos
Dirección: Ryûhei Kitamura
Elenco: Bradley Cooper (Leon Kaufman), Leslie Bibb (Maya), Brooke Shields (Susan Hoff), Vinnie Jones (Mahogany), Roger Bart (Jurgis), Barbara Eve Harris (detective Lynn Hadley), Peter Jacobson (Otto), Stephanie Mace (Leigh Cooper), Ted Raimi (Randle Cooper), Nora (Erika Sakaki), Quinton Jackson (Guardian Angel), Dan Callahan (Troy Talevski).

Sinopsis:
La dueña de una exitosa galería de arte le propone al fotógrafo Leon Kauffman (Bradley Cooper) llevar a cabo un trabajo sobre la parte más oscura del ser humano. Sabiendo que ésta es su oportunidad para el éxito, Kauffman comienza una búsqueda obsesiva sobre el tema más oscuro que pueda existir, empezando a seguir los pasos de un asesino en serie llamado Mahogany (Vinnie Jones), quien en el tren subterráneo descuartiza a sus víctimas que viajan en los servicios nocturnos. Aquí comienza un juego de obsesión que lleva al fotógrafo a meterse cada vez más profundo en los túneles de la ciudad hasta el punto de poner en riesgo su vida y la de su novia Maya (Leslie Bibb), embarcándose en un viaje a las profundidades del horror.

Comentarios:
Con tanta porquería que llega semana tras semana al cine de mi país, es una lástima que películas como estas queden relegadas a los estantes más escondidos del videoclub amigo. Y no es que sea una obra maestra, pero si cuenta con varios elementos que la hacen sumamente disfrutable.
Basado en un relato corto de la colección “Libros de sangre” del genial Clive Barker (que también es productor de la cinta), la película cuenta como un fotógrafo ingresa en la vida de un asesino, para poder lograr ese impacto en sus fotos que una talentosa agente le exige para exponerlas. Todos sabemos que es un camino sin retorno, aunque hasta el final de la propia película no pensamos que sea tan literal.
La película tiene varios puntos a favor. La dirección en lo que a lo visual se refiere, está por encima de la media, jugando con una muy intrigante fotografía y posiciones de cámara particulares, que de alguna manera reflejan el mundo que nos muestra. Pero no solo en el envase se queda este film, ya que la historia (de la cual no conviene revelar mucho más) tiene un buen gancho para manejar el suspenso. Y las vueltas de tuercas, finalmente nos conduce hacia el terreno típico de Barker, sobre los submundos paralelos al que habitamos. Si bien no es una película de terror, si contiene muchas escenas gore, y eso es un punto más a favor, ya que los asesinatos también están mostrados de una manera particularmente explicita para el deleite de los fans del gore.
Las actuaciones están más que correctas, con un Vinnie Jones interpretando al asesino de manera magistral, y con el acompañamiento de la hermosa Leslie Bibb que pasea su belleza a lo largo del film.
Para los amantes del suspenso y del gore, estamos frente a una película sumamente entretenida, con un guion inteligente y perverso, y un final merecido y provocador.
Este film marca el debut en Norteamérica del director japonés Ryûhei Kitamura (conocido por sus películas Versus y Azumi), tan ávido de importar jóvenes valores orientales en busca de darle un aire fresco al alicaído cine de terror americano. Por lo menos en este intento lo lograron, y no es poca cosa.

Bonus:
Clive Barker (nacido en Liverpool, Inglaterra, el 5 de octubre de 1952) es un escritor, director de cine y artista visual. Estudió Inglés y Filosofía en la Universidad de Liverpool. Barker es uno de los más aclamados autores de horror y fantasía, comenzando con escritos de horror al principio de su carrera, recogidas en la serie "Libros de Sangre" (Books of Blood), y la novela faustiana "El libro de las maldiciones" (The damnation game). Posteriormente se trasladó hacia el género de la fantasía moderna con toques de horror. El estilo más característico de Barker es la idea de que existe un mundo subyacente y oculto que convive con el nuestro, el rol de la sexualidad en lo sobrenatural y la construcción de mitologías coherentes, complejas y detalladas. Cuando se publicó "Libros de Sangre" en los Estados Unidos en una edición barata, la originalidad, intensidad y calidad de las historias hicieron que el popular autor Stephen King dijera de Barker: “He visto el futuro del horror y su nombre es Clive Barker” (parafraseando una famosa frase que se dijo de Bruce Springsteen en sus comienzos). Clive Barker ha reconocido públicamente su homosexualidad desde principios de los 90, mencionando su vida privada en las páginas de la publicación estadounidense "Advocate". Actualmente vive con su pareja, el fotógrafo David Armstrong, y su hija Nicole, en Los Ángeles, California, además de con muchas mascotas.

Puntaje: 7,0

TRAILER:

TROPA DE ELITE

2009-09-23T17:06:00.000-07:00

Título original: Tropa de elite
Género: Acción
Año: 2007
Nacionalidad: Brasil, Holanda y EEUU
Duración: 115 minutos
Dirección: José Padilha
Elenco: Wagner Moura (capitán Nascimento), André Ramiro (André Matias), Caio Junqueira (Neto), Milhem Cortaz (capitán Fábio), Fernanda Machado (Maria), Maria Ribeiro (Rosane), Paulo Vilela (Edu), Fernanda de Freitas (Roberta), André Mauro (Rodrigues), Fábio Lago (Baiano).

Sinopsis:
Río de Janeiro, 1997. A Nascimento (Wagner Moura), capitán del BOPE (Batallón de Operaciones Especiales de la Policía), la tropa de élite de la Policía de Río, se le asigna el mando de uno de los grupos que tienen la misión de “pacificar” las favelas del cerro (morro) de Turano debido a la visita de Juan Pablo II, quien va a instalarse en una zona cercana. El capitán, bajo una presión constante, empieza a notar los efectos del estrés. Tiene que ejecutar las órdenes recibidas, mientras intenta encontrar un sustituto, ya que su mujer, Rosane (Maria Ribeiro), se encuentra en sus últimos días de embarazo y le pide constantemente que abandone la primera línea del Batallón. En estas condiciones, le llaman para otra emergencia más en una favela. Durante un tiroteo en una fiesta funk, Nascimento y los suyos tienen que salvar a dos aspirantes a oficiales de la policía: Neto (Caio Junqueira) y André Matias (André Ramiro). Deseosos de entrar en acción e impresionados por la actuación de sus salvadores, los dos se presentan como candidatos al curso de formación del BOPE.

Comentarios:
Hay veces que hacer publicidad basada en otra película exitosa ayuda. Pero hay veces que es contraproducente, porque el espectador va a buscar algo que dicho film no tiene, porque simplemente va detrás de un gancho publicitario sin demasiados fundamentos. Esto es lo que sucede con “Tropa de elite”, con una campaña fuertemente apoyada en su coterránea “Ciudad de Dios”, básicamente por ser dos “favela movie”. Porque mas allá de la participación de Bráulio Mantovani (el que adaptó la novela, y que aquí fue uno de los que adaptaron junto a su director Padilha y Pimentel), poco tienen que ver ambas películas.
“Tropa de elite” es una película de acción, con una historia bastante común entre las películas de comandos americanas. La gran diferencia es que se ambienta en un lugar tan increíblemente real como lo son las favelas de Rio.
Filmada cámara en mano en su totalidad, la película se enriquece por los diferentes entornos en el cual transcurre. Su director Jose Padilha (documentalista, que debuta aquí en ficción) logra por momentos transmitir imágenes y situaciones que se asemejan al documental, logrando que el espectador se olvide (por momentos) que está ante una ficción.
La historia es bastante simple, narra la vida de un capitán de la BOPE que a punto de retirarse, tiene que dejar su cargo ocupado por un novato, al cual elije y entrena. En clave dramática, el film transcurre entre narcos, policías corruptos y policías que no quieren serlo, pero nunca dejando la acción de lado. El director se centra demasiado en que la historia trascurra en un ámbito natural y real, y que la Tropa de elite este retratada lo más real posible al igual que la población de la favela, pero se desvincula absolutamente de los personajes, dejándolos deambular en soledad y sin tener ellos un camino claro y real. Entonces, el film se va lentamente transformando en una película más de acción, alejándose de esa profundidad con la que contaba la excelente “Ciudad de Dios”. Por ese motivo es que sin dejar de ser una película entretenida, “Tropa de elite” es un desperdicio. De cualquier manera, con la mínima historia, mucha acción y las favelas y sus mundos, le alcanza como para ser una película para recomendar, pero solo para pasar el rato.

Bonus:
El BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) es la tropa de élite de la policia de Rio de Janeiro, Brasil. Fue creado el 19 de enero de 1978 como el núcleo de la compañía de Operaciones Especiales. Su entrenamiento se asemeja al de los rangers, el SWAT y otro tipo de brigadas especiales. Cuentan con el apoyo del gobierno brasilero ya que en algunos casos, por su entrenamiento especial es el único grupo capaz de resolver conflictos que la policía convencional no puede.Actúa en operaciones de alto riesgo, incluidas las redadas en los barrios de favelas y las situaciones de enfrentamiento con los narcotraficantes utilizan armas de uso exclusivo de las fuerzas armadas. Por ese motivo, el grupo está equipado con armas de uso restringido a las Fuerzas Armadas brasileñas, como la ametralladora Heckler & Koch HK21 A1 calibre 7.62x51mm OTAN. Suelen utilizar métodos de tortura.

Puntaje: 6,0

TRAILER:

FRONTIER(S)

2009-09-17T12:50:00.000-07:00

Título original: Frontière(s)
Género: Terror
Año: 2007
Nacionalidad: Francia y Suiza
Duración: 108 minutos
Dirección: Xavier Gens
Elenco: Karina Testa (Yasmine), Samuel Le Bihan (Goetz), Estelle Lefébure (Gilberte), Aurélien Wiik (Alex), David Saracino (Tom), Chems Dahmani (Farid), Maud Forget (Eva), Amélie Daure (Klaudia),

Sinopsis:
Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. Los suburbios han estallado en protestas y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo. Un hostal aislado parece ser el refugio perfecto, pero sus problemas no han hecho más que empezar cuando descubran que sus propietarios son un grupo de degenerados neonazis.

Comentarios:
Este revuelto entre jóvenes revolucionarios franceses y neonazis no lo es tanto una vez terminada la revisión del film. Porque lo que es el prologo y toda su revolución, pierde fuerza y sentido una vez llegado al hostal cerca de la frontera. Es más, de hecho pudo haber sido otra excusa sin ninguna explosión social detrás. Si hubiesen sido cuatro amigos con el deseo de pasar unas vacaciones fuera de su ciudad, la historia funcionaria de la misma manera. Pero Gens quiso darle una especie de trasfondo sociopolítico al asunto, y lo único que logró es despistar a más de uno al comienzo (me incluyo), con el riesgo de perderlos en los primeros minutos. Pero yo me quedé, a pesar de que me dio mala espina, porque una historia tan pesada detrás, generalmente es contraproducente para la película, sobre todo si no vuelve al tema como aquí pasa.
No es que cuando llegaron al hostal la cosa cambió de forma radical, pero al menos nos encontramos con un film entretenido y lleno de sangre y escenas gore. No es para nada original, de hecho Hollywood cuenta con varias historias parecidas en su pasado. Pero entretiene, más que nada a los que somos fanáticos del terror real.
La historia comienza realmente cuando dos de los cuatro compañeros, se detienen en un hostal a pasar la noche. Allí, dos chicas los atiende muy amablemente (con sexo incluido, faltaba mas), para luego golpearlos y raptarlos. No vale la pena contar más, no porque sea una grata sorpresa, sino que las pequeñas sorpresitas van llevando a la historia hacia un desarrollo que genera cierto interés.
Lo interesante de esta película, es que el terror estaba allí esperándolo, no fue tras su búsqueda. Tampoco es un terror racional. Los malos son malos porque están dementes, y si la demencia es familiar mejor. Por lo tanto podemos esperar cualquier cosa, y eso es el ingrediente principal para que sigamos prendidos en el asunto.
Dentro del nuevo cine de terror francés, este film está muy por debajo de las principales películas. Pero eso no fue inconveniente para que tuviera un relativo éxito y su director terminara en Hollywood.

Bonus:
Sobre el tema del boom de cine de terror en Francia, Xavier Gens dice al respeto: “La situación es paradójica, porque nunca había sido tan difícil como ahora lograr que se vean nuestras películas. Además que el lado de la financiación no es lo peor del problema, ya que por ejemplo se puede recurrir a French frayeur de Canal+ como nosotros, o encontrar a alguien dispuesto a poner el dinero. No, lo más trágico es que existe una especie de censura que bloquea sistemáticamente que estas películas lleguen a distribuirse en las salas. El argumento es que películas como la mía, o las nuestras es que no se deberían proyectar en salas de barrio películas que no sean aptas para menores de dieciséis años, o que estas películas atraen a un tipo de público que va a crear problemas o a generar disturbios. En Francia ir al cine es un acto intrínsecamente burgués y elitista, y esta clase de cine es un cine popular. Hace cinco años precisamente nos acusaban de no atrevernos, de que las películas francesas de terror eran más tipo thriller, o eran demasiado comerciales y suaves, y tampoco nos iba mejor que ahora. Además, a las películas de las distribuidoras multinacionales no se les ponen impedimentos para exhibir películas de terror norteamericanas con tanta violencia o con más que Frontiere(s). Por eso pienso que el problema no es la brutalidad tanto como que los dueños de las salas tienen otras prioridades entre las cuales no hay espacio para nosotros”.

Puntaje: 5,0

TRAILER:

MAX PAYNE

2009-09-14T10:19:00.000-07:00

Título original: Max Payne
Género: Acción
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU y Canada
Duración: 100 minutos
Dirección: John Moore
Elenco: Mark Wahlberg (Max Payne), Mila Kunis (Mona Sax), Beau Bridges (B.B. Hensley), Chris "Ludacris" Bridges (James Bravura), Olga Kurylenko (Nathasha), Amaury Nolasco (Jack Lupino), Chris O'Donnell (Jason Colvin).

Sinopsis:
Max Payne (Mark Wahlberg) es un policía heterodoxo -un antihéroe mítico- decidido a dar con los responsables de los brutales asesinatos de su familia y de su compañera. Resuelto a vengarse caiga quien caiga, su obsesiva investigación le lleva a embarcarse en una odisea de pesadilla rumbo al tenebroso mundo del hampa. A medida que el misterio va aumentando, Max se ve obligado a combatir con enemigos de más allá del mundo natural y a enfrentarse con una traición inconcebible.

Comentarios:
En este triste momento que se vive en Hollywood, hasta los insípidos videojuegos sirven para inspirar a los pocos inspirados guionistas. Aquí nos enfrentamos ante uno de esos casos.
Basado en el videojuego que lleva su nombre, el guion de Max Payne es solamente una excusa para atrapar a los fanáticos del juego por más de una hora y media en el cine. Y en cierta manera lo lograron con éxito. Pero Max Payne es un dudoso entretenimiento para el público que desconoce el videojuego, ya que la historia no solo es poco convincente, sino que pierde en originalidad hasta el punto tal de ser por demás predecible. Pero vayamos por partes.
La película se ocupa desde el comienzo, de mostrarnos a este policía torturado por el asesinato de su familia, como único objetivo la venganza. Para ello, se involucra en los lugares más bajos de la ciudad en busca de las pistas que lo lleven hacia el asesino. Pero nada había descubierto, hasta que se topa con Natasha que luego de pasar por su departamento, es descuartizada en mil pedazos. A partir de ahí, comienza a desenredarse la madeja, para descubrir una red bastante más peligrosa y cercana de lo que creía.
Con esta mínima pero trillada historia, John Moore abusa de la tecnología actual para sorprendernos con escenas dignas del propio videojuego, pero no tanto de la cinematografía. Como yo nunca fui un fanático del videojuego, me pregunto qué es lo que buscan cuando se traslada al cine (más allá del dinero, por supuesto). Desde mi particular punto de vista, tal vez la humanización de los personajes (más allá de la evidente) debería ser lo más acertado, ya que le permite conocer un lado desconocido para el fanático. Pero tal vez no sea lo que ellos buscan, y solo quieran ver a su videojuego representado por actores y en una gran pantalla. Con efectos especiales sorprendentes, y la misma tonta historia del juego. No lo sé, pero en este caso primó la segunda opción, marginando al espectador como yo, que desconoce el juego, con ganas de haber visto algo más truculento. Porque el envase era llamativo, realmente.

Bonus:
Max Payne vio la luz en el año 2001, como un videojuego de acción en tercera persona y entorno 3D desarrollado para PC por la compañía finlandesa Remedy Entertainment, producido por 3D Realms y publicado por Gathering of Developers. Posteriormente, y gracias a su éxito, conoció diferentes versiones para otras plataformas de entretenimiento. El videojuego desarrolla su acción al estilo del cine negro más sórdido en el cual un detective marcado por su pasado, tendrá que luchar para demostrar su inocencia en un caso de asesinato. Así como verse las caras con los más temibles delincuentes de la ciudad. Como videojuego de culto, la web está plagada de cortometrajes basados en el mismo y que han alcanzado un notable éxito en el portal Youtube. Son dignos de reseña Max Payne Hero (de Chris Chen, 2003) y Max Payne: The Beginning of the End.

Puntaje: 3,5

TRAILER:

EL LUCHADOR

2009-09-11T15:04:00.000-07:00

Título original: The wrestler
Género: Drama
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Francia
Duración: 111 minutos
Dirección: Darren Aronofsky
Elenco: Mickey Rourke (Randy Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie Robinson), Mark Margolis (Lenny), Todd Barry (Wayne), Ernest Miller ("El Ayatollah"), Judah Friedlander (Scott).

Sinopsis:
“El luchador” nos narra la agonía profesional de Randy Robinson (Mickey Rourke), un luchador que en los años 80 había estado en la cumbre de la lucha libre profesional pero que ahora, 20 años después, sobrevive con exhibiciones en gimnasios de institutos y en cuadriláteros de tercera categoría. Olvidado por su hija (Evan Rachel Wood) e incapaz de mantener ninguna relación, Randy sólo vive gracias a la emoción del show y el apoyo de sus fans, pero un ataque al corazón le obliga a retirarse. Entonces, decide poner orden en su vida. Intenta acercarse a la hija que abandonó, a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia una stripper (Marisa Tomei).

Comentarios:
Diez años han pasaron ya desde su debut cinematográfico con la excelente Pi. En estos diez años tan solo pasaron dos películas, bastante más ambiciosas en su concepto y producción. Diez años en el cual Aronofsky ya no es el mismo chico de 29 años que con 60.000 dólares y una notable idea en la cabeza, realizó una película magnifica. Muchas cosas cambiaron. Pero diez años después de aquel debut, vuelve con lo que podríamos decir que es su película más intimista y dolorosa (que es mucho decir) de su corta carrera. Porque “El luchador” no es solo la vida de un sujeto que tuvo fama y dinero pero lo perdió todo. No es una especie de metáfora de la vida de Mickey Rourke (que bien podría serlo). Sino que en los ojos de Randy se refleja el dolor por el mundo en el que vivimos, en ese mundo de héroes descartables que el público y los medios de comunicación inventan para saciar sus propios deseos. Pero cuando las luces se apagan para siempre, queda el hombre desnudo, sin flashes que lo vuelvan a encandilar, y allí es cuando la vida les pasa factura por haberse dejado llevar por ese monstruo que no perdona, que es la fama.
Randy supo ser un héroe de la lucha libre profesional en la década de los 80, y como tal llevó una vida digna de su estatus. Derroches de dinero, fiestas y lujos, en contrapartida de la ausencia ante su familia. Hoy, lo único que tiene es una hija a la que hace años no ve. Nada más. No tiene ni ex mujer, ni padres, ni hermanos. Ni siquiera vecinos. Tan solo una prostituta a la cual, por unos dólares lo escucha mientras le hace un baile privado.
Ese es Randy. El que tiene que romperse el lomo más de lo aconsejable a su edad, para estar vigente dentro del circuito de lucha libre de baja categoría. El que tiene que trabajar en la rotisería de un supermercado vendiendo comida para las ancianas. El que no puede mantener ni una sola promesa, aunque sea a su hija.
Este es el personaje que nos regala Mickey Rourke, en lo que es su mejor interpretación, cuando todos lo creíamos terminado. Pero no, volvió con un personaje que se le parece mucho, solo que no tuvo a Aronofsky en su camino para cambiar su suerte. Randy no lo tuvo, Mickey sí.
La cámara de Aronofsky lo acompaña a través de su vida, permitiéndonos ingresar en su mundo como observadores. Sin justificar ni opinar, solo acompañándolo. Si bien el guion cae en algún cliché, es uno de los relatos más dolorosamente humano de los últimos años, en un personaje un poco distante, pero más cerca de lo que creemos.

Bonus:
Con el fin de captar la historia de Randy con un realismo desnudo y vigoroso, Darren Aronofsky efectuó una decisión singular: rodar las escenas de lucha libre como combates reales, sin especialista alguno, ante un público auténtico. “Quería proporcionarle a Mickey un ambiente tan natural y auténtico como me fuera posible para crear ese personaje”, comenta Aronofsky. Los realizadores prepararon una serie de combates para Rourke completado con promociones auténticas y una serie de peleas previas para mantener al público caldeado. Cuando llegaba el público, se le hacía un resumen de cómo iría el rodaje, aunque se les animaba a reaccionar del modo más natural ante la acción del ring a medida que ésta iba desplegándose.
Más tarde, Aronofsky hizo que el realismo extremo de las escenas de lucha libre resonara en las escenas del supermercado. “No teníamos el presupuesto suficiente para cerrar el supermercado” —explica el director—, “de tal modo que nos limitamos a rodar a los clientes que entraban. Así que cuando una mujer se acerca al mostrador y pide pollo, eso está ocurriendo realmente. Todo era improvisado y, pese a que Mickey no tenía ni idea de lo que estaba haciendo, la gente realmente regresaba a sus hogares con la comida que él les había servido en medio del rodaje de la película”. Sobre esta experiencia, Aronofsky dijo: “Lo que creo haber aprendido es que, para conseguir un film con fuerza, todo cuanto se necesita son interpretaciones honestas y una lente”.

Puntaje: 9,0

TRAILER:

SLUMDOG MILLIONAIRE: ¿QUIEN QUIERE SER MILLONARIO?

2009-09-09T11:15:00.000-07:00

Título original: Slumdog Millionaire
Género: Drama
Año: 2008
Nacionalidad: Inglaterra
Duración: 120 minutos
Dirección: Danny Boyle
Elenco: Dev Patel (Jamal Malik), Freida Pinto (Latika), Madhur Mittal (Salim), Anil Kapoor (Prem Kumar), Irrfan Khan (inspector de policía), Ayush Mahesh Khedekar (joven Jamal), Azharuddin Mohammed Ismail (joven Salim)

Sinopsis:
Jamal Malik (Dev Patel), un joven huérfano que vive en una barriada pobre de Bombay, decide presentarse a la versión india del concurso: "¿Quién quiere ser millonario?". Ante la sorpresa de todos, Jamal responde correctamente a todas y cada una de las preguntas. ¿Cómo es posible que un chico como él sea capaz de conocer todas las respuestas? Cuando Jamal está a punto de responder a la última pregunta, la que le hará ganar 20 millones de rupias, la policía lo detiene y se lo lleva para interrogarle. Jamal deberá explicar por qué conocía las respuestas, teniendo que recurrir para ello a relatar diferentes momentos de su vida, que además ayudarán a desvelar la verdadera razón de su participación en el concurso.

Comentarios:
Viendo la carrera de Boyle, es extraño que haya dirigido este drama romántico, muy al estilo Hollywood pero con una escenografía bastante diferente a lo que estamos acostumbrados. Es extraño, pero por suerte fue así, ya que nos regalo un cuento maravilloso dentro de un envoltorio espectacular, redondeando una muy grata película. Diría que fue producto del destino, al igual que proclama Jamal su triunfo.
La historia se centra en los diferentes flashback con el cual Jamal, convence a la policía de que no hizo fraude, y simplemente respondió las preguntas del programa "¿Quién quiere ser millonario?", porque diferentes situaciones en su vida lo llevaron a recordar la respuesta. Tan simple como eso. Y a través de esos cuentos (algo de fábula, algo de realidad) Boyle nos lleva por un mundo tan misterioso como fascinante, en el cual por intermedio del joven Jamal, recorremos sus calles y sus mundos tan lejanos a los nuestros. Pero sin perder el buen gusto.
Pero lo más interesante del asunto, es que a pesar de parecer una película absolutamente opuesta al cine de Hollywood, es todo lo contrario. Es una apuesta al cine clásico americano. Es la historia del perdedor con su amor imposible, que luego de perder todo, renace de las cenizas para conseguir vivir con su amor y ser felices para siempre. Con ese esquema simple y clásico, se han construido un sinfín de grandes películas años atrás, y “Slumdog Millionaire” aparece en escena para reivindicar ese pasado tan menospreciado en estos últimos tiempos, pero de la mano de un ingles en la India.
La película claramente está dividida en dos partes un poco desiguales entre ellas. La primera parte, se centra en un joven Jamal y sus primeros pasos en la difícil vida que tiene por delante. Junto a su hermano intentan por todos los medios salir adelante, cada uno desde su propio lugar y entereza. Para luego darnos paso a una segunda parte, donde ambos hermanos ya son adolescentes, y las circunstancias y aspiraciones de cada uno los han separado. La primera parte constituye en los momentos más dramáticos y realistas del film, mientras que en la segunda mitad es donde la historia de amor toma un lugar de mayor importancia, para dejar el resto en un segundo plano.
Las actuaciones son otro punto a favor. Con varios actores no profesionales, logran construir un trabajo más realista, una exposición de esos mundos de manera más directa y más dura. Para destacar la fotografía y música original, dos joyitas que terminan de redondear una de las grandes propuestas cinematográficas del 2008. Y como pocas veces sucede, el Oscar tuvo un dueño justo.

Bonus:
Por increíble que parezca, la película ha tenido muchas controversias en la India, donde se afirmó que el filme reincidía en los estereotipos occidentales acerca de la pobreza en ese país y lo acusaron de hacer "pornografía de la pobreza". Tapeshwar Vishwakarma, representante de los habitantes de los tugurios, interpuso una demanda por difamación contra el compositor A.R. Rahman y el actor Anil Kapoor afirmando que la forma en que estos presentaban a los habitantes de los tugurios constituía violación a los derechos humanos. En su demanda, alegaba que el nombre de la película (Perro de Tugurio Millonario) era peyorativo y exigía que la palabra perro fuera retirada del título. Estas denuncias fueron apoyadas con protestas realizadas por los habitantes de los tugurios en muchas partes de la India.

Puntaje: 9,0

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ESPEJOS SINIESTROS

2009-09-07T15:34:00.000-07:00

Título original: Mirrors
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 112 minutos
Dirección: Alexandre Aja
Elenco: Kiefer Sutherland (Ben Carson), Paula Patton (Amy Carson), Amy Smart (Angela Carson), Cameron Boyce (Michael Carson), Erica Gluck (Daisy Carson), Jason Flemyng (Larry Byrne).

Sinopsis:
Ha pasado casi un año desde que el inestable detective Ben Carson (Kiefer Sutherland) fuera suspendido de su trabajo en el Departamento de Policía de Nueva York tras haber disparado fatalmente a otro policía que trabajaba de incógnito, un accidente que no sólo le costó su empleo, sino que le llevó al alcoholismo y desató la ira que le alejó de su mujer e hijos. Ansioso por superarlo y reunirse de nuevo con ellos, Carson se emplea como vigilante nocturno en las calcinadas ruinas de los almacenes Mayflower. Lo que una vez fue símbolo de prosperidad y opulencia ahora va deteriorándose en la oscuridad, devastado por un gigantesco fuego que se cobró muchas vidas inocentes. Mientras patrulla por los espeluznantes y chamuscados restos de los almacenes, Ben advierte algo siniestro en los fastuosos espejos que adornan sus paredes. En su inmenso cristal se reflejan unas imágenes terroríficas que le inquietan profundamente. Además de proyectar terribles imágenes del pasado, parece que los espejos también manipulan la realidad. Mientras investiga la misteriosa desaparición del guarda de seguridad de los almacenes y la posible conexión con sus fantasmagóricas visiones, Carson se da cuenta de que una malévola fuerza sobrenatural está usando los reflejos como puerta de entrada para aterrorizarles.

Comentarios:
Los espejos siempre fueron motivo de leyendas, desde los cuentos tradicionales a los cuentos de hadas, desde la superstición a la religión. Sobre todo leyendas sobre el contacto con el mundo oscuro, sobre reflejar lo que cada uno de nosotros no queremos ver de nosotros mismos.
En estos básicos conceptos, es que el francés Alexandre Aja escribió su segunda película en Hollywood, basándose en una película asiática que tomaba el tema de los espejos, pero redireccionandolo. La historia gira en torno a un ex policía retirado prematuramente, que por necesidad laboral acepta el trabajo de vigilante nocturno de una vieja construcción abandonada en pleno Manhattan. Hasta aquí nada tendría de extraño, de no ser por las apariciones sobrenaturales que visualiza a través de los tantos espejos que hay dentro de la casa abandonada.
En esta película Alexandre Aja cambia la formula que le ha dado tanto éxito, para transitar por el camino de lo sobrenatural, y no le ha sido tan fácil como hubiese querido. La historia central es bastante poco consistente, es una historia que se basa en una idea muy interesante que es lo sobrenatural en algo tan cotidiano como es el reflejo. Cuando el descubre la dimensión del terror, se enfrenta a un mundo que está rodeado de reflejos vaya por donde vaya, y la lucha contra ese problema es de los mejores momentos. El problema radica en lo poco convincente del argumento, como si la sola idea plasmada anteriormente, junto a una excelente locación como lo es la gigante casa abandonada Mayflower alcanzaran para mantener al público interesado en seguir una historia que se va deshilvanando con el correr de los minutos. Lo curioso del caso, es que la película comienza con una escena que cumple el cometido de mostrarte la clase de mal que habita en el lugar, bastante antes de que el protagonista entre en contacto con ella. De alguna manera de marca la cancha perdiendo bastante, sobre todo cuando Ben ingresa por primera vez al lugar, uno ya sabe exactamente con lo que se va a encontrar. De cualquier manera, más allá de algunas puntuaciones negativas, tiene escenas muy bien logradas y sobre todo escalofriantes, que la hacen bastante más llevadera de lo que el argumento amerita.
Por su parte, Kiefer Sutherland se defiende bien con su papel de ex policía atormentado, que por otro lado no es un papel que le haya sido del todo ajeno en su carrera. Completa el reparto la bellísima Paula Patton sin mucho más para dar, sobresaliendo el chico que interpreta al hijo de Ben, que logra comunicarse con los espíritus a través de los reflejos.
La película no es espantosa, pero viniendo de un director con promisoria carrera como Aja debemos esperar mucho más de lo demostrado aquí.

Bonus:
“Espejos siniestros” se rodó casi en su totalidad en Bucarest (Rumanía), con excepción de los exteriores principales, que se rodaron en Nueva York. Los creadores eligieron la ciudad por su edificio de la Academia de Ciencias, una poderosa estructura mandada construir por el dictador comunista Nicolae Ceausescu, que se dejó sin terminar tras su ejecución en 1989. Alexandre Aja concibió el edificio de la Academia como la mejor localización para los amenazantes almacenes Mayflower.

Puntaje: 4,5

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JUEGOS SINIESTROS

2009-09-03T10:39:00.000-07:00

Título original: Sleuth
Género: Drama
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 87 minutos
Dirección: Kenneth Branagh
Elenco: Michael Caine (Andrew Wyke), Jude Law (Milo Tindle).

Sinopsis:
Un millonario (Michael Caine), autor de novelas policíacas, une su ingenio con un actor en paro (Jude Law), que se fugó con su mujer, en un juego terriblemente serio y sumamente retorcido que traerá peligrosas consecuencias.

Comentarios:
Hay una pregunta que siempre sobrevuela en el ambiente cinematográfico cada vez que aparece alguna película como esta: Son necesarias las remakes? Y sobre todo si se trata, como en este caso, de una película clásica dirigida por un gran director e interpretada por Sir Lawrence Olivier…
El punto es que poco le importó a Jude Law, que ni lerdo ni perezoso, produjo esta remake ya que (seguramente) vio un vehículo para su tan buscada consagración actoral. Convocó al dudoso Kenneth Branagh para la dirección, y a Michael Caine para que interpretara nuevamente esta historia, solo que esta vez le tocó interpretar el papel de Andrew, dejándose Law reservado el papel del joven amante Milo.
De la historia es conveniente no revelar mas de lo dicho hasta el momento, pero es bueno aclarar que es poco convencional para el cine, ya que se trata de un duelo entre dos personajes en la mansión de uno de ellos. Nada más…Nada menos. Es el juego del gato y el ratón, de reflejarse en los demás y como los demás se reflejan en uno. De la humillación hacia el otro como redención.
Aquí Branagh nos hace voyeur del conflicto entre esposo engañado y amante, usando encuadres extremadamente sugerentes por sus posiciones. A la vez, juega con las cámaras de vigilancias (que son demasiadas) como si la casa tuviera vida propia, y de esta manera la muestra como el tercero en cuestión. El problema radica en que tanta elaboración en los planteamientos de cámara, termina jugándole en contra, ya que la depuración de estos elementos hubiera permitido disfrutar el film de la manera que realmente deberíamos, sin tantos artilugios.
Si esta película hubiera sido Caine-Law, mientras Branagh registra ese contrapunto, estaríamos hablando de un muy buen ejercicio actoral. Pero Branagh no pudo con su genio, y también quiso participar de forma activa, tomando un lugar que provoca irritación en algún punto y lleva a distraernos de lo más importante, como son los diálogos y puesta en escena de los personajes.
De cualquier manera la adaptación (escrita por el ganador del premio Nobel Harold Pinter) tiene sus buenos momentos, y junto a la gran actuación de Cain, bien acompañado por Law, nos permiten presenciar una extraña película para los tiempos que corren.
Viendo este film y volviendo a la pregunta del principio, diría que no, que es absolutamente innecesario que toquen grandes obras de la cinematografía, pero lamentablemente no todos lo creen de ese modo.

Bonus:
“Sleuth” es una remake de la película llamada del mismo nombre, dirigida por Joseph L. Mankiewicz que en el año 1972 filmó la adaptación de la obra teatral de Anthony Shaffer, interpretada por Laurence Olivier y Michael Caine en el papel que interpreta Jude Law. Este film supuso el cierre de una gran carrera de su director. También fue nominada a cuatro premios Oscars (director, musica y los dos actores), aunque no se llevó ninguno.

Puntaje: 4,0

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SIN ESCAPE

2009-08-31T15:44:00.000-07:00

Título original: Captivity
Género: Thriller
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU y Rusia
Duración: 96 minutos
Dirección: Roland Joffé
Elenco: Elisha Cuthbert (Jennifer), Daniel Gillies (Gary), Pruitt Taylor Vince (Ben), Michael Harney (Det. Bettiger), Laz Alonso (Det. Di Santos)

Sinopsis:
Jennifer (Elisha Cuthbert) es una celebridad, y ahora yace inconsciente en una cama de hierro, con sus elevados tacones colgando del colchón, en una habitación sin ventanas. Se despierta desorientada y confusa. Sus susurros rebotan en las frías paredes desnudas. Está enjaulada. Jennifer chilla de pánico y frustración. El aparato de televisión del rincón se enciende para mostrar el lujoso apartamento de Jennifer; luego, cambia a otra escena que muestra a Jennifer acurrucada en la parte posterior de una furgoneta, entre recambios, neumáticos y herramientas. Una mano irrumpe en el fotograma y le acaricia el cabello antes de que el televisor se apague de nuevo. El carcelero acaba de hacer su presentación.

Comentarios:
Pocas veces uno tiene la posibilidad de cruzarse con una película con tantos clichés como en este caso. La historia arranca con una modelo híper famosa, que provoca el deseo de todos los mortales. Bueno, uno de esos mortales parece que decidió tomar el toro por las guampas, y no tuvo mejor idea que (en una escena magistralmente cliché) ponerle un polvito misterioso en su bebida, para dormirla y raptarla. Reconozco que luego de ver esa escena es difícil seguir prendido, pero uno siempre tiene esperanza de que la cosa mejore. Y por un momento creí que iba a mejorar, porque resulta que la chica se encuentra atrapada en un cuarto absolutamente sellado, donde el raptor la vigila y hace lo que se le antoje con ella.
Me parecía que más allá del desacierto del comienzo, la idea de estar atrapada en una habitación durante gran parte de la película, era interesante. Pero nada de esto sucedió, porque a los pocos minutos aparece otro sujeto en una habitación contigua, que también ha sido raptado. Y de ahí en más nos cruzamos con una catarata de clichés que nos lleva a un final predecible.
Cuando hablamos de clichés nos referimos a: Autos que largan gas para dormir, escapadas por la cañería de aire, salvada a último momento por un lugar insólito, son algunas de las tantas. Y para peor, algo que espero no se vuelva a repetir, es la escena en que los dos cautivos hacen el amor, sin importarle que sigan encerrados y vigilados por el captor. Pero si creía que eso era extremadamente malo, peor es la forma en que la chica se va enamorando del compañero de cautiverio.
Realmente sorprende que un director como Roland Joffé haya estado detrás de cámaras de este intento de thriller, porque sin haber tenido una excelente carrera, ha dejado alguna película interesante como “La misión”, y cuesta creer como alguien con tanta experiencia haya caído en tantos horrores, o peor aún, aceptar dirigir este tonto guión.

Bonus:
Elisha Cuthbert, nació en Calgary, (Alberta), el 30 de noviembre de 1982. A la edad de siete años dio inicio a una carrera como modelo infantil en Montreal, ciudad en la que residió poco después de nacer. A finales de los años 90 logró debutar en el cine con la película Dancing on the Moon (1997), tras lo cual consiguió un trabajo de presentadora de la elogiada serie de televisión canadiense “Mecánica popular para niños”, cuyos impresionantes reportajes llamaron la atención de la primera dama de los Estados Unidos, Hillary Clinton, quien invitó a Cuthbert a Washington para una reunión. A los 17 años, Elisha se trasladó a Los Ángeles con el fin de ejercer su profesión de actriz. La serie “24”, protagonizada por Kiefer Sutherland, le concedió la popularidad internacional a partir de su incorporación en el año 2001 interpretando a Kim Bauer, hija de Jack Bauer. En su vida personal ha estado comprometida con Trace Ayala, agente de Justin Timberlake, y el jugador de Hockey Sean Avery.

Puntaje: 2,0

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MAL DIA PARA PESCAR

2009-08-29T07:50:00.000-07:00

Título original: Mal día para pescar
Género: Drama
Año: 2009
Nacionalidad: Uruguay y España
Duración: 100 minutos
Dirección: Álvaro Brechner
Elenco: Gary Piquer (Orsini), Jouko Ahola (Jacob van Oppen), Antonella Costa (Adriana), César Troncoso (Heber), Bruno Aldecosea (Grey), Alfonso Tort (Ronco), Jorge Temponi (Jorge), Jenny Goldstein (Jessica),

Sinopsis:
“Mal día para pescar” trata de dos buscavidas: Orsini, un empresario pícaro, y su representado, Jacob van Oppen, un gigante ex campeón de lucha libre, que realizan exhibiciones en una gira interminable hasta que llegan a Santa María, donde Orsini busca despertar la curiosidad y ofrece 1.000 dólares a quien sea capaz de resistir tres minutos en el ring con Jacob. Una muchacha empuja a su gigantesco novio a aceptar el desafío, pero Orsini no tiene el dinero ni confía en que Jacob resista la pelea.

Comentarios:
“Mal día para pescar” es el primer largometraje de Álvaro Brechner, director uruguayo afincado en España, que se basa en el cuento “Jacob y el otro” escrito por Juan Carlos Onetti en 1961. Y también es el primer largometraje uruguayo que tengo el gusto de comentar, desde que abrí el blog, y no se imaginan la felicidad que me da poder recomendarlo.
Pero vayamos al grano…Tarea difícil en la que se embarcó el novel director, ya que el mundo de Onetti siempre fue sumamente complejo. Pero Brechner supo salir a flote de excelente manera, alejándose un poco de lo que era el mundo de Onetti para conjugarlo con el suyo propio, logrando una película muy disfrutable para todos.
Aquí se habla de los sueños, de la soledad. Orsini es un estafador de poca monta, que viaja de pueblo en pueblo junto con Jacob (interpretado por el finlandés Jouko Ahola, que supo ser ganador de la competición de El Hombre Más Fuerte Del Mundo en 1997 y 1999), ofreciendo lo que llama “el gran espectáculo”. El problema es que ese “gran espectáculo” no es otra cosa que una pelea arreglada para que Jacob gane con el mínimo esfuerzo, ya que los años han pasado y ya no es el mismo de antes. O por lo menos así lo cree Orsini. El problema es que cuando llegan a Santa María, el rival “arreglado” cae preso, y no tiene más remedio que aceptar el desafío de un local, tan o más gigante que el propio Jacob, y principalmente más joven. A pesar de intentar “arreglar” la pelea no lo consigue, y teme que esta sea la última pelea de Jacob.
Con esta historia, Brechner logra hilvanar una película sumamente entretenida y humana. Orsini y Jacob están condenados a vivir juntos, a depender uno del otro más allá de la confianza que se tienen. Ellos son sus únicos medios de vida, y así lo aceptan muy a su pesar. Orsini lo mantiene engañado con volver a luchar en Europa, algo que él sabe que es improbable, pero se lo oculta. Y Jacob también tiene algo que ocultarle a Orsini.
Y en medio de este juego de espejos se encuentra el pueblo de Santa Maria, donde no faltan los inescrupulosos, incrédulos y manipuladores. De hecho, Orsini se encuentra frente a un espejo, como lo es la novia del contrincante, que sin importarle las consecuencias expone a su novio para poder cobrar los mil dólares que están en juego, simplemente porque ella cree que Jacob esta viejo y no podrá con su joven amor.
Compleja historia, pero sobre todo es sumamente entretenida, con toques de humor en su justa medida, y con un ritmo narrativo bastante diferente a la media del cine uruguayo. Para destacar la excelente fotografía y diseño de arte que, junto con el director vienen haciendo un efectivo combo desde hace unos años, en el mundo del cortometraje.
En un país como Uruguay, en la cual la influencia del cine de Rebella y Stoll le ha hecho mucho daño a los jóvenes directores, el cine de Brechner llega como una bocanada de aire fresco para darnos esperanzas de que no todo es tan gris y monótono.

Bonus:
Juan Carlos Onetti nace en Montevideo el 1 de julio de 1909, en una casa de la calle San Salvador, en el Barrio Sur. Es uno de los escritores de mayor reconocimiento en el ámbito de la lengua española y tal vez de más prestigio en la actualidad, pese a que su mundo narrativo no fue muy bien comprendido por la crítica, que en los inicios de su carrera relegó a un segundo puesto obras consideradas piezas maestras como El pozo, Los adioses, La vida breve o El astillero. Silencioso, huraño, irónico, la biografía de Onetti se redujo a la soledad, el encierro, la lectura y, por supuesto, la escritura. Sin embargo, la vida que insufló a la ficción es infinita y luminosa, como la ciudad de Santa María, cuyos personajes, Larsen, Brausen, Petrus o Díaz Grey —esos otros a través de los cuales el autor acometió la difícil tarea de existir—, criaturas que escarban en su conciencia un sentido que no encuentran ni en el amor, los recuerdos y el sueño, porque pese a sus esfuerzos su huida no los libra de esa culminación del fracaso que es la muerte.

Puntaje: 8,5

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UNA LLAMADA PERDIDA

2009-08-26T11:38:00.000-07:00

Título original: One missed call
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Japón y Alemania
Duración: 87 minutos
Dirección: Eric Valette
Elenco: Shannyn Sossamon (Beth Raymond), Edward Burns (Jack Andrews), Ana Claudia Talancón (Taylor Anthony), Ray Wise (Ted Summers), Azura Skye (Leann Cole), Johnny Lewis (Brian Sousa), Jason Beghe (Ray Purvis), Margaret Cho (Mickey Lee), Meagan Good (Shelley Baum), Rhoda Griffis (Marie Layton).

Sinopsis:
Beth Raymond (Shannyn Sossamon) se queda traumatizada cuando presencia las horribles muertes de dos amigos con pocos días de diferencia. Lo que le resulta aún más preocupante es que sabe que ambos habían recibido espeluznantes mensajes en sus móviles, grabaciones reales de sus propios y terribles últimos momentos. Increíblemente, recibieron las llamadas días antes de morir, pero cada muerte ocurrió precisamente en el momento y del modo que el mensaje anunciaba. La policía cree que Beth está equivocada, excepto el detective Jack Andrews (Edward Burns), cuya propia hermana murió en un extraño accidente que guarda una curiosa similitud con las muertes de los amigos de Beth. Juntos, Jack y Beth trabajan febrilmente para esclarecer el misterio que hay detrás de las siniestras llamadas.

Comentarios:
Esta nueva remake (y van…) de una película de terror asiática, deja en evidencia que el ciclo está (o debería estar) por concluir. No porque en Asia no se sigan haciendo buenas películas, sino que por el contrario, lo que cansa hasta el hartazgo es la traslación edulcorada que realizan los productores de Hollywood. Y no lo digo precisamente porque haya visto la película original dirigida por el ya realizador de culto japonés Takashi Miike, porque de hecho no la vi por lo tanto no la puedo calificar, sino que al ver este film me quedó un sabor más amargo que dulce, algo así como más de lo mismo…y peor.
El argumento es por demás interesante. La idea de que por intermedio de una llamada a tu celular puedas escuchar tus últimas palabras y a la vez enterarte de la hora y el día de tu muerte, genera ese suspenso e idea de destino final inminente (si, es una referencia a la película) que le agrega, a priori, mucho suspenso, para que tanto el guionista como el director, puedan crear una muy buena película.
Pero nada de esto sucede, sino que diría que todo lo contrario. Hace años un crítico de cine me dijo que los primeros minutos de una película determinan la calidad de la misma. Argumentaba que en esos minutos, el director tiene que poner mucho de sí, para tratar de enganchar al espectador. Bueno, mirando esta película recordé estas palabras. El film comienza con una escena bastante común en el género, diría que es un cliché: chica sola en su casa le comienzan a ocurrir cosas extrañas. No soy de las personas que le molestan los clichés, sobre todo en el cine de terror, pero debo decir que esta primera escena esta tan, pero tan mal resuelta como el resto de la película.
Por supuesto que tenemos una especie de heroína que va descubriendo de que viene la cosa, que a la vez tiene un pasado que la atormenta, pero que será de gran importancia para su supervivencia frente a los espectros que le quieren hacer mal a las personas, en busca de venganza por lo mal que la trataron en vida. El argumento es igual a la mayoría de las pelis de terror asiático, es innegable.
El punto es que, por un lado el director Valette demuestra no sentirse del todo cómodo realizando este tipo de terror, ya que cae constantemente en errores que se podrían tildar de infantiles. Y si a esto le sumamos que la línea argumental es igual que todo lo que vimos, se hace un combo difícil de digerir, aun para los amantes del género.
Es una de las grandes decepciones, sin dudas y la clara afirmación de que hay que buscar nuevos aires, para que el cine de terror se mantenga vigente.
Punto aparte para los editores del tráiler. Realmente al verlo le dan ganas de mirar la película, de hecho parece que es buena y todo…

Bonus:
Takashi Miike nació el 24 de agosto de 1960, es un director japonés muy prolífico y controvertido; ha dirigido más de setenta producciones teatrales, de video y televisivas desde su début en 1991. Las primeras películas de Miike fueron producciones para la televisión, pero también comenzó a trabajar en varias películas de V-Cinema directas a video (éstas, supuestamente fueron financiadas por operaciones de lavado de dinero de los yakuza, aunque nunca se ha tenido pruebas concretas de esto). Miike todavía dirige producciones de V-Cinema intermitentemente debido a la libertad creativa que da la baja censura del medio y la permisividad de los productores con cintas arriesgadas.
Se cree que su debut fue con Shinjuku Triad Society (1995), pero su película Daisan no gokudô había estado en los cines algunos meses antes. El éxito de ésta película le dio la libertad de trabajar en películas con presupuesto más alto. La popularidad le llegó en 2000 con la película romántica de terror Audition (Ôdishon) (1999), y su película sobre yakuzas Dead or Alive (1999), la cual fue presentada en festivales internacionales. Déspues de eso fue ganando seguidores de culto en Occidente, que han aumentado con los lanzamientos en DVD de sus trabajos.

Puntaje: 3,0

TRAILER:

CAMINO A GUANTANAMO

2009-08-21T13:20:00.000-07:00

Título original: The road to Guantánamo
Género: Drama
Año: 2006
Nacionalidad: Inglaterra
Duración: 95 minutos
Dirección: Michael Winterbottom y Mat Whitecross.
Elenco: Farhad Harun (Ruhel), Arfan Usman (Asif), Rizwan Ahmed (Shafiq), Waqar Siddiqui (Monir), Shahid Iqbal (Zahid).

Sinopsis:
"Camino a Guantánamo" es la historia de cuatro amigos británicos que en septiembre de 2001 viajaron desde Tipton, en las Midlands inglesas, para asistir a una boda y para unas vacaciones en Pakistán. Tardaron dos años y medio en volver a casa. Su viaje los llevó desde Tipton hasta Karachi, Kandahar, Kabul y Konduz, donde fueron capturados por la Alianza del Norte (formada por distintas facciones de grupos armados unidos por el objetivo de derrocar al régimen talibán) y luego pasaron a manos de los estadounidenses, que los condujeron a Kandahar. Desde allí, tres de ellos (Shafiq, de 23 años; Asif y Ru-hel, ambos de 19 años) fueron trasladados a la base norteamericana de Guantánamo, en Cuba, donde permanecieron más de dos años prisioneros, sometidos a incontables humillaciones y torturas. El 5 de marzo de 2004 fueron trasladados al Reino Unido. En Londres, tras ser interrogados, fueron puestos en libertad sin cargos.

Comentarios:
"Camino a Guantánamo" es una película con dos partes claramente diferentes entre sí. La primera parte (o primera hora) se podría decir que es una especie de road- movie demencial, en el peor lugar en el mundo para hacer carretera a fines del 2001, Afganistán.
Cuatro amigos, que de Inglaterra viajan a Pakistán para el casamiento de uno de ellos, deciden ir a Afganistán supuestamente para realizar ayuda comunitaria, pero la realidad no queda del todo claro para que se metieron en la boca del lobo. La cuestión es que con mucha mala suerte, terminan siendo capturados y luego de trasladarlos por varias ciudades y cárceles, los traspasan a Guantánamo.
Hasta aquí tenemos una muy buena primera parte, en la cual de manera inteligentemente manipuladora, los realizadores mezclan entrevistas de los tres personajes reales junto con escenas ficcionadas, para darle mayor realismo a la cosa. Y en gran medida lo logran.
El gran problema es que hay demasiados agujeros negros en la historia. Como ya dije antes, en la película no queda del todo claro el porqué fueron a Afganistán, ya que una vez allí, se los ve paseando por diferentes lugares, como si fueran turistas en cualquier ciudad. Gran error, ya que al ser un tema tan delicado, deberían haber justificado mas su viaje.
Otro punto extraño en la historia se basa en la suerte. A uno, luego de ver el desenlace, le cuesta creer lo que se le plantea, la mala suerte que tuvieron en diferentes situaciones que los llevaron a este final. Aclaro que nunca estuve en un lugar así, por lo tanto son todas impresiones que recibí al ver la película. Básicamente la película nos plantea a cuatro chicos ingenuos en una atroz guerra, con mucha mala suerte. A mi entender, el guion debería haber sido más claro en este sentido, porque es un tema sumamente delicado, sobre todo para el publico afectado por el derrumbe de las Torres Gemelas.
Una vez capturados y enviados a la base militar en Guantánamo, comienza lo mejor del film. Acá si, esa estructura narrativa ambigua, entre lo documental y ficción, adquiere mayor potencia para demostrarnos en primera persona las barbaries que se realizaban allí. El dolor físico, el dolor psíquico. Lo bueno, lo malo y lo feo, todo lo horrible que puede actuar el ser humano lo vemos en condensados pero muy shockeantes minutos.
La cámara se mantiene ahí, quieta, casi como si fuera otro preso en silencio. Hasta logramos ver un pequeño destello de humanidad en un militar... Todo es visto desde nuestro incomodo lugar que nos asignan los directores. Tan deshumanizado es todo allí, que la salida en libertad de estos tres chicos la vivimos con la misma parsimonia que vivimos sus días allí dentro. Ni siquiera nos permiten emocionarnos con su salida, allí no hay lugar para emociones…
Dos partes de un todo, que de no haber tenido algunas fallas en la primer parte seria una de las mejores películas contemporáneas. De cualquier manera, la media hora final raya a gran altura.

Bonus:
La Base Naval de la Bahía de Guantánamo es una base militar en la isla de Cuba controlada por los Estados Unidos, bien conocida por su prisión militar. Se estableció en 1898 cuando Estados Unidos obtuvo el control de Cuba por parte de España al término de la Guerra hispano-estadounidense. El gobierno de Estados Unidos obtuvo un arrendamiento perpetuo que comenzó el 23 de febrero de 1903, siendo 2000 dólares anuales el "alquiler" que Estados Unidos pagó por Guantánamo entre 1903 y 1934. Aumentó a 4085 dólares en 1934. Desde la llegada al poder de Fidel Castro, solamente ha cobrado una renta del alquiler, mientras que firmemente rechaza cobrar a cualquier otro gobierno, ya que ve esta base como ilegítima.
En el último cuarto del siglo XX, la base fue usada como centro de reclusión para refugiados cubanos y haitianos interceptados en alta mar. Sin embargo, comenzando en 2002, una pequeña porción de la base fue usada para albergar dentro de los campos X-Ray (Rayos X), Delta y Echo (Eco), a prisioneros sospechosos de nexos con Al-Qaeda y el ejército talibán que fueron capturados en Afganistán.

Puntaje: 8,0

TRAILER:

1408

2009-08-14T11:39:00.000-07:00

Título original: 1408
Género: Thriller
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 104 minutos
Dirección: Mikael Håfström
Elenco: John Cusack (Mike Enslin), Samuel L. Jackson (Gerald Olin), Mary McCormack (Lily Enslin), Tony Shalhoub (Sam Farrell), Jasmine Jessica Anthony (Katie Enslin).

Sinopsis:
El afamado escritor de novelas de terror Mike Enslin sólo cree en lo que ve con sus ojos. Sin embargo, después de una saga de bestsellers dedicados a desacreditar los hechos paranormales ambientados en los más terribles cementerios y casas encantadas de todo el mundo, el autor no posee una prueba real de la existencia de vida después de la vida. Pero la interminable secuencia de largas noches libres de fantasmas vividas en solitario por Enslin está a punto de cambiar definitivamente cuando entra en la suite 1408 del famoso hotel Dolphin para su último proyecto: “Diez noches en habitaciones de hotel embrujadas”. Despreciando las advertencias del director del hotel, el autor es la primera persona en varios años que se hospeda en la habitación. Mike Enslin tendrá que enfrentarse a sus demonios para llegar al final de la noche.

Comentarios:
Antes de comenzar mi comentario quiero aclarar que las películas que trasladan el miedo a otras dimensiones no son de mi agrado. Hecha esta aclaración, me siento en total libertad de decir que “1408” fue de las grandes decepciones que me llevé en este año. La idea argumental me parecía interesante, sobre todo imaginarme como seria esa fatídica noche, y de qué forma llegaría al final. Pero claro, al transitar un terreno que no me atrae en lo más mínimo como lo es el fantástico, la historia se diluye hasta llegar a usar muchísimos de los clichés característicos del género.
Rescato los primeros minutos en la habitación, en la cual sentimos que algo no está funcionando, pero no tenemos real certeza de que es lo que lo impulsa. Allí se puede ver lo mejor del sueco Håfström, manejando muy bien los hilos del misterio para atraparnos. Pero lamentablemente el guión lo lleva por otro camino, donde vemos a los fantasmas de Mike una y otra vez, en apariciones para el olvido.
Tampoco me llega a convencer John Cusack, que no es un actor que me agrade particularmente, de hecho pienso que está sobrevalorado, y esta es una muestra más de sus tics repetitivos y poses que poco trasmiten.
No es conveniente contar demasiado de lo que sucede en dicha habitación, pero si creo que es saludable advertir que será un juego de espejos y cajas chinas, donde uno nunca sabe (o espera) que sucederá, ni que es real o no, y como terminará el personaje.
Lo que si me resulta interesante es el concepto general. Mike se metió en el mundo paranormal buscando de alguna forma una respuesta a la prematura muerte de su hija, y no la había encontrado hasta llegar a la habitación 1408. El gran problema radica en que, una vez encontrada la respuesta, se encuentra en un camino sin salida, dejando de lado un final más poderoso, para darle lugar a uno más predecible, o más bien tonto.
A las personas que les gusta este tipo de cine no quedarán defraudadas, porque sin lugar a dudas tiene todos los elementos para satisfacer sus gustos. Pero para los que preferimos el terror más real, tan solo nos distraerá durante un rato.

Bonus:
La película está basada en un relato corto de Stephen King, que fue el segundo libro de la colección de audiolibros titulada Blood and Smoke publicada en 1999. En 2002, fue reimpresa e incluida como la duodécima historia corta de la compilación Everything's Eventual: 14 Dark Tales.
El relato corto de Stephen King no tiene en realidad un final cinematográfico. Así que, tuvieron que examinar distintos tipos de finales. "Al cabo de unos visionados experimentales, nos decidimos por el final que hemos incorporado, porque consideramos que era el más satisfactorio, no sólo para el público, sino también para el personaje y para nosotros. Tuvimos que rodar la mayor parte del filme antes de poder saber realmente a dónde nos conduciría el final", explicó Haftröm.

Puntaje: 4,0

TRAILER:

INVASORES

2009-08-11T20:27:00.000-07:00

Título original: The invasion
Género: Thriller
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 99 minutos
Dirección: Oliver Hirschbiegel
Elenco: Nicole Kidman (Carol Bennell), Daniel Craig (Ben Driscoll), Jeremy Northam (Tucker Kaufman), Jackson Bond (Oliver), Jeffrey Wright (Dr. Stephen Galeano), Veronica Cartwright (Wendy Lenk), Josef Sommer (Dr. Henryk Belicec), Celia Weston (Ludmilla Belicec), Roger Rees (Yorish), Eric Benjamin (Gene), Susan Floyd (Pam), Stephanie Berry (Carly).

Sinopsis:
“Invasores” cuenta la historia de una misteriosa epidemia que altera el comportamiento de los seres humanos. Una psiquiatra de Washington (Nicole Kidman) descubre que el origen de la epidemia es extraterrestre y debe luchar para proteger a su hijo, ya que es posible que él sea la clave para detener la creciente invasión.

Comentarios:
Bajo la producción del exitoso Joel Silver y luego del éxito mundial de “La caída”, Oliver Hirschbiegel recaló en Los Ángeles para dirigir una nueva adaptación de la novela “The Body Snatchers" de Jack Finney, y más allá de algún problema final con los productores (a la producción no le gustó la versión que el alemán había entregado y se llamó a los hermanos Wachowski para reescribir escenas y al australiano James McTeigue para volver a filmarlas), que de hecho lo llevó a no tener el final que quería, salió airoso de esta primera experiencia americana.
Valorada sobre todo por realizar un nuevo film basada en la exitosa novela, que en su momento el gran Abel Ferrara trastabillara. Lo interesante es que, a diferencia de las dos películas anteriores, no se trata de una remake del film original dirigido por Don Siegel en 1956, sino que más bien una adaptación de la propia novela (se dice que es la versión que más se acerca), lo que la carga de un mayor interés.
Protagonizada por la siempre correcta Nicole Kidman, en el papel de la psiquiatra que lentamente descubre lo que sucede a su alrededor y trata por todos los medios, aun arriesgando su vida, de salvar la de su hijo que es secuestrado por su padre (ambos están divorciados) y sus “compañeros” extraterrestres.
Las películas de extraterrestres invadiendo la Tierra son de mis preferidas, sobre todo cuando intentan ingresar en la piel del humano, ya sea para engañarnos o simplemente para quedarse con nuestros cuerpos. La idea de no saber quién es humano y quien no, logra generar un desasosiego interesante entre los espectadores. Idea que aquí genera una variante, básicamente porque a medida que avanza la película los extraterrestres comienzan a ser mayoría, y son los propios humanos los que intentan imitarlos para pasar desapercibido. La película logra mantener un buen ritmo durante toda su duración, con idas y vueltas que hacen muy llevadero el producto. Mas allá de no sorprender nunca, logran que este cuarto film te mantenga con atención, como si nunca hubieras escuchado la historia escrita hace tantos años atrás.
Interesante es el mensaje que hay detrás de todo esto, un mensaje que habla de la condición del ser humano, destructiva. Las noticias están en segundo plano durante gran parte del film. A medida que los extraterrestres se apoderan cada vez más de los humanos, los hechos noticiosos increíblemente cambian hacia el lado de la paz (abrazo entre Bush y Chávez incluido). Hasta en un momento ese mensaje se vuelve explicito, cuando un amigo ya alienando, le argumenta a la psicóloga el porqué tiene que transformarse; y la verdadera y real motivación de la psicóloga por seguir siendo humana mas allá de todo, es por algo en particular con su hijo, y no porque quiera luchar por el bien de los seres humanos. Hace más de 50 años Finney dejaba este extraño mensaje (sobre todo por la época en que se escribió), que Hollywood volvió a recordar de mano de un alemán y una australiana, respetando su historia original como ninguno lo había hecho antes, para el bien de todos.

Bonus:
El momento en que Jack Finney dio a conocer su obra no era el mejor para Colliers, una publicación de gran tiraje, a esa altura bimensual, que llegaría a su fin tres años después y que no solo se dedicaba a ilustrar diversas noticias del acontecer mundial y a editar cuentos de ficción, por ejemplo, sino que a lo largo de su historia, desde fines del siglo XIX, ofició de firme instrumento para el periodismo de investigación, siendo objeto de denuncias por parte de poderosas compañías a las que criticaba, y que contó con colaboradores de la talla de Jack London, Sinclair Lewis, Ernest Hemingway y hasta Winston Churchill.
Jack Finney había dicho que su novela nada tenía que ver con un mensaje anticomunista que corriera de fondo; que no la había pensado de ese modo. Lo cierto es que en el momento en que salieron los tres números de Colliers, el senador McCarthy estaba en plena actividad con la "caza de brujas" del Comité de Actividades Antinorteamericanas, mientras el cine de ciencia ficción comenzaba a hacer gala del "enemigo rojo". salieron los tres números de Colliers, el senador McCarthy estaba en plena actividad con la "caza de brujas" del Comité de Actividades Antinorteamericanas, mientras el cine de ciencia ficción comenzaba a hacer gala del "enemigo rojo".

Puntaje: 6,5

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88 MINUTOS

2009-08-09T09:04:00.000-07:00

Título original: 88 minutes
Género: Thriller
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 108 minutos
Dirección: Jon Avnet
Elenco: Al Pacino (Jack Gramm), Alicia Witt (Kim Cummings), Amy Brenneman (Shelly Barnes), Leelee Sobieski (Lauren Douglas), William Forsythe (agente Frank Parks), Deborah Kara Unger (Carol Lynn Johnson), Benjamin McKenzie (Mike Stempt), Neal McDonough (Jon Forster).

Sinopsis:
Jack Gramm, un profesor universitario que trabaja también de psiquiatra forense para el FBI, recibe una amenaza de muerte avisándole que le quedan 88 minutos de vida. Para salvarse, Jack debe usar todas sus habilidades y entrenamiento para acercarse cada vez más a los posibles sospechosos, entre los que figura un alumno disgustado, una antigua amante a quien abandonó y un asesino en serie que ya se encuentra en el corredor de la muerte.

Comentarios:
Cuando en la mitad de una película, un espectador bastante despistado como suelo ser, descubre quien es el asesino, es porque algo esta funcionando mal. Esto es lo que me paso con “88 minutos”, la película que protagoniza el excelente actor Al Pacino, que por supuesto no pasa inadvertida por este simple hecho y no por merito alguno.
No podríamos decir que es un bodrio, porque se pasa entretenido, pero si podemos afirmar que es el mejor ejemplo de cómo un mal director puede destrozar un guion, que sin ser excelente no era para recibir tal maltrato. La cinta tiene muchísimas fallas, que van desde el personaje que está condenado a muerte con todos los clichés posibles, hasta una manera de dirigir bastante tonta y absurda, llenando de flashback para recordar al espectador situaciones o personajes que ya vimos hace minutos (será que el propio Jon Avnet sufre de mala memoria y cada vez que ve una película se le olvidan los personajes fácilmente y cree que eso nos pasa a todos?).
Pero la historia central es entretenida, en 88 minutos el personaje de Al Pacino puede morir, lo que le genera una gran paranoia que lo hace dudar hasta de su asistente. Pero lo peor es que hace bien, no porque lo quieran matar, sino porque las chicas que lleva a su casa lo estafan, y hasta su persona de confianza le ha fallado alguna vez… Pobre Jack! O mejor dicho, pobre Al Pacino ya que es una verdadera lástima ver a uno de los grandes actores que quedan en Hollywood trabajando con esta clase de directores. Para resaltar, sobre todo el plantel femenino y no porque sean brillantes actrices, más que nada porque siempre es agradable ver un conjunto actoral físicamente bello y que no desentone.
Ideal para ver por televisión un fin de semana frio, ahí tal vez se pueda disfrutar. De otra manera abstenerse, ni siquiera para sacarla en DVD.

Bonus:
El guionista de “88 minutos” Gary Scott Thompson (también escribió la trilogía de “Rapido y furioso”) es el creador de la serie estadounidense “Las Vegas”, que ha sido una de las decepciones del año luego de cinco temporadas en el aire por su final demasiado abierto para el gusto de sus fans.
Al menos la intención de Gary Scott Thompson es darle un final digno a la serie después de que la huelga de guionistas impidiese que la serie terminase como debiere. Eso sí, no tiene fácil solución puesto que él mismo produce la nueva serie de “El auto fantástico”…

Puntaje: 4,0

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IRON MAN: EL HOMBRE DE HIERRO

2009-08-06T06:24:00.000-07:00

Título original: Iron man
Género: Acción
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 126 minutos
Dirección: Jon Favreau
Elenco: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Terrence Howard (James Rhodes), Jeff Bridges (Obadiah Stane), Shaun Toub (Yinsen), Gwyneth Paltrow (Virginia "Pepper" Potts), Faran Tahir (Raza), Jon Favreau (Hogan).

Sinopsis:
Como consejero delegado de Industrias Stark, el mayor contratista de armamento del Gobierno estadounidense, Tony Stark se ha hecho célebre por proteger durante décadas los intereses norteamericanos en todo el mundo. El estilo de vida despreocupado de Tony cambia de manera radical cuando su convoy sufre un ataque, tras una prueba de armamento que supervisa personalmente, y se ve convertido en prisionero de un grupo de insurgentes. Herido por un fragmento de metralla, que se aloja cerca de su corazón ya debilitado y pone en peligro su vida, Tony se ve forzado a crear un arma devastadora para Raza, el misterioso cabecilla de los revolucionarios. Ignorando las exigencias de sus captores, utiliza su intelecto y su ingenio para crear una armadura que lo mantenga con vida y le permita escapar de su cautiverio. A su regreso a América, Tony debe afrontar la realidad de su pasado y decide emprender un nuevo rumbo con Industrias Stark. A pesar de la resistencia de Obadiah Stane, su mano derecha y ejecutivo principal de la compañía, que ha tomado las riendas del negocio en su ausencia, Tony se pasa día y noche en su taller, perfeccionando y puliendo una armadura que le otorgue fuerza sobrehumana y protección física. Con la ayuda de su asistente de toda la vida, Pepper Potts, y su enlace militar de confianza, James Rhodes, Tony descubre un siniestro complot con ramificaciones globales. Enfundándose su imponente armadura roja y dorada, Tony se compromete a proteger el mundo y corregir sus injusticias con su nuevo álter ego, Iron Man.

Comentarios:
Tengo la vaga idea de haber leído alguna revista de este súper héroe cuando era niño, pero nunca fui muy fanático, a tal punto que no recordaba los villanos y ni la manera en la cual se había transformado Stark en Iron man, pero sí recuerdo que me entretenía. Y con este recuerdo en mi mente me dispuse a mirar esta nueva adaptación a la gran pantalla de un comic.
Sin ser un erudito en el tema de los comics ni mucho menos, creo que este superhéroe cuenta en su historia con muchos ingredientes que hace interesante su traslado al cine. Tony Stark es un personaje bastante más profundo que el común de su especie. Su pasado, su presente y hasta su futuro lo atormentan día a día, a pesar de haber logrado una especie de “devolución al mundo de todo el daño que le he hecho”, con su trabajo comunitario disfrazado de Iron man. Por otro lado, este es un superhéroe que no tiene ningún poder especial, simplemente un cerebro prodigioso para crear sofisticados instrumentos de ataque y defensa. Y la película se empeña en demostrárnoslo. La película es de lo más interesante, cuenta paso a paso la forma en que Stark se convirtió en Iron man sin escatimar en detalles, mientras, paralelamente descubrimos la relación que mantiene con su secretaria personal y con su socio, y también porque no, con el gobierno. El guión se detiene bastante tiempo para demostrar como paulatinamente este playboy va tomando consciencia del mal destino de sus inventos, para poder justificar su destino final.
A pesar de ser bastante larga y con poca acción de peleas, nunca deja de ser entretenida, pues es por demás interesante el proceso que experimenta hasta llegar al traje final.
Las actuaciones están bastante bien, sobresaliendo Robert Downey Jr. en un papel que no le cuesta demasiado, pero que lo compone de buena manera. El resultado final es por demás entretenido y te deja con ganas de una segunda parte con mas acción, que por supuesto está a punto de estrenarse.
Es una película (al igual que el comic) que pregona el orgullo norteamericano, desde sus inventos (positivos para su gobierno sea cual sea el destino, altamente negativo cuando es en contra), pero no por eso deja de ser un excelente vehículo para el entretenimiento.

Bonus:
Iron Man es un héroe del universo Marvel Comics creado por Stan Lee quien se encargó de la trama argumental, Jack Kirby que dibujó la portada y la armadura de Iron Man en el primer número, Don Heck como artista y escritor y Larry Lieber como escritor. Su primera aparición fue en el cómic Tales of Suspense N° 39 en el año 1963.
Su primera aparición en televisión fue en la serie Superhéroes de Marvel, como uno de los cinco superhéroes principales. John Vernon fue el encargado dar su voz para el personaje. Para finales de 1994 se estrenó una nueva serie animada titulada Iron Man en la que éste superhéroe fue el personaje principal, con la voz de Robert Hays. En Abril de 2006, los Estudios Marvel anunciaron que Iron Man estaba en producción y su nuevo director sería Jon Favreau, y que estaría previsto su estreno para el 2 de Mayo de 2008.

Puntaje: 7,0

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CUENTA REGRESIVA

2009-07-31T09:22:00.000-07:00

Título original: Knowing
Género: Thriller
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU
Duración: 121 minutos
Dirección: Alex Proyas
Elenco: Nicolas Cage (John Koestler), Rose Byrne (Diana Wayland), Chandler Canterbury (Caleb Koestler), Lara Robinson (Lucinda Embry/Abby Wayland), Ben Mendelsohn (Phil Beckman), D.G Maloney, Nadia Townsend (Grace Koestler), Adrienne Pickering (Allison), Danielle Carter (Miss Taylor 1959).

Sinopsis:
Año 1958, unos niños guardan en una cápsula del tiempo varios documentos. Uno de ellos contiene extraños números. En el presente, John (Nicolas Cage), un profesor de astronomía, encuentra el documento sin entender su significado. Descubrirá que son fechas en las que han ocurrido cosas terribles e intentará evitar que se cumplan las predicciones futuras.

Comentarios:
Debo reconocer que tengo debilidad por Alex Proyas. El cuervo, Dark city e inclusive I, robot están dentro de las mejores películas de ciencia ficción que vi de la década del 90 a esta parte. Por lo tanto tal vez mi entusiasmo por esta película puede ser un poco desmesurado, lo reconozco.
La historia principal de esta película es bastante interesante y atrapante. Comienza muy bien, con esa niña media trastornada que comienza a escribir números sin parar, para luego introducirlo en la capsula del tiempo que guarda su colegio. Imagínense la desilusión del pobre niño que 50 años después recibe esos números en lugar de dibujos como el resto? Pero John (que no en vano es profesor de astrología) al descubrirla en manos de su hijo, comienza a investigar qué significado tienen esos números, y descubrirá que son fechas y lugares exactos en las cuales ocurrirán accidentes. Claro, al haber sido escrita 50 años antes, la mayoría ya ocurrieron, pero quedan solo tres eventos que John intentará detenerlos.
Los primeros cuarenta y cinco minutos nos mantienen en vilo, sin despegarnos de los descubrimientos que John va teniendo en cada paso que avanza (por supuesto que hay muchos más de lo que contamos aquí), pero luego comienzan a tomar más protagonismo los hombres que “vigilan” a su hijo (dos rubios, flacos que aparecen cada tanto a lo lejos, sin hablar), que le hacen temer a uno que la buena película se dispare para cualquier lado, como ya nos tienen acostumbrados. Pero no, la historia avanza con alguna que otra vuelta de tuerca, para acercarnos cada vez más hacia el inminente final, que si bien no es sorpresivo, sorprende que sea de esta forma, sobre todo teniendo en cuenta que es un final muy poco común en Hollywood.
Hay una escena que paga la entrada al cine, esa es el accidente aéreo sobre la carretera. Un ejemplo de efectos especiales, efectos sonoros, dirección de arte y fotografía; todo reunido en una única escena que es monumental. Y sobre todo por la importancia que tiene en la película, y no estar por e simple hecho de impactar sin más.
Realmente me gustó, sin ser una gran película creo que es un interesante e inteligente ejercicio de suspenso. Y esta vez es un desastre natural, pero lo más interesante de todo es que nada tenemos que ver los humanos y nuestra mala conducta con el planeta Tierra…

Bonus:
“Cuenta regresiva” es una de las primeras películas que se ruedan con la cámara Red One, lo último en tecnología digital ligera de alta resolución. Simon Duggan, el director de fotografía dice que la cámara Red One ha abierto un nuevo mundo de posibilidades para los realizadores que trabajan con cámaras digitales. “Los tonos de piel quedan suaves. Dan muy bien en cámara. Es alucinante. Casi no hay ruido ni grano en las imágenes. Quería que la película tuviera una calidad cinematográfica total y con esta cámara se consigue un look prácticamente indistinguible del celuloide”. Proyas y Duggan realizaron numerosas pruebas antes de decantarse por el formato digital. "Los dos estaban emocionados por la posibilidad de utilizar la nueva cámara", comenta Blumenthal. "Nos permitió trabajar mucho más rápido. Trabajamos mucho en plató directamente sin tener que esperar a hacerlo en la postproducción como antes”. “Con la cámara Red One no tuvimos que esperar para ver si un sistema de iluminación daba bien en cámara. Es inmediato, y al final nos dio muchísima confianza, tanto que fuimos más allá de lo que teníamos pensado en un principio".

Puntaje: 7,0

TRAILER:

VAN HELSING: EL CAZADOR DE MONSTRUOS

2009-07-28T16:07:00.000-07:00

Título original: Van Helsing
Género: Fantasía
Año: 2004
Nacionalidad: EEUU
Duración: 131 minutos
Dirección: Stephen Sommers
Elenco: Hugh Jackman (Van Helsing), Kate Beckinsale (Anna Valerious), Richard Roxburgh (Conde Vladislaus Dracula), David Wenham (Carl), Shuler Hensley (Monstruo Frankenstein), Elena Anaya (Aleera), Will Kemp (Velkan), Kevin J. O'Connor (Igor).

Sinopsis:
La historia transcurre en el siglo XIX en Londres, Roma, París y Transilvania; los seres humanos son constantemente acechados por el mal encarnado en múltiples formas: monstruos que sobreviven generación tras generación, enfrentándose a los valientes que dan su vida en esa guerra sin fin contra la raza humana. Van Helsing (Hugh Jackman), el legendario cazador de monstruos al que dio vida Bram Stoker en “Drácula”, en su eterna batalla para librar al mundo de estas malvadas criaturas, y respondiendo al encargo de una sociedad secreta, viaja a Transilvania con la idea de vencer al letal y seductor, al enigmático y poderoso Conde Drácula (Richard Roxburgh). La intrépida Anna Valerious (Kate Beckinsale) se unirá a él para derrotar al vampiro y librar a su familia de una antigua maldición.

Comentarios:
A esta altura del partido (como decimos en Uruguay) nadie puede esperar mucho de Sommers, lamentablemente. Luego de las tontas pero súper exitosas “La momia” y “La momia regresa”, el nuevo director de aventuras sin contenidos (para la alegría de los chicos) decidió escribir y dirigir una película que reuniera a todos los principales monstruos clásicos frente al gran Van Helsing, que al igual que Brendan Fraser contra las momias (pero bastante más freak) salvará al mundo de tamaño problema.
En lo personal, veía con buenos ojos el complejo mundo de monstruos que nos presentaban, sobre todo teniendo en cuenta en el submundo oscuro en el cual transcurría la historia. Pero luego de verla, se me ha hecho difícil ingresar al mundo que nos plantean, principalmente por la falta de rigurosidad con la que están representados los principales monstruos de la literatura clásica del género, tomando su lado más caricaturesco (si se puede decir así), dejando afuera la ambigüedad y oscuridad de sus condiciones. Se me hace difícil encontrarme con un Mr. Hyde más de un cuento de comic que de una novela oscura, ver a los hombres lobo actuando para el bien de Dracula de forma deliberada, encontrarme con un monstruo Frankestein demasiado buenote y culto para mi gusto. Para el final dejo a la pareja principal, Dracula y Van Hesing. El personaje de Dracula tiene un tono demasiado elevado diría, casi insoportable. En lugar de ser culto, de presencia importante y manipulador, este es tan soberbio que raya la estupidez. Y Van Helsing es más parecido a Batman que al profesor creado por Bram Stoker.
La historia es bastante simple como suelen ser los guiones de Sommers. Van Helsing, luego de armarse al mejor estilo James Bond, viaja a Transilvania para enfrentarse a Dracula, ya que gracias a una sociedad secreta que reside en el Vaticano ha recibido educación y dotes para ser el mejor defensor de los humanos frente a la infinidad de monstruos que acechan a los humanos. Pero también deberá defender a la última de los Valerious, familia que durante siglos ha defendido a su pueblo frente a vampiros y hombres lobos. Por supuesto que se enamoran, faltaba más…
A favor podemos decir que, al igual que sucedió con “La momia” y su secuela, la película llega a entretener al espectador que no tiene otra pretensión. El diseño de arte y la fotografía son dos rubros que aquí cobran mucha importancia, y logran recrear lugares siniestro e intrigante, lo que hace bastante disfrutable para la vista. También logran romper con lo que parecía un final inminente muy común en la historia del cine americano, logrando al final revertir cierto gustito agridulce que teníamos en la boca.
Tiene escenas de acción resueltas de muy buena forma y se pasa el rato, pero nos gustaría ver a un Sommers un poco mas jugado hacia una historia más desarrollada dentro del entretenido genero. Creíamos que aquí la encontraríamos pero nos equivocamos. Habrá que esperar…

Bonus:
El profesor Abraham Van Helsing es un personaje de ficción de la novela Drácula (1897) de Bram Stoker. Es un doctor holandés de edad avanzada y de variados intereses y logros, en parte confirmado por la serie de títulos que posee: doctor en medicina, doctor en filosofía, doctor en letras, entre otros. Luego de conocer a Lucy (gracias a un amigo en común, el Dr Seward) empieza a desarrollar una aptitud para cazar vampiros. En la película el personaje no corresponde con ninguna de las características del original y hacen la alusión de que Van Helsing es el arcángel Gabriel.

Puntaje: 4,5

TRAILER:

VACANCY

2009-07-25T07:03:00.000-07:00

Título original: Vacancy
Género: Thriller
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 85 minutos
Dirección: Nimród Antal
Elenco: Kate Beckinsale (Amy Fox), Luke Wilson (David Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (Mecánico), David Doty (Policía).

Sinopsis:
Un desvío nocturno se convierte en una pesadilla inimaginable cuando el coche de una pareja separada se avería en una remota carretera rural. Al encontrarse atrapados en una oscura y desierta carretera de dos carriles, David Fox y su mujer (ex mujer dentro de muy poco) Amy se ven obligados a pasar la noche en un sórdido motel dirigido por un extraño aunque aparentemente inofensivo propietario. En su habitación mugrienta y raída, la pareja, siempre peleando, encuentra unas macabras películas caseras que parecen extrañamente reales. Cuando se dan cuenta de que los vídeos sangrientos han sido grabados en la misma habitación en la que ahora están, concluyen que ellos serán las próximas víctimas de los sádicos cineastas a menos que dejen a un lado sus diferencias y trabajen juntos para escapar.

Comentarios:
Películas como están suelen atraparme mucho. Carreteras desoladas, problemas en el auto, caminata en la oscuridad con la única luz de la linterna y finalmente llegada a un lugar misterioso. Así comienza este film, que sorprende por la poca cantidad de actores que llevan adelante la historia, y porque (sin ser estrellas) los que los personifican son famosos, cosa que no suele ser muy común en este tipo de producciones.
La película comienza bien, con todos los ingredientes anteriormente nombrados, el guion se arregla para hacerlos pasar la noche en un hotel de mala muerte, muy a su pesar. Aquí me quiero detener un instante. Es realmente necesario que la pareja protagonista tenga al hijo muerto y se estén por separar? Es realmente necesario que no paren de discutir durante todo este tramo del film? La respuesta es un rotundo no. De nada va a servir esta historia del pasado, simplemente volverá cada tanto para decorar los peores momentos del film, absolutamente sensibleros (alguien necesita escuchar que se siguen amando cuando están en una situación peligrosa?). Es hora de que aprendan del thriller europeo, y principalmente francés (caso claro: Ellos), de no inventarles una tonta y repetida historia simplemente para darles carácter a los personajes, o vaya a saber uno para que. No basta que sean una pareja común y corriente y que se amen como cualquier otra?
La cuestión es que entre groserías van, groserías vienen, descubren que los van a matar para grabarlo en video y comercializarlo. Harán todo lo posible para salir con vida, el problema es que están en el medio de la nada.
La historia me pareció interesante, no porque sea original, sino porque con pocos personajes y prácticamente una sola locación se las arregla para general suspenso. El problema radica en el poco oficio del novel director para salirse un poco del libreto, con lo cual nos enfrentamos a escenas resueltas de forma bastante simple y muy vista en anteriores películas (para no decirle cliché, que es un cliché por si mismo). Una buena manera de generar desasosiego cuando las dos personas atacadas se separan, es quedarse con una mientras la otra persona no llega, de esta manera la intriga seria mayor. Bueno, nada de esto sucede, el director tiene más posiciones de cámara que los asesinos en el cuarto, por lo tanto vemos todos los puntos de vista posibles siempre, cosa que hace perder mucho la tensión; siempre sabemos quiénes son los malos, donde están y que le está pasando a Amy y David cuando se separan. Lo extraño es que muchas veces los malos no saben que están haciendo en la habitación teniendo tantas cámaras…
Y el final es de antología. Cuando uno creía que se habían salido del libreto, sucede lo que más temía y diría que por dos veces, cuál de las dos mas tontas.
En síntesis se pasa un ratito distraído, pero si hubiese recalado en otras manos tal vez habría sido un producto disfrutable.

Bonus:
“Vacancy” es el segundo largometraje del novel director Nimród Antal, nacido en Los Angeles, California. Fiel a sus ancestros húngaros, viajó hacia Budapest en el año 1991 para estudiar cine en el Hungarian Film Academy. A pesar de no haberse graduado, en el año 2003 realiza su opera prima llamada “Kontroll”, con la cual gana 17 premios internacionales y fue nominado como mejor director en el European Film Award. A mediados de este año, Robert Rodríguez lo confirmó como director de “Predators”, que se estima su estreno para julio del 2010.

Puntaje: 3,5

TRAILER:

UNA EVA Y DOS ADANES

2009-07-22T10:21:00.000-07:00

Título original: Some like it hot
Género: Comedia
Año: 1959
Nacionalidad: EEUU
Duración: 95 minutos
Dirección: Billy Wilder
Elenco: Jack Lemmon (Jerry/Daphne), Tony Curtis (Joe/Josephine), Marilyn Monroe (Sugar Kane Kowalczyk), George Raft (“Polainas” Colombo), Pat O'Brien (Det. Mulligan), Joe E. Brown (Osgood Fielding III),

Sinopsis:
Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon) son dos músicos de poca monta, que al presenciar la Masacre de San Valentín en Chicago en 1929, son perseguidos por los gánsteres que quieren deshacerse de estos incómodos testigos. Al no tener dinero para huir de Chicago, se disfrazan de mujeres e ingresan en una banda de chicas que se dirige a Florida, pasando a llamarse Josephine y Daphne. Joe se enamora de la cantante e intérprete de ukelele, Sugar (Marilyn Monroe) y el millonario Osgood (Joe E. Brown), se enamora de Daphne/Jerry. Mientras Joe adopta una doble personalidad masculina/femenina y se viste imitando a Cary Grant para seducir a Sugar, Jerry debe luchar contra los acosos del millonario.

Comentarios:
Esta es una de las mejores comedias de todos los tiempos, si no es la mejor. El dúo actoral se manda un trabajo antológico, sobresaliendo el excelente Jack Lemmon, Marilyn Monroe aporta todo su sex-appeal y un poco más, en su papel de tontona no tan tonta, Tony Curtis no solo hace un gran contrapunto actoral, sino que también se luce en escenas donde el humor carga a sus espaldas, y la maestría del genial Billy Wilder detrás de cámara para sacarle todo el jugo al excelente guion escrito por él mismo junto a I.A.L. Diamond, que también fue productor de la cinta.
Como primera cosa, no hay que olvidar que fue realizada hace cincuenta años. Años en los cuales no era tan fácil tocar el tema de la homosexualidad, y mucho menos del travestismo. Pero mas allá de lo que uno cree, no es una película que hable sobre esa condición, sino que más bien habla (o se ríe) de la masculinidad y lo difícil que era ser mujer en aquellos años. Pero siempre en clave de humor, un humor que se disfruta con la misma frescura hoy en día, gracias a un excelente tratamiento narrativo.
Los primeros veinte minutos son los momentos con menos dosis de humor, pero en el cual Wilder se esmera en crear una cruda y real historia para justificar el travestismo de los dos protagonistas. Ellos están sin un peso, sin trabajo y perseguidos por la mafia, por lo tanto deciden tomar la única opción (que uno de ellos había descartado horas antes) para salvar sus pellejos. Recién cuando el espectador entiende que vestirse de mujer es la única escapatoria para sobrevivir, comienza el humor en grandes cantidades. Y comienza con una gran escena, que es dentro del vagón del tren, rodeados de chicas no tan santas. Jack Lemmon se luce a todo nivel, interpretando a este hombre travestido luchando por no sacar al hombre para afuera ante tanta tentación (que realmente es demasiada), mientras Tony Curtis lucha para que su amigo pueda reprimir sus instintos masculinos, mientras planea meticulosamente su avanzada masculina, aprovechando su nueva condición.
Es un gran contrapunto de actores, de hecho los momentos más disfrutables son con la pareja actoral juntos. A la vez, es imposible señalar una o dos escenas, porque realmente son muchísimas las escenas magistrales. Sería una tarea imposible contar una y otra escena divertida, porque son tantas que uno se pierde de tanto reírse. Josephine y Daphne son tan o más femeninas que las mujeres, salvo cuando están juntas que es el momento donde sus verdaderas intenciones se revelan una y otra vez.
Mientras Joe hace todo lo posible para atrapar a Sugar, Jerry mantiene un affaire obligado con un magnate, simplemente para ayudar a su amigo a conquistar a la chica en cuestión, y no porque él no haya querido conquistarla, sino que Joe le ganó de mano. Todo lo que sucede en torno a esta historia se vuelve cada vez mas y mas divertido, hasta llegar a un final perfectamente divertido.
Pasaron cincuenta años y parece mentira que, más allá de haber hecho la misma historia una y otra vez, nunca lograron al menos igualarla. En diez días la disfruté dos veces pero es cierto, demoré muchos años en verla… “Bueno…nadie es perfecto.”

Bonus:
La leyenda cuenta que Marilyn Monroe fue la más odiada del rodaje por un sinfín de situaciones. se dice que tenían que ir colocando su texto por distintos lugares del estudio porque tenía serios problemas para recordarlo.O que 59 veces tuvo que repetir Billy Wilder la secuencia en la que Marilyn Monroe pregunta: ¿Dónde está el bourbon?, bien porque no conseguía decir la frase correctamente o porque directamente la olvidaba. Tony Curtis no se quedo atrás, dijo que "besar a Marilyn Monroe es como besar a Hitler". Marilyn Monroe llegaba todos los días al plató dos horas tarde. A veces, se encerraba en su camerino y se negaba a salir. Billy Wilder acabó tan harto de ella que se aseguró de que no la invitaran a la fiesta de fin de rodaje.
El papel de Jerry/Daphne le fue ofrecido primero a Jerry Lewis, el cual lo rechazó porque no quería que el público le tomara por una "drag-queen". De modo que fue Jack Lemmon el que se hizo cargo del
personaje que le convirtió en gran estrella y por el que ganaría su primera nominación al Oscar como mejor actor. Según Jerry Lewis, desde entonces Jack Lemmon le enviaba todos los años una caja de bombones coincidiendo con el aniversario del estreno del film en Los Ángeles.

Puntaje: 10,0

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ALIEN AUTOPSY

2009-07-20T15:09:00.000-07:00

Título original: Alien autopsy
Género: Comedia
Año: 2006
Nacionalidad: Inglaterra y Alemania
Duración: 95 minutos
Dirección: Jonny Campbell
Elenco: Declan Donnelly (Ray Santilli), Ant McPartlin (Gary Shoefield), Bill Pullman (Morgan Banner), Götz Otto (Laszlo Voros), Morwenna Banks (Jasmine), Omid Djalili (Melik), Harry Dean Stanton (Harvey).

Sinopsis:
En 1995, fueron emitidas en todo el mundo unas misteriosas escenas calificadas de alto secreto pertenecientes a un video en blanco y negro, supuestamente filmado durante el incidente Roswell en 1947. Estas imágenes mostraban la autopsia hecha a un alien. Ray y Gary, fueron los dos amigos responsables del descubrimiento. Este video les condujo directos al centro de los sensacionalistas medios de comunicación y les catapultó al estrellato. Sin embargo, estos dos hombres tenían un secreto aún mayor y ¿qué les pasaría a ellos si la verdad saliera a la luz?

Comentarios:
Gratísima sorpresa me llevé con esta película basada en hechos reales (y que hechos!!). La historia gira alrededor de Ray y Gary, dos timadores de poca monta, que viajan a Hollywood desde su Inglaterra natal, en busca de dinero fácil. Por causalidad, Ray (el intrépido) se topa con un material inédito con el cual podría hacer mucho dinero, una supuesta grabación de un extraterrestre en Roswell filmado por un camarógrafo del ejército en el año 1947. Totalmente inadvertido de la magnitud de las imágenes que vio, pone su plan en marcha para conseguir la plata para comprarlo, y así hacer algo de dinero. Con la ayuda de Gary (el meticuloso), llegan a un excéntrico y peligroso millonario para que les dé el dinero. De esta forma se hacen de la increíble película. Pero al llegar a Inglaterra se dan cuenta que el celuloide está destruido por el paso del tiempo, lo que hace correr peligro a la vida de Ray, ya que fue advertido por el millonario que lo mataría si todo era falso. Entonces no tuvo mejor idea que recrear una autopsia de un extraterrestre en la casa de su hermana, con la ayuda de un carnicero cinéfilo y varios amigos más. Finalmente logran que el millonario crea la película, pero lo que no esperaban era que el resto del mundo también se la crea. Este es el punto de partida basado en lo que supuestamente ocurrió, cosa poco probable pero que Ray y Gary juran. El film es sumamente interesante, porque mas allá de tocar un tema altamente popular como este, uno de los grandes fraudes del siglo veinte, contiene elementos muy inteligentes, sobre todo teniendo en cuenta que el propio Ray Santilli junto a su compañero Gary Shoefield son los productores del film. Todo comienza con un documentalista que tiene que realizar un documental sobre las historias de estos dos sujetos. Como buenos timadores que son, nos dan todas las herramientas para convencernos de que todo es real (quien les puede creer, después de todo).
La historia avanza con muy buen ritmo, logrando grandes escenas, como la jornada de grabación de la autopsia a un alien, donde todo era tan malo como para lograr su cometido. Vale la pena verla, realmente es muy recomendable y le da a uno la sensación de haber sido un estúpido, al recordar cómo vivió el momento en que se descubrió el video y lo pasaron por un canal local.

Bonus:
El 4 de Abril de 2006, el canal de televisión Sky One emitió "Eamon Investiga - Autopsia Alienígena." El documental comienza con Santilli afirmando que vio una película real sobre alienígenas y que la compró a un antiguo cámara del ejército norteamericano. Santilli y su colega Gary Shoefield afirman que les llevó 2 años comprar la película, y que cuando finalmente llegó a Londres, estaba "oxidada" en un 95% y que el 5% restante estaba en muy malas condiciones. Fue entonces cuando decidieron "reconstruirla" basándose en los recuerdos de Santilli y en unos pocos fotogramas que sobrevivieron. Para hacerlo, contrataron al escultor británico John Humphreys. Humphreys cuenta cómo utilizó sesos de una oveja para el cerebro y una pierna de cordero para la articulación de la pierna.

Puntaje: 8,5

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LAS RUINAS

2009-07-18T10:47:00.000-07:00

Título original: The ruins
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 93 minutos
Dirección: Carter Smith
Elenco: Jonathan Tucker (Jeff), Jena Malone (Amy), Laura Ramsey (Stacy), Shawn Ashmore (Eric), Joe Anderson (Mathias), Sergio Calderón (Líder Maya), Dimitri Baveas (Dimitri)

Sinopsis:
El sol, las aguas cálidas y las playas arenosas son un gran atractivo para un sinfín de estadounidenses, sobre todo jóvenes, en busca de diversión a precios económicos. Y eso hacen dos amigas, Amy y Stacy, con sus respectivos novios, el serio estudiante de medicina Jeff y el juerguista Eric. Casi al final de sus vacaciones deciden hacer una excursión por la jungla Maya en busca de una pirámide. Cuando por fin la encuentran, un acontecimiento inesperado obliga a los asustados turistas a trepar a la cima de la vieja estructura, donde se enfrentarán a horrores letales y lucharán a vida o muerte.

Comentarios:
La película no es tan mala como se dice. Antes que nada hay que tener en cuenta con que nos enfrentamos, para luego disfrutar de un aceptable ejercicio de suspenso con ciertas dosis de gore. El asunto se centra en estos chicos que para darle un cierre de oro a sus vacaciones en Cancún, se sumergen en algo así como una expedición hacia una pirámide Maya desconocida, incitados por su nuevo amigo Mathias. Pero las cosas no salen como creían, ya que al llegar son sorprendidos por lugareños que los obligan a subir a la pirámide, de forma más que agresiva y sin saber porque, ya que los lugareños hablan en un dialecto desconocido. Y de esa forma quedan atrapados en la cima de la pirámide siendo vigilados desde abajo para que no se escapen. Con la esperanza de que alguien vaya a rescatarlos, se mantienen por un par de días en la cima, en la cual comienzan a notar acciones extrañas en la enredadera que cubre casi toda la superficie de la pirámide. Con este concepto mínimo, el director logra mantenernos un poco más de hora y media expectantes a cada sorpresa que les ocurrirá. Por supuesto que la película se basa en una situación absurda, pero tal vez la gran virtud esta en no haberla transformado en una cinta de plantas carnívoras sin más, sino que si bien conocemos las intenciones de la enredadera son pocas las veces que la vemos en acción, y solo mata a uno de los cinco muchachos, el resto terminan muriendo por otros motivos. Sin dudas que lo mejor del film se encuentra en la situación por la que pasa Stacy, que al tener un tajo en la pierna la enredadera ingresó en su cuerpo, matándola lentamente, a pesar de sus intentos por sacársela de adentro. Por supuesto que alguno de los chicos logra escapar, lo lamentable es lo precipitado del final, como si no supiera cómo. De cualquier manera es un film que se deja ver, sin grandes momentos, pero con el único fin de pasar el rato.

Bonus:
Uno de los productores del film es el exitoso comediante Ben Stiller, que junto a Stuart Cornfeld compraron los derechos y empezaron a desarrollar el proyecto con el apoyo de DreamWorks, el cual escogió al director novel Carter Smith, que no dudó ni un instante en aceptar “Soy un verdadero fan de Un plan sencillo, la primera novela de Scott Smith. De hecho, estaba leyendo Las ruinas cuando me llamaron de DreamWorks para que echara un vistazo al guión. Fue un auténtico placer. También es un auténtico plus que el autor de la novela y del guión sea la misma persona. Además, también soy fan del género”. La película transcurre en Cancún, México, con sus fantásticas playas arenosas y sus exuberantes selvas. Encontrar una playa con un plató cercano no era muy difícil, pero el realizador Carter Smith tenía otra idea; rodar la película en decorados naturales. La productora ejecutiva Trish Hofmann se lanzó a la búsqueda de un decorado natural que incorporase costa y jungla. “No cabía duda de que el mejor lugar era Queensland, Australia”, dice “Los platós de Warner Roadshow Movie World estaban muy cerca de los decorados naturales que habíamos escogido, lo que nos venía muy bien ya que para algunas escenas sería necesario el uso de platós”.

Puntaje: 6,0

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DRILLBIT TAYLOR: GUARDAESPALDAS ESCOLAR

2009-07-15T12:58:00.000-07:00

Título original: Drillbit Taylor
Género: Comedia
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 101 minutos
Dirección: Steven Brill
Elenco: Nate Hartley (Wade), Troy Gentile (Ryan), Ian Roberts (Jim), Owen Wilson (Drillbit Taylor), David Dorfman (Emmit), Alex Frost (Filkins), Josh Peck (Ronnie), Leslie Mann (Lisa), Billy O'Neill (Dean), Valerie Tian (Brooke)

Sinopsis:
Unos jóvenes poco populares deciden contratar a un guardaespaldas de poca monta (Owen Wilson) para que les proteja de unos matones que les están haciendo la vida imposible. Todo empieza el primer día de instituto. Los nuevos alumnos Ryan, Wade y Emmit se convierten en el blanco instantáneo del matón del instituto, Filkins, un torturador nato. De pronto, lo que imaginaban como los mejores años de su vida se convierten en un infierno. Los chicos se dan cuenta de que sólo les queda una solución, contratar a Drillbit Taylor (Wilson) como guardaespaldas. Posiblemente no sea el mejor mercenario, asesino a sueldo o gorila, pero sin duda alguna, es el más barato de los que contesta al anuncio que colgaron en la red.

Comentarios:
Extraño caso Owen Wilson. Sin llegar a ser un histriónico ni un gran orador, llegó a posicionarse en Hollywood como uno de los comediantes más exitosos de la presente década, llegando a cobrar hasta 20 millones de dólares por la película “You, Me and Dupree” en el año 2006. El caso es que yo soy uno de los que cae en la simpática frescura que logra transmitir en cada uno de sus personajes (un poco repetitivo, es cierto), y lo reviví en este film, que si uno lee la sinopsis o ve el titulo ( en España es peor: No tan duro de pelar) nunca se imaginaria lo divertida que es.
La película comienza con el día antes de comenzar la traumática secundaria (para quien no lo fue?), y las expectativas, un poco desmedida, de dos chicos con poco atractivo para lograr el éxito en el colegio. Por supuesto que cuando llegan se dan cuenta de la realidad, y para peor, se transforman en el objetivo diario de bromas de los más populares. Entonces deciden contratar un guardaespaldas, en un casting sumamente divertido en el cual Drillbit Taylor es contratado solo por ser el más económico. Claro, lo que los chicos no saben es que de mercenario no tiene nada, simplemente es un pobre hombre que vive en la calle y busca ganarse algo de dinero.
Con esta historia el director Steven Brill (que había escrito y dirigido la divertidísima “Little Nicky”, con Adam Sandler) logra hacernos pasar un más que divertido momento, pero no como vehículo para el desparpajo de Wilson, sino que amalgamando a este actor con los tres chicos protagónicos, creando un conjunto que hace reír por igual. Y se da el gusto de burlarse del sinfín de películas que tratan el difícil tema de la popularidad en el “high school”, con escenas por demás divertidas y un final absurdo, pero no menos efectivo. Tiene todos los condimentos necesarios, pero con algunas vueltas de tuerca diferente como para decir que no es más de lo mismo. Hoy en día el bullying (ese es el nombre con el que se conoce al acoso sufrido en los colegios) está en boca de todos y parece que eso ha cambiado la forma de verlo, y por lo visto en el cine también hizo efecto el cambio.

Bonus:
Los guionistas (Kristofor Brown y Seth Rogen) leyeron varios documentos acerca de la creciente ola de bullying en las escuelas. El número estimado de alumnos estadounidenses que sufren acoso es de 5,7 millones cada año. “Tuvimos muy en cuenta que las experiencias de Ryan, Wade y Emmit son una realidad para muchos chicos”.
Se quedaron sorprendidos ante la ineficacia de la respuesta de los adultos al fenómeno. “Leímos folletos publicados por institutos acerca de qué se debía hacer ante el bullying. Gran parte de los consejos no sirven para nada”. “En algunos casos dejan claro que a veces es mejor aprender a defenderse”.
Los guionistas reconocen que la historia les traía recuerdos dolorosos:“Tuvimos que aguantar a un acosador en el instituto como muchos otros chavales. O sea que teníamos experiencia de primera mano”.

Puntaje: 7,0

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BESOS DE SANGRE

2009-07-10T09:55:00.000-07:00

Título original: Blood and chocolate
Género: Terror romántico
Año: 2007
Nacionalidad: Inglaterra, Alemania y Rumania
Duración: 98 minutos
Dirección: Katja von Garnier
Elenco: Agnes Bruckner (Vivian Gandillon), Hugh Dancy (Aiden Galvin), Olivier Martinez (Gabriel), Bryan Dick (Rafe), Katja Riemann (Astrid), Tom Harper (Gregor), John Kerr (Finn), Jack Wilson (Willem), Vitalie Ursu (Constani), Bogdan Voda (Albu).

Sinopsis:
Ambientada en la Bucarest de nuestros días, trata de una chica de 19 años, Vivian Gandillon, que lleva toda su vida intentando huir de la verdad: que es una mujer lobo. Hace diez años, en unas montañas perdidas de Colorado, una muchacha presenció con impotencia el asesinato de su familia a manos de un grupo de hombres furiosos por el secreto que las víctimas guardaban en la sangre. La joven sobrevivió, adentrándose en el bosque y convirtiéndose en algo que los cazadores nunca hallarían: un lobo. Ahora, a pesar de que vive al otro lado del mundo, Vivian Gandillon (Agnes Bruckner) sigue huyendo. Viviendo en la relativa seguridad de la ciudad de Bucarest, Vivian pasa sus días trabajando en una tienda de chocolates, y sus noches merodeando por los locales nocturnos de la ciudad y eludiendo el acecho de su primo Rafe (Bryan Dick) y su banda de delincuentes, conocida como “Los Cinco”. Pero Vivian sólo se siente verdaderamente libre corriendo por los bosques de las afueras… aunque parece que todo lo que persigue se le escapa continuamente.

Comentarios:
Parece que las historias de terror/amor adolescente están de moda, y si no fuera esta película anterior a Crepúsculo, perfectamente podríamos afirmar que aprovechando su éxito sale a competir. Pero no, es cierto que el libro de Crepúsculo ya era un éxito, pero esta le ganó de mano en el ámbito cinematográfico, pero sin lograr la popularidad que tomaría posteriormente Crepúsculo en el cine.
Aquí la historia gira en torno a una chica hombre lobo que se enamora de un muchacho normal, aunque fascinado por el mundo licántropo. Lógicamente todos los integrantes de la comunidad de hombres lobos intentarán destruir la pareja, pero como buena película de adolescentes, ellos lucharan por su amor con un final más que predecible, pero seguramente hara las delicias del público adolescente.
No podemos olvidarnos que el público al cual apuntan es al adolescente y sobre todo mujeres adolescentes, pero más allá de la tonta y predecible historia de amor central, la película tiene algunos valores extras que merecen ser reconocidos.
La historia se desarrolla en la encantadora y misteriosa Bucarest, un punto más que favorable para la película, ya que es una ciudad con lugares naturales dignos del mejor escenógrafo de terror del mundo. Otro punto interesante es la comunidad de hombres lobos que allí existen, que desde las sombras manejan los hilos de la ciudad, lo que les proporciona (luego de tantos años) un interesante poder sobre los humanos. Ellos son parte de la sociedad activa de la ciudad, de alguna manera sacian sus instintos animales de manera ordenada y con personas mal vivientes que por sus fechorías no merecen vivir. Es interesante ver la convivencia de estos “chicos” en un mundo humano sin alterar el orden en lo más mínimo, y a la vez cansados en su mayoría de vivir reprimiendo sus instintos, sobre todo en los adolescentes (caramba…).
Pero claro, todo mientras las reglas se mantengan. Por eso cuando un humano y una hombre lobo (o mujer lobo, no?) se enamoran, transgreden la ley primera y ellos no lo pueden permitir. Bajo el dominio del líder (ya venido a menos, es cierto) buscarán por todos los medios acabar con este tórrido romance para continuar bajo las aburridas leyes que los mantienen en tranquilidad, tanto a hombres lobos como a humanos.
Ellos son más parecidos a nosotros de lo que pensamos y de lo que ellos piensan, por eso no se pueden mantener las reglas para siempre.
Nada nuevo bajo el Sol, pero entretenido para ver en una tarde de lluvia…

Bonus:
La película está basada en un libro que lleva el mismo nombre y fue escrito por Annette Curtis Klause, a la cual le gusta escribir sobre vampiros, hombres lobo y extraterrestres. Dice en broma que a veces ella misma se convierte en hombre lobo. Esta escritora de novelas de horror y de ciencia ficción para jóvenes adultos nació en Bristol, Inglaterra, en 1953. Escribió su primer libro a la edad de nueve años. Las novelas de ciencia ficción le llamaban la atención, pero en ellas no había protagonistas femeninas. Por esa razón, años más tarde escribió Alien Secrets. El género de horror es para Klause una forma de escapar del mundo cotidiano y de explorar nuevas posibilidades. "¿Para qué querría uno escribir sobre la vida cotidiana?", se pregunta.

Puntaje: 6,0

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EXTERMINIO 2

2009-07-07T15:58:00.000-07:00

Título original: 28 weeks later
Género: Terror
Año: 2007
Nacionalidad: Inglaterra y España
Duración: 99 minutos
Dirección: Juan Carlos Fresnadillo
Elenco: Robert Carlyle (Don), Rose Byrne (Scarlet), Jeremy Renner (Doyle), Harold Perrineau (Flynn), Catherine McCormack (Alice), Imogen Poots (Tammy), Idris Elba (general Stone), Mackintosh Muggleton (Andy).

Sinopsis:
Seis meses después de que el virus asolara Gran Bretaña, el ejército de los Estados Unidos declara que la guerra contra la infección ha sido ganada y que la reconstrucción del país puede dar comienzo. Con el regreso de una primera oleada de refugiados se produce la reunión de una familia que se vio separada por los terribles acontecimientos que se produjeron, pero uno de sus miembros porta, sin ser él consciente, un terrible secreto...

Comentarios:
Una casa de campo, varias personas encerradas tratando de alimentarse con lo poco que les queda y la esperanza de salir algún día. Todo viene bastante rutinario hasta que golpea la puerta un niño pidiendo por favor entrar. Lástima que detrás de ese niño hay cientos de infectados intentando comérselo, y esa guarida pasa a ser centro de una masacre o festín, según el cristal con que se mire. Pero Don logra escapar, dejando atrás a todos los refugiados, incluida su esposa que a gritos le pide ayuda mientras él escapa sin más. Cuando vemos a Don escapar de la casa dejando a su mujer en manos de los infectados, logramos entender la naturaleza del terror. Así comienza este film, sorprendente por su buen ritmo narrativo y calidad, más que nada pensando en la poca expectativa que le genera a uno ver una secuela de un director como Danny Boyle dirigido por un desconocido. Pero Fresnadillo no defraudó, y logra quedar bien parado de su segunda película.
Luego de dicho epilogo, pasan seis meses y con la ciudad controlada por el ejército (ya que los infectados al no haber más mortales se fueron muriendo de hambre) deciden repoblar y lentamente regresan a los refugiados ubicándolos en lo que llaman “Distrito Uno”, lugar hiper vigilado por parte del ejercito, mientras el resto siguen recorriendo Londres en busca de algún infectado suelto. Y ahí está Don esperando a sus hijos, que ahora ocupa un cargo de relativa importancia en la “nueva Londres”. Es muy interesante ver cómo, a pesar de todo lo sucedido, todavía el hombre (en los ojos de Don) se sigue interesando en el lujo, mostrándoles con orgullo a sus hijos el pent-house en el que habita, en una ciudad destruida y con su esposa muerta en gran medida por no ayudarla.
La cuestión es que sus hijos, casi como una chiquilinada salen de la zona de seguridad y se dirigen hacia su antigua casa, básicamente para buscar una foto de su mama, pero más que la foto, encuentran a su propia madre viva. La policía los encuentra y llevan a su madre a un laboratorio para experimentar, por ser portador del virus sin reaccionar como los infectados.
Como todos sabemos, cada vez que hay alguien que puede contagiar hay un tonto que se deja, y este tonto es nada más ni nada menos que Don, que con cola de paja le da un beso e inmediatamente después se transforma en un infectado, para generar pánico en todos, a tal punto que altos mandos del ejército tienen que tomar una medida grave por la propagación del virus, matar a todos y retirarse lo más rápido posible. Pero la doctora Scarlet junto al militar Doyle intentaran salvar a los hijos de Don, pero no las tendrán todas consigo.
Uno de los puntos a resaltar, es como la centralidad de los protagonistas van cambiando, hecho que te prohíbe encariñarte con alguno, ya que puede terminar muerto o infectado, que es peor. Aquí no hay héroes románticos, nadie salva vidas por el bien al prójimo, los únicos que arriesgan sus vidas por otros lo hacen simplemente porque creen que ellos en su sangre llevan la cura, lo cual sería un descubrimiento antológico, y no por otro motivo.
Fresnadillo maneja muy bien el ritmo narrativo del film, que nunca llega a aburrirnos y por lo contrario, vivimos momentos de desasosiego y nervios. Tal vez moleste a algunos (como yo) el exceso de movimiento de cámara cuando los infectados ataca, pero es un detalle bastante insignificante con relación a su labor, que podríamos decir que paso con buena nota, inclusive sobreponiéndose al nombre de Danny Boyle que predecía su película.

Bonus:
Gran parte del aspecto y emoción de la película nace del diseño de producción y de convertir a Londres en una especie de escenario post-apocalíptico. Según cuenta, el diseñador Mark Tildesley dirigió su mirada a situaciones similares que suceden en la vida real en busca de inspiración: “Creo que hemos visto ciertos paralelismos con algunas cosas que pasan actualmente, como el huracán Katrina y otras catástrofes por el estilo, en las que se ve a mucha gente que se ha quedado sin casa y cómo se las apañan. Así que piensa en ideas visuales de cómo, ya sabes, se desarrollarían los acontecimientos”. Como resultado, cuando llegó la hora de elegir las localizaciones, Tildesley y el equipo de realización buscó una zona de Londres que pudiera mostrar un contraste entre el Londres posterior al virus y el nuevo Londres que se iba a construir en la película, enseñando al mismo tiempo lo que la población viviría durante la repoblación del país. Su elección de Isle of Dogs (una isla en medio del Támesis) como Distrito Uno resultó ser particularmente adecuada. “Hubo un momento histórico en el que Isle of Dogs reclamó su independencia”, explica Tildesley. “Tenían pensado derribar los puentes y emitir pasaportes. Así que cuando estábamos buscando un lugar con el que dar a entender el punto donde un ejército hubiese podido comenzar la labor de reconstrucción de Londres, decidimos que Isle of Dogs era realmente un gran emplazamiento”.

Puntaje: 7,0

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LA ERA DEL HIELO

2009-07-06T09:26:00.000-07:00

Título original: Ice age
Género: Animación
Año: 2002
Nacionalidad: EEUU
Duración: 81 minutos
Dirección: Chris Wedge y Carlos Saldanha
Elenco (Voces): Ray Romano (Manfred), John Leguizamo (Sid), Denis Leary (Diego), Goran Visnjic (Soto), Jack Black (Zeke), Cedric the Entertainer (Carl).

Sinopsis:
Todo empieza con una pequeña metedura de pata por parte de una ardillita llamada Scrat loca por las bellotas.
Hace 20 000 años, Scrat encontró una bellota y su única obsesión era esconderla en el hielo pero eso provoca un pequeño accidente que hace que todos los animales de la zona tengan que migrar hacia el sur, a tierras más cálidas. Pero un mamut bastante malhumorado, Manny, decide hacia el norte para llevar la contraria y el azar hace que conozca a Sid, un oso perezoso de lo más charlatán que está huyendo de dos rinocerontes que lo quieren matar tras haber arruinado su almuerzo.
Por otro lado tenemos a un siniestro tigre dientes de sable, llamado Diego, que quiere vengar a su manada secuestrando el bebé de un cazador humano que acabó la gran mayoría de los suyos.
Pero el destino hace que se tope con Manny y Sid que han encontrado primero al bebé que deciden devolverlo a su gente. Así que Diego se une al grupo para devolver a la niña aunque ¿seguro que son esas sus intenciones?

Comentarios:
Esta vez no estamos ante un producto Dreamworks o Pixar/Disney, estamos ante otra productora que esta vez se larga a la realización de largo animados, que bajo la batuta de la 20th. Century Fox sale al difícil mercado de competición. Y Blue Sky en su primer intento logra un gran éxito, tal vez inesperado. Y digo inesperado porque la historia es muy simple, con personajes rígidamente estereotipados que no llegan a sorprender nunca. Pero si divierten y en cantidades importantes. Claramente el mensaje se dirige hacia la amistad, la lealtad y las buenas acciones por el prójimo, dejando de lado los intereses personales. También es una película tierna, dulce y con algún momento emotivo. Estos condimentos hacen de Ice age un plato interesante para los más chicos, pero los adultos (y mas luego de ver los excelente dibujos de Pixar) nos quedamos con sabor a poco, tan solo sonrisas (ojo, que no es poco). Los personajes están claramente definidos, Manny es demasiado bueno a pesar de ser poderoso por su tamaño y su ferocidad. Abandonó la manada que emigraba sin explicación, tal vez la soledad entre tanto mamut lo hizo retirarse para una especie de suicidio. Pero en su camino se cruza Sid, un haragán como pocos, al que le gusta dormir más que a cualquier otro perezoso. De hecho no pudo emigrar porque se quedó dormido, y al tener una personalidad bastante densa su familia decidió no despertarlo y sacárselo de encima. Es un charlatán y fanfarrón, pero simpático y compañero cuando logra ser aceptado. Cuando Manny no soporta más a Sid y se lo quiere quitar de encima, encuentran a un bebe a orillas del mar, y deciden devolverlo a su hogar. Pero como en toda historia se necesitan los antagonistas, ahí aparecen los tigres diente de sable, que intentarán robarles al bebe. El encargado será Diego, que los engaña para tenderles una trampa. Y también está el inefable Scrat, personaje infeliz como pocos (tal vez el Correcaminos estaba a su altura de infelicidad…) que nunca logra llegar a su bellota, dándonos los mejores momentos de humor. Con este panorama se crea una simple pero efectiva historia, que por sobre todas las cosas nos hace pasan un rato agradable.

Bonus:
Pese a que el equipo de la película tenía carta blanca para dejar volar su imaginación, también querían ser científicamente rigurosos. Para ello pasaron mucho tiempo en el Museo de Historia Natural de Nueva York, estudiando libros, viendo huesos y entrevistándose con eminentes arqueólogos y paleontólogos. "Nos dijeron: 'Tomaos las libertades que queráis' ", recuerda Wedge, " 'pero no pongáis ningún dinosaurio en la película, porque habían desaparecido 350 millones de años antes'.

Puntaje: 7,0

TRAILER: