LA CASA DE CERA

Título original: House of wax
Género: Terror
Año: 2005
Nacionalidad: EEUU
Duración: 113 minutos
Dirección: Jaume Collet-Serra
Elenco: Elisha Cuthbert (Carly), Chad Michael Murray (Nick), Brian Van Holt (Bo/Vincent), Paris Hilton (Paige), Jared Padalecki (Wade), Jon Abrahams (Dalton), Robert Ri'chard (Blake), Dragitsa Debert (Trudy Sinclair), Murray Smith (Dr. Sinclair), Andy Anderson (Sheriff), Thomas Adamson (Bo/Niño), Sam Harkess (Vincent/Niño).


Sinopsis:
Lo que comienza como una escapada de fin de semana para seis amigos se convierte en una aterradora lucha por sus vidas en "La casa de cera", una apasionante nueva versión de la clásica película de terror de 1953. Un viaje por carretera a uno de los partidos de fútbol universitario más importantes del año cobra un dramático giro para Carly (Elisha Cuthbert), Paige (Paris Hilton) y sus amigos cuando deciden acampar durante la noche antes de dirigirse al partido. Un enfrentamiento con un misterioso camionero en el camping deja a todo el mundo inquieto, y Carly está muy ocupada tratando de mantener la paz entre su novio Wade (Jared Padalecki) y su exaltado hermano Nick (Chad Michael Murray). Al despertarse a la mañana siguiente se dan cuenta de que su coche puede haber sido forzado deliberadamente. Ante el riesgo de quedarse tirados, aceptan la invitación de un vecino del lugar de llevarles a Ambrose, la única población en varios kilómetros. Una vez allí, se sienten atraídos por la principal atracción de Ambrose, la casa de cera de Trudy, que está llena de esculturas de cera increíblemente realistas. Pero, como enseguida descubren, hay una espeluznante razón por la que las piezas parecen tan reales. Mientras los amigos descubren los oscuros secretos del pueblo, son acechados por un misterioso asesino y se ven inmersos en una sangrienta lucha por la supervivencia. El grupo debe encontrar una manera de salir de Ambrose o convertirse en adquisiciones permanentes de "La casa de cera".


Comentarios:
Encontrarse con Paris Hilton actuando es algo que no tiene desperdicio. Y si a ese detalle le sumamos que se trata de una remake de un clásico del cine de terror, hace presumir que Hollywood una vez mas lo hizo. Pero luego de terminada la película sentimos que pudo haber sido peor…
La historia si bien es cliché, también podríamos afirmar que es funcional para lo que se quiere contar, inclusive tiene algunos condimentos extra que le dan un poquito de sabor al asunto. La idea del pueblo fantasma es algo que me atrae, y más si en lugar de fantasmas allí hay un par de asesinos y varios muñecos simulando situaciones reales.
Elisha Cuthbert su real belleza y algo de actuación que carece la Hilton y compañía, pero que uno llega a divertirse por eso y deja las preocupaciones de lado. No le podemos pedir a “La casa de cera” que nos de más de lo que nos brinda, con algunas buenas escenas es más que suficiente. Destaco la escena de persecución dentro del cine rodeados de muñecos, sobre todo por la música.
El final deja espacio para una segunda entrega que esperemos que no se cumpla, porque lo que había para hacer, ya fue hecho aquí.


Bonus:
Todas las figuras utilizadas en la película eran reproducciones de personas reales. Se realizaron sesiones de casting con el director para hacer posar y seleccionar extras con el aspecto adecuado para cada figura. Se utilizaron 20 toneladas de cera para crear los decorados de la Casa de Cera, que se construyeron con materiales tradicionales y luego se revistieron con una fachada de cera pulverizada.

Como le fue: La película tuvo un costo total de 30 millones de dólares, logrando recaudar 32 millones en EEUU, de los cuales 12 millones en su primer fin de semana.

Por qué hay que verla?: Valen la pena un par de auto referencias de Paris Hilton.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

LIGERAMENTE EMBARAZADA

Título original: Knocked Up
Género: Comedia
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 129 minutos
Dirección: Judd Apatow
Elenco: Seth Rogen (Ben Stone), Katherine Heigl (Allison Scott), Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie), Jay Baruchel (Jay), Jonah Hill (Jonah), Jason Segel (Jason), Martin Starr (Martin), Iris Apatow (Charlotte), Maude Apatow (Sadie).


Sinopsis:
Allison Scott (Katherine Heigl) es una periodista de 24 años con una brillante carrera. Por desgracia, no todo sale como estaba previsto cuando, después de una noche de juerga con el vago de Ben Stone (Seth Rogen), descubre que está embarazada. Ante la posibilidad de enfrentarse a la maternidad sola o de conocer mejor al padre, Allison decide dar una oportunidad al entrañable inmaduro. Ben, que no quiere crecer, se da cuenta de que debe tomar una decisión: quedarse o salir por piernas. Pero salir con la mujer a la que acabas de dejar embarazada es más difícil de lo que parece. No tardan en darse cuenta de que no son exactamente sus respectivas medias naranjas.


Comentarios:
Judd Apatow venía de lograr un excelente debut tras las cámaras con “Virgen a los 40”, esa notable comedia protagonizada por el genial Steve Carell. El desafío para su segunda película era lograr tal nivel de comicidad sin un actor tan importante en su papel principal. Y a pesar del amor y admiración que Apatow siente por Seth Rogen, en esta comedia la falta de esa figura protagónica no se pudo disimular, transformándose en uno de los problemas con que nos enfrentamos al verla, y peor aún cuando el mayor peso de la historia recae en una chica que no aporta humor en grandes dosis. Aquí el asunto se centra en Allison, que luego de pasar una noche de sexo con Ben, queda embarazada de éste sin conocerlo. Por supuesto que son totalmente diferente y allí radica el novena por ciento de los chistes, ya que Ben es un vago al extremo al igual que sus compañeros. Una de las virtudes de “Virgen a los 40” era la cotidianeidad con que era tratado el tema, y lo cercano que se hacia el personaje principal, algo que aquí no ocurre. Ben es insoportablemente vago, sus amigos son insoportablemente vagos y tontos, y ella es tan adorable que se hace difícil creerte la situación que plantea el guion. De cualquier manera, a lo largo del metraje, el film cuenta muchísimos chistes de los cuales la mayoría son efectivos, provocando varias risas que nos permiten pasar un rato agradable.
Otro punto en contra es que Seth Rogen no me resulta tan divertido como le resulta a otras personas, y no siento que este a la altura de tamaña responsabilidad como lo es ser protagonista excluyente de una comedia. Por su lado, Katherine Heigl está muy bien en su papel, aportando belleza y frescura cada vez que la vemos en pantalla. El resto del elenco (de los cuales hay muchos secundarios de “Virgen a los 40” que repiten) los apoyan bastante bien, sobre todo sus futuros cuñados, que aportan diversión a todo este embrollo.
“Ligeramente embarazada” es una comedia ligera (tal vez un poco de mas), pero que permite entretener por un rato, y no es poca cosa…


Bonus:
Judd Apatow se fijó en Seth Rogen cuando vio una prueba para “Freaks and Geeks”, la serie de televisión de la que era productor ejecutivo en 1999. “Le vi en una prueba grabada en Vancouver”, recuerda el director. “Entonces pensé que tenía una voz muy graciosa y que no estaría mal verle. Me fui a Vancouver. Conocí a Seth y me morí de la risa. Acabamos creando un papel para él en el programa”. Seth Rogen es un as de la improvisación. Después de la abrupta cancelación de la aclamada serie, Judd Apatow volvió a contar con él como actor y guionista para “Undeclared”, la serie que creó en 2001 acerca de un grupo de universitarios. El realizador recuerda: “Cuando empecé a trabajar con ‘Undeclared’, contraté a Seth como actor y guionista por muy poco dinero, pero demostró ser uno de los mejores guionistas y sólo tenía 18 años”. “Tengo la impresión de que Seth nació siendo cómico”, añade el director. “Es retorcido, mordaz, irónico, sardónico, pero también es dulce y bueno. Es la combinación ideal para una comedia. Siempre pensé que era perfecto para protagonizar una película”. El actor se quedó muy sorprendido cuando se enteró de que protagonizaría “Knocked up”. “Judd no hablaba con nadie de su siguiente proyecto, hasta que un día, estando reunidos con la gente de Universal para otra película, empezó a venderles esta”, recuerda Seth Rogen.

Por qué hay que verla?: Tiene momentos sumamente divertidos.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

LA NIEBLA

Título original: The mist
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 126 minutos
Dirección: Frank Darabont
Elenco: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda), Andre Braugher (Norton), Toby Jones (Ollie), Bill Sadler (Jim), Jeffrey DeMunn Dan Miller), Frances Sternhagen (Irene), Alexa Davalos (Sally), Nathan Gamble (Billy Drayton).


Sinopsis:
En un pequeño pueblo de Maine, después de una súbita tormenta, aparece una espesa niebla que cubre el lugar, atrapando a la gente en sus hogares, en los supermercados... y matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.


Comentarios:
Frank Darabont es un director muy importante en la industria, a pesar de no contar con tanta publicidad como otros directores. Si es reconocido como guionista, ya que es considerado uno de los más importantes, pero también ha dado muestras de lo bien que se lleva tras las cámaras, en las pocas ocasiones en que lo ha estado, como en “The Shawshank Redemption, “The Green Mile”, “The Majestic” y “The mist”. No es caprichoso decir que le gusta adaptar novelas de Stephen King, ya que de sus cuatro películas dirigidas hasta el momento, tres están basadas en cuentos del maestro del terror. Y no está de más decir, que de sus tres primeras películas, “The Majestic” es la única fallida, y que casualmente no se basa en un relato del señor King.
Quise hacer toda esta introducción, porque con “La niebla” nos encontramos de nuevo ante el mejor Darabont, el que se enfrenta a n cuento corto de King y lo transforma en largometraje. Una historia que se asemeja bastante a las anteriores películas llamadas de la misma manera en español, pero que se diferencia básicamente en su esencia. Sin grandes estrellas en el reparto, ni grandes sumas de dinero detrás, esta muy buena película se sostiene por un guión acertado y una muy buena dirección.
Todo comienza cuando luego de una devastadora tormenta, comienza a acercarse una espesa niebla que cubre todo el pueblo. Un grupo de personas quedan atrapadas en un supermercado, en el cual no podrán salir ya que el que sale muere por algo extraño que ocurre en la niebla. No es conveniente contar mucho más al respecto, ya que la historia contiene varias sorpresas que ocurren a medida que trascurren los minutos, pero si es interesante desarrollar sobre el siguiente punto, que es el que hace de esta película una especie de rareza en Hollywood. Aquí mas allá de las situaciones terroríficas que suceden afuera (que son muchas y muy extrañas), Darabont nos propone centrarnos en otro terror, el terror que proviene del ser humano cuando siente terror.
Al encerrar a un grupo de personas tan numerosas como heterogenias, y con un claro terror que proviene del afuera, Darabont nos propone enfrentarnos al terror que proviene de adentro mismo del hombre, ese terror que nos diferencia de los animales. Cuando los miedos exteriores comienzan a suceder vertiginosamente, y no encuentran una solución clara (todo lo que intentan los dejan en peores condiciones), los personajes empiezan a plantear acciones que dividen, inclusive llegando a matar a otro humano por el simple hecho de centrar su venganza y rabia en él.
Aquí, hay una señora adulta del pueblo que habla siempre del fin del mundo, y siempre fue tratada de loca por todos los pobladores. Cuando el terror los envuelve y no saben qué hacer, comienzan a creer en sus palabras, logrando generar una verdadera secta dentro del supermercado que hacen destruir lo más fuerte que puede tener un grupo en estas circunstancias, la unión. A través de ese grupo cada vez más numeroso, un padre con su niño que lucha por salir adelante en busca de la solución, pero ya es imposible luchar desde adentro, porque el adentro se ha convertido en un lugar más hostil que el afuera.
Por supuesto que hay muchas muertes, bichos gigantes y mucho desasosiego, pero sobre todo hay miedo a lo que el ser humano puede llegar a transformarse. El terror de afuera hacia adentro, el ser humano en situaciones límites, el terror que provoca el terror a morir… De eso se trata esta excelente película que además entretiene mucho, y tiene un final durísimo como pocas veces visto en una cinta de género de las major americanas.


Bonus:
En 1977, cuando el ahora legendario escritor de ficción Stephen King conoció el éxito por primera vez, quiso encontrar una manera de agradecerlo. En una muestra de apoyo a otros artistas emergentes, dio permiso a los estudiantes y aspirantes a directores de cine para adaptar sus historias cortas por tan sólo un dólar. A principios de los 80, Frank Darabont escribió, produjo y dirigió una de estas “Dollar Babies.” A King le encantó la adaptación del director de 23 años de “La mujer de la habitación”, un relato de King sobre una mujer con una enfermedad incurable que desea morir. “Hay algo en el estilo de Stephen como narrador que siempre me ha calado”, explica Darabont, que se crió en Los Ángeles. “Su trabajo me habla, sus personajes me hablan. Es un maestro de la narración y lo que escribe me deja boquiabierto. Me inspira para ponerme detrás de la cámara”. “Como mi corto le había gustado, decidí pedirle a Stephen los derechos de The mist o de Rita Hayworth and Shawshank Redemption”. Después de meditarlo, Darabont se decantó por esta última, estrenada como “The Shawshank Redemption”. El resto es historia.

Por qué hay que verla?: Tiene un final diferente a lo que Hollywood nos tiene acostumbrados.

Puntaje: 7,5

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GRACE

Título original: Grace
Género: Terror
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU y Canadá
Duración: 85 minutos
Dirección: Paul Solet
Elenco: Jordan Ladd (Madeline Matheson), Samantha Ferris (Patricia Lang), Gabrielle Rose (Vivian Matheson), Malcom Stewart (Dr. Richard Sohn), Stephen Park (Michael Matheson), Serge Houde (Henry Matheson).


Sinopsis:
“Grace” narra las vicisitudes de una madre obsesionada con sacar adelante a su recién nacido. Hasta ahí todo sería normal si no fuera porque tras un fatal accidente, el niño nunca hubiera debido nacer, o al menos, nadie esperaba que lo hiciera.


Comentarios:
Cuando me enfrenté con esta película que había tenido éxito en Sundance, deposité esperanzas en encontrarme con un muy buen ejercicio de terror, lejos del lenguaje tradicional de las cintas de género. Pero lamentablemente no fue así, y una vez más, lo que parecía bueno resultó ser mediocre para abajo.
El asunto se centra en Madeline, que estando embarazada sufre un fatal accidente automovilístico y no solo pierde a su marido, sino que con él pierde al hijo que llevaba en su vientre. A pesar de no tener vida, la partera permite que ella lo siga “gestando” dentro suyo hasta la fecha de nacimiento estipulada, para evitar mayores traumas. Cuando llega el día fatal, increíblemente el niño nace con vida para la felicidad de su mama ante la mirada atónita de su partera y asistentes.
Con ese argumento inicial no podemos negar que el film promete. Inclusive las primeras escenas dentro de su casa con su hijo nos hacen ingresar en ese sórdido mundo que ella ha creado en su hogar, aislándose del resto para proteger a su adorado bebe, que no es tan adorado ya que en lugar de leche, el chico prefiere sangre, aunque sea de su madre. Pero a medida que la cinta avanza, ése sórdido mundo comienza a entreverarse con otro mundo menos real, ya que la niña (llamada Grace, por supuesto) realmente vive, o está en el imaginario colectivo familiar. Pero da igual, en cualquiera de los dos casos hacen que la historia pierda fuerza. Pero peor aún es la subtrama ridícula de su suegra con su esposo y luego con su nieta, que llevan a la película a un desbarranco inevitable. Y ni que hablar de la partera, y peor aun la de su ayudante que le miente a Madeline cada vez que le deja un recado. Entonces, el gran problema radica en los momentos que la historia sale de la cabeza de Madeline y se centra en los personajes secundarios, con historias y acciones absurdas, que por momentos toman demasiada importancia haciendo que la historia se transforme en una bobería.
Un reconocimiento a Jordan Ladd, que en el papel de Madeline se pone la película al hombre y logra hacer verosímil momentos y reacciones que no lo son, dejando a un lado su belleza natural para desplegar una variada gama de gestos y miradas con excelentes resultados.
Da la impresión que en el pasaje de la historia de corto a largometraje, sufrió estiramientos innecesarios producto de la necesidad de minutaje, dejando a “Grace” bastante más maltrecha de lo que la dejó el accidente automovilístico.


Bonus:
El largometraje está basado en “Grace”, un cortometraje de seis minutos escrito, producido y dirigido por el propio Paul Solet, que ganó el premio “Best short” en el Rhode Island International Film Festival.
Con este trabajo Solet debuta en la dirección de largometrajes, con el cual logró llamar la atención en el Festival de Sundance, se comenta que dos personas se desmayaron en el Egyptian Theater durante su proyección: Una saliendo y otra en el lobby… el dueño del teatro confirmo que eso no pasaba desde hace diez años.

Por qué hay que verla?: Una buena idea que no logró desarrollarse bien.

Puntaje: 3,0

TRAILER:

CONTROL TOTAL

Título original: Eagle eye
Género: Suspenso
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Alemania
Duración: 118 minutos
Dirección: D.J. Caruso
Elenco: Shia LaBeouf (Jerry Shaw), Michelle Monaghan (Rachel Holloman), Michael Chiklis (Callister), Anthony Mackie (Scott), Billy Bob Thornton (agente Morgan), Rosario Dawson (Zoe), Ethan Embry (agente Toby Grant).


Sinopsis:
Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michelle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos. A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué.


Comentarios:
Si hay algo que Hollywood sabe explotar, son los temas de actualidad en clave de acción. Y este es un caso más. La historia gira en torno de Jerry, un simple muchacho que al llegar a su humilde apartamento lo encuentra repleto de armas de todo tipo. Al mismo tiempo suena su celular y le informa que salga porque la policía está llegando. Por supuesto que no cree, y es capturado ante la atónita actitud del pobre Jerry, que nada entiende de la situación por la que está pasando. Al mismo tiempo pero en otro lugar de la ciudad, Rachel es obligada a manejar un auto último modelo, y esperar en una esquina sin saber para qué. Ayudado sin saber por quien, Jerry se escapa y por orden de alguien que no sabe quién es, se sube al auto manejado por Rachel, y ambos sin conocerse se transforman en fugitivos.
Con esta interesante premisa, “Control total” logra ser un interesante divertimento que se resuelve de manera tan obvia como inverosímil, pero no por ello deja de ser efectivo durante todo su metraje, tal vez un tanto excesivo. No faltarán persecuciones y momentos de alta intriga, pero lo más interesante del asunto no son las escenas de acción que tan bien llevadas están, sino que por el contrario es el tema central de la historia lo que nos atrapa, esa idea de sentirnos constantemente vigilados por cámaras de seguridad que nosotros como ciudadanos exigimos para nuestra tranquilidad. En un mundo tan perseguido por la falta de seguridad, donde cada vez hay más barrios privados controlados por cámaras de seguridad, al igual que en la vía pública, todo ello vehiculizado por ese gran, pero peligroso invento llamado internet, que poco a poco está controlando el mundo, y que es una excelente herramienta, pero que en manos peligrosas se puede transformar en un arma con un poder increíble. Y más aún, si es la propia computadora la que toma el mando, dejando de lado las órdenes humanas, como ya lo demostrara hace tiempo atrás Kubrick con su impresionante “2001, odisea en el espacio”. Un poco de todo esto se esconde detrás de “Control total”, que no solo busca entretener, sino que también quiere dejar un mensaje de duda al menos, por el futuro que nos avecina.
El ascendente Shia LaBeouf encarna de buena manera a Jerry, y Rachel es interpretada por Michelle Monaghan, una actriz que de a poco se va abriendo un lugar en la industria, apoyada por su belleza y su buen tino para componer a los diferentes personajes que le han tocado interpretar.


Bonus:
Shia LaBeouf nació en Los Ángeles, California, siendo el hijo único de Obama y de Jeffrey Craig LaBeouf, un veterano de la Guerra de Vietnam que "iba a la deriva" de trabajo en trabajo, trabajando como mimo de un circo y como payaso de rodeo. El padre de LaBeouf cultivaba cannabis, y los dos fumaron marihuana juntos cuando Shia tenía 10 años. LaBeouf también ha afirmado que su padre estuvo "drogado" durante su niñez, siendo adicto a la heroína y se puso en rehabilitación de drogas por la adicción de heroína, mientras la madre de LaBeouf "intentaba mantener la fortaleza". Sus padres se divorciaron eventualmente, y tuvo lo que ha descrito como una "buena niñez", creciendo pobre con su madre (quien trabajó vendiendo telas y broches) en Echo Park, Los Ángeles, California y asistiendo a una escuela de predominancia latina y afroamericana. LaBeouf ha dicho que desde el comienzo, se volvió un actor porque su familia estaba en bancarrota, y no porque intentó perseguir una carrera de actuación.

Por qué hay que verla?: Porque entretiene un rato.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

DEATH PROOF

Título original: Death proof
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 114 minutos
Dirección: Quentin Tarantino
Elenco: Kurt Russell (Stuntman Mike), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene), Jordan Ladd (Shanna), Rose McGowan (Pam), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoë Bell (Zoë), Omar Doom (Nate), Michael Bacall (Omar), Eli Roth (Dov), Quentin Tarantino (Warren), Monica Staggs (Lanna), Michael Parks (Earl).


Sinopsis:
Stuntman Mike (Kurt Russell) es un rebelde que sólo se siente completo cuando se encuentra tras el volante de su mastodóntico coche. Juntos recorren las carreteras en busca de hermosas mujeres que se convierten en víctimas de su sed de sangre.


Comentarios:
Hace unos años atrás, cuando recibí la noticia de que Tarantino y Rodríguez se unían para hacerle un merecido homenaje a las películas clase Z de la década de los 70´ lo tomé con alegría y ansiedad, esperando el resultado. Unos años después y luego de ver la película de Tarantino vuelo a caer una vez más en los pies del director… Pero para mordérselo. Una vez más éste sobrevalorado director deja pasar una excelente oportunidad para brillar (si es que le queda brillo), en un género que me imagino conoce como ninguno.
La película comienza bastante bien, con tres chicas en un auto listas para pasar una noche de locura. Pero Quentin se encarga de aplastar un poco la cosa llenándolo de diálogos absurdos e innecesarios, buscando repetir lo que alguna vez logró con éxito. La cuestión es que se demora tanto que cuando aparece Stuntman Mike, uno ya está al borde del aburrimiento. Pero esta vez aparece en el momento justo y desata los mejores minutos de la cinta. Desde que aparece en el bar, hasta el final de la persecución, sentimos que estamos ante esa cinta clase Z que esperábamos, y logramos disfrutar esos minutos.
Pero una vez terminada la historia con estas chicas, increíblemente Tarantino nos vuelve a repetir la fórmula pero con otras chicas. Y comenzamos a sentir que tenemos un deja vú bastante largo y tedioso. Otra vez las chicas conversan hasta el cansancio, pero a esta altura de la película a el espectador se le hace muchísimo más pesado soportarlo y se deja llevar por el tedio y la monotonía de la conversación, perdiendo de vista la atmosfera que rodea el film, tan carente de ideas y estructuras como las de antaño.
Se podría decir que las películas clase Z son así de malas. Está bien, es cierto. Pero uno espera de Tarantino que nos muestre una historia del estilo pero con una mano narrativa superior, con una historia que mas allá de lo tonto y obvio, nos permita pasar un buen rato. Nada de eso sucede, perfectamente podríamos ver una película real clase Z y probablemente pasemos un rato más agradable.
El plantel femenino es más que destacable, no por sus actuaciones (que no están nada mal, vale reconocer) sino por la amplia gama de estilos de mujeres que maneja la película. Podríamos decir que hay para todos los gustos, un punto fuerte dentro del cine Z que aquí se repite con creces, sin dudas.
Tarantino dirige desde la soberbia de saberse superior y con poder dentro de la industria para hacer lo que se le dé la gana, olvidándose del público que una vez depositó su confianza en él, allá por el lejano Pulp fiction”, cada vez más lejano…


Bonus:
Michey Rourke iba a interpretar en un principio a "Stunman Mike", pero luego recayó en Kurt Russell, el cuál conduce un Chevy Nova de 1971/1972. Anteriormente se le ofreció el papel a Kal Penn y a Sylvester Stallone, pero ambos lo rechazaron. Con la excepción de los cines en USA, “”Death proof” y “Planet terror” se estrenaron como películas individuales y tuvieron diferentes fechas de estreno en los cines de todo el mundo. Tarantino "envejeció" la película, añadiendo rasguños, suciedad y polvo para simular el aspecto de las verdaderas películas Grindhouse. Según el propio Quentin, la película es un homenaje a John Carpenter. "La película que tenía que haber rodado entre 1997: Rescate en Nueva York (1981) y La Cosa (1982). La actriz Zoe Bell, especialista al fin y al cabo en escenas de riesgo, rodó las secuencias peligrosas de la cinta, pero las dejaron para el final ya que antes rodaron las escenas de diálogo, no fuera a ser que se lesionase... Eli Roth abandonó momentaneamente el rodaje de Hostel 2 para rodar durante una semana su papel en Death Proof. " A Tarantino no se le puede decir que no" declaraba Roth.

Por qué hay que verla?: Para confirmar una vez más que Tarantino está sobrevalorado.

Puntaje: 2,5

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KUNDUN

Título original: Kundun
Género: Drama
Año: 1997
Nacionalidad: EEUU
Duración: 134 minutos
Dirección: Martin Scorsese
Elenco: Tenzin Thuthob Tsarong (Dalai Lama/Adulto), Gyurme Tethong (Dalai Lama/12 años), Tencho Gyalpo (Madre), Tenzin Lodoe (Takster), Sonam Phuntsok (Reting Rimpoche), Gyatso Lukhang (Lord Chamberlain).


Sinopsis:
En 1937 un niño tibetano es elegido por un grupo de monjes para representar a su pueblo y convertirse en el decimocuarto Dalai Lama, la más alta figura del budismo en el Tibet. El sistema es expeditivo: el niño, de dos años, es arrebatado a su familia y llevado al palacio de Potala para ser educado y preparado para asumir el liderazgo político y espiritual.


Comentarios:
Siempre resulta difícil ver a un neoyorkino como Scorsese contando una historia que se enmarca fuera de su ciudad, aunque no sea la primera vez, ya que en 1988 con “La última tentación de Cristo” se animó no solo a salir de Estados Unidos, sino que a tocar un tema por demás difícil. Aquí nuevamente sale para tocar otro tema por demás delicado, como sucede en Kundun, que es nada más ni nada menos que una pequeña biografía del Dalai Lama, en el período que abarca su “elección” cuando era un niño de dos años, hasta su exilio.
La película no está entre lo mejor de su filmografía, ya que cuenta con un ritmo narrativo bastante lento y tedioso. En su afán de retratarle a occidente de manera clara la forma de “encontrar” al Dalai Lama, deja caer la película en un tedio que le cuesta bastante salir. De alguna manera esa es la constante a lo largo de la cinta. Pero es entendible, ya que nos relata un mundo que se basa en reglas sumamente dispares a las de occidente y la gran preocupacón de Scorsese es introducir al espectador a ese otro mundo, sobre todo para no sentir la historia tan ajena.
Por otro lado es una biografía, y como tal es difícil resumir en poco más de dos horas los sucesos más importantes en la vida de una persona, y si bien aquí solamente se centra la historia en unos años, fueron años por demás tumultuosos y claves. Scorsese es uno de los grandes maestros del cine que aun se encuentran en actividad, y solo alguien con su capacidad podía tomar este tema y llevarlo a la gran pantalla sin caer en un lenguaje demasiado new age, sino que por el contrario lo que intenta, con éxito, es mostrarnos con sus ojos occidentales un suceso por demás espiritual, sin tomar mayor partido que el del relato propio. De todas maneras nunca nos podemos alejar de los ojos occidentales, y es ahí donde la película pierde en potencia, ya que a pesar de los intentos nunca sentimos la historia cercana, y por lo tanto perdemos en emotividad. Pero al fin y al cabo era una tarea titánica, y si bien Scorsese no logra llegar a su cometido, consigue realizar un buen instrumento para unir ambos polos del mundo.
La película fue rodada en Marruecos, ya que el gobierno chino prohibió a Scorsese desplazarse a los lugares donde transcurrió la historia real, y contó con actores no profesionales, la mayoría tibetanos, incluso algunos tienen vinculación con Kundun. Tanto esfuerzo, podríamos decir que tuvo su merecido, ya que el propio Dalai Lama ha felicitado al director por su reivindicativa, lirica y emotiva visión, más allá de la fría acogida que tuvo el film en EEUU y el resto del mundo.


Bonus:
Scorsese dijo sobre Kundun: "Puede que no conozca al detalle la cultura (tuve muchos asesores técnicos para este filme) pero lo que sí comprendo es el conflicto que hay dentro de nosotros, lo bueno y lo malo, la idea de expresarse a través de la violencia como la única manera, que es algo que he visto mucho". “Está la lucha entre la violencia y la otra parte de nuestra naturaleza, la bondad. Y es por eso que me interesó la historia. Me pregunto cómo sería si todos nos tomáramos la vida tan en serio y tuviéramos tan fuertes convicciones como las que él tiene”.

Por qué hay que verla?: Un mundo difícil de entender para occidente, contado por Scorsese, nada menos...

Puntaje: 6,5

TRAILER:

VISITANTE DE INVIERNO

Título original: Visitante de invierno
Género: Terror
Año: 2007
Nacionalidad: Argentina y España
Duración: 95 minutos
Dirección: Sergio Esquenazi
Elenco: Santiago Pedrero (Ariel), Sandra Ballesteros (Viviana), Ana Cuerdo (Marisa), Diego Alonso (Pichi), Pepe Novoa (Dr. Silva), Rolly Serrano (Cabo Miranda), Ariel Staltari (Berto), Catalina Artusi (Julieta), Anahí Martella (Clarisa), Jorge Varas (Figura).


Sinopsis:
“Visitante de invierno” se centra en la historia de Ariel Lambert, un joven de veinte años, a quien luego de un trastorno psicológico, se le recomienda hacer reposo en un lugar tranquilo y apacible. En pleno invierno se muda con su madre y hermana a Villa Mar, un pequeño pueblo veraniego el cual en dicha época del año se encuentra prácticamente desierto. Allí, poco a poco, Ariel descubrirá que en una casa cercana a la suya (supuestamente desierta) entran niños, los cuales no vuelven a salir jamás. ¿Pero esto es verdad? ¿O solo parte de la locura de Ariel? Habrá una sola forma de averiguarlo: Ariel deberá entrar a esa casa.


Comentarios:
Esta es la primera película argentina de terror que veo, y me deja una sensación bastante agridulce. No decimos que es un intento fallido, porque su director logró momentos dignos, pero preocupa la falta de riesgo que decidió afrontar al momento de hacerla. La historia transita dentro de los lugares más comunes del género, en donde un chico con trastornos mentales puede llegar a ver a un asesino, el cual pasa desapercibido para todos los demás. Pero como el chico tiene un pasado conflictivo, nadie cree lo que vio y entonces no le queda más remedio que actuar acompañado de una amiga, para lograr las pruebas necesarias para que los mayores le crean.
La historia es demasiada conocida como para darle merito a la película. El director en ningún momento sale del argumento tradicional, y de esa forma vemos como escena a escena la historia avanza por los carriles ya conocidos hasta el hartazgo, y por dicho motivo caer en lo absolutamente previsible. Los personajes secundarios son tan funcionales en la historia, que llegan a molestar, ya que aparecen cuando la historia lo necesita y luego desaparecen sin más. No falta la maldita escena de sueño, donde el protagonista se enfrenta cara a cara con el asesino. Tampoco ayudan las actuaciones, sobre todo la de Santiago Pedrero que personifica a Ariel, el protagonista de la historia.
Pero no todas son malas, porque a pesar de todo lo que dije anteriormente (ya sé que fue mucho…), si hay que reconocerle a su director el pulso narrativo con que lleva la repetida historia. Más allá de no ofrecernos nada nuevo, logra escenas de mucho suspenso y sobresaltos varios. La escena en la cual Ariel ingresa por primera vez a la casa del asesino, contiene un suspenso digno de las mejores películas americanas, al igual que varias que suceden cerca del desenlace final. No sé si eso es merito suficiente a esta altura del partido, pero borrándome de la mente la cantidad de films que vi con la misma historia pude llegar a disfrutarla en ciertos momentos.
Lo que le achacamos al director, es la falta de originalidad en la propuesta, y sobre todo por la falta de riesgo en aportar algo diferente al espectador, curioso por ver un producto de terror argentino. De cualquier manera la propuesta es válida, y siempre es grato ver cine de género en una región donde el drama social y la comedia costumbrista aparecen acaparando toda la producción.


Bonus:
Este es el tercer largometraje para el director, pero el primero en español, ya que sus anteriores trabajos (Dead Line y Bone Breaker) fueron realizados en inglés para el mercado estadounidense. Sobre la película Sergio Esquenazi dijo al respecto: “Yo creo que el guión tiene algo que nos llevó a hacer todo muy rápido, los productores se fueron a España y volvieron con dos productoras que se peleaban por el guión. No es común que pasen ese tipo de cosas. El terror es un género muy subestimado en Argentina. Hay gente talentosa que maneja el género. Somos pocos, nos conocemos todos. El cine argentino maneja más el costumbrismo, la cosa social...que está bien, hay muy buenas películas sobre eso. Tuve muchísimas limitaciones para rodar. Es una película de 45 días y yo tuve 28 días. Fue un rodaje muy intenso, muchas cosas no pude hacer, pero estoy satisfecho. Lo importante es que con lo que tenés hagas lo mejor posible. Nos esforzamos 110 por ciento todos para que sea una buena película, independiente de que sea una película de terror.

Por qué hay que verla?: Si bien la historia es cliché, es interesante ver como en Argentina hay directores interesados en el cine de terror.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

CUANDO HARRY CONOCIO A SALLY

Título original: When Harry met Sally
Género: Comedia
Año: 1989
Nacionalidad: EEUU
Duración: 96 minutos
Dirección: Rob Reiner
Elenco: Billy Crystal (Harry Burns), Meg Ryan (Sally Albright), Carrie Fisher (Marie), Bruno Kirby (Jess), Lisa Jane Persky (Alice), Michelle Nicastro (Amanda).


Sinopsis:
Harry (Billy Crystal) y Sally (Meg Ryan) se conocen cuando viajan juntos en el coche de Sally de Chicago a Nueva York, después de terminar sus estudios universitarios. En Nueva York cada uno de ellos hace su vida y trata de encontrar un amor. Un día coinciden casualmente y pasan un rato largo juntos filosofando sobre la vida. En los años siguientes se ven de cuando en cuando, cada vez con más frecuencia. Surge entre ellos una amistad que contradice la filosofía de Harry de que hombres y mujeres no pueden ser amigos.


Comentarios:
"¿Tú crees que dos amigos puedan tener una noche de sexo y al día siguiente seguir siendo amigos?". Con esta pregunta podríamos decir que arranca esta exquisita historia de amor entre dos personas aparentemente opuestas, pero más cerca de lo que creen. Luego de los sucesivos encuentros casuales, en los que cada uno de ellos resalta más y más las enormes diferencias en la manera de pensar y actuar, finalmente la paciencia de la casualidad tiene su efecto, y logran hilvanar una amistad por demás dependiente. Hasta llegar al momento clave donde la pregunta del comienzo pasa a ser un acto del cual no tiene marcha atrás.
Pocas veces en el cine de Hollywood (y casi nunca en el cine de Reiner) nos enfrentamos ante una historia tan maravillosamente realizada en todos sus aspectos. Un guion tan perfecto como jugoso, escrito por Norah Ephron, que luego sería la directora de comedias inferiores pero de buen nivel como “Sleepless in Seattle” y “You've Got Mail” con la actuación de Meg Ryan y Tom Hanks en ambas. Con decenas de diálogos que dan para conversarlos durante largo rato (como el que use en el comienzo), y muchísimas escenas divertidísimas, pero sobre todo reales.
Y las actuaciones de Billy Crystal y Meg Ryan, que decir… Nunca más pudieron llegar a tal grado de nivel actoral, pero eso no es una crítica ya que muy pocos pueden llegar a componer un personaje con la naturalidad que ambos lo hacen. Divertidos, ácidos, cariñosos, tristes. Una actuación que pasa por todos los matices sin desentonar en ningún momento. Sin dudas que gran parte del éxito pasa por sus magistrales interpretaciones.
Varias escenas quedaron en la más rica historia del cine, sobre todo la de la cafetería cuando Sally finge un orgasmo para demostrarle que las mujeres no siempre le dicen la verdad. Pero también me gustaría recordar escenas como cuando invitan a sus mejores amigos para presentarse entre ellos y terminan escapándose en un taxi, dejándolos solos. O cuando hablan por teléfono cada uno desde su cama, en una gran elección de Reiner al dividir la pantalla.
El film tiene mucho del mejor Woody Allen, pero también tiene vida propia gracias a la magistral dirección en silencio de Rob Reiner. Alguien me dijo que el mejor director es el que pasa desapercibido, y este es un claro ejemplo de esa frase. Lástima que nunca más supo demostrar su talento y quedó relegado a películas sin mayor interés que el económico, tan solo se rescata “Misery”, realizada un año después.
En definitiva, notable película del que no puede faltar en la memoria de cualquier persona que se dice enamorada del cine.


Bonus:
Un estudio sobre la química sexual de las parejas en el cine, revela que nadie iguala a Meg Ryan y Billy Crystal en “Cuando Harry conoció a Sally”. Resulta que un rato de ocio, algunos científicos del Kings College de Londres encontraron una fórmula con la que pueden calcular la química que tienen las parejas en la pantalla grande. Meg y Billy quedaron en primer lugar con su actuación en Cuando Harry encontró a Sally, de 1989. El segundo lugar lo tiene el clásico romántico Casablanca, pero los que más llaman la atención son Winslet y DiCaprio, que en Titanic resultaron tener menos química de la que tienen el aceite y el agua. “En Titanic, la manera en que se hablan los protagonistas no es nada natural, es muy fingida”, explica Stephanie Charters, una psiquiatra que explica que la química sexual se mide con base en cuatro factores: la voz, el contacto visual, el lenguaje corporal y la excitación. “En cambio, cuando el personaje de Meg Ryan, Sally, demuestra lo fácil que es fingir un orgasmo en un restaurante, Harry (Billy Crystal) se le queda viendo de una manera tan especial que hace fluir energía por todo el cuerpo”, agrega. El estudio se realizó para contextualizar el lanzamiento de un fin de semana de películas románticas que se transmitirá en Inglaterra, y califica a las parejas del 1 al 10.

Por qué hay que verla?: Simplemente por ser una de las mejores comedias en la historia del cine.

Puntaje: 9,0

TRAILER:

WATERWORLD

Título original: Waterworld
Género: Ciencia Ficción
Año: 1995
Nacionalidad: EEUU
Duración: 135 minutos
Dirección: Kevin Reynolds
Elenco: Kevin Costner (Mariner), Jeanne Tripplehorn (Helen), Dennis Hopper (Deacon), Tina Majorino (Enola), Robert Joy (Ledger Guy), William Preston (Depth Gauge), Zakes Mokae (Priam).


Sinopsis:
En el futuro los casquetes polares se han derretido y el agua lo cubre todo. Por tal motivo, el agua dulce es el bien más preciado, y los seres humanos sobreviven en plataformas flotantes siempre buscando agua potable, algo de tierra, y hablando sobre la leyenda de que en algún lugar existe tierra firme. Mariner (Kevin Costner) es un errante que viaja solo practicando el trueque. Un día llega a un atolón de chatarra y vende tierra a sus moradores, pero éstos, al descubrir que es un mutante (mitad pez, mitad humano), lo condenan a muerte...


Comentarios:
Hay películas que cargan con una cruz desde su gestación, y nunca se pueden desprender de ella, a tal punto de que la termina de enterrar. De alguna manera “Waterworld” carga con una cruz un poco injusta. La historia comienza con un errante (Kevin Costner) en el medio del desierto acuático haciendo lo que siempre hace para sobrevivir, buscar objetos en el fondo del mar para luego intercambiarlo. El mundo terrestre fue tapado por el deshielo y todo el planeta es un gran e interminable océano. Y dentro de ese difícil panorama están los pocos humanos que sobrevivieron adaptados a la nueva situación, pero añorando la tierra. En especies de fortalezas flotantes, los humanos se reagrupan en sociedad para comenzar de nuevo. Allí cae el personaje interpretado por Costner, que llega a realizar su trueque y seguir en su solitario viaje a ningún lado. Pero al descubrir que es un mutante, lo atrapan. Hasta que llegan los Smorkels (liderados por Dennis Hopper) a saquear el lugar, y Costner logra escapar llevándose consigo (de muy mala gana) a Helen y a Elona, una niña tatuada con un extraño mapa del que dicen, sería la clave para encontrar tierra firme. A partir de ese momento comienza una mortal persecución por parte de los Smorkels para encontrar a la niña.
Lo primero que hay que decir es que la película es un muy buen ejercicio de acción, dentro de un imaginativo mundo futurístico. La historia central es la siempre entretenida aventura del solitario que se complica al tener compañía, y es perseguido por los malos. No es más que eso. Pero mas allá de los problemas internos (se dice que el director Kevin Reynolds se peleó con su amigo Kevin Costner en la mitad del rodaje, y éste tuvo que suplantarlo), la historia fluye de manera más que entretenida, con los típicos vaivenes que contiene este tipo de aventuras. Y a esto sumado una inteligente historia por detrás, en el cual la falta de tierra firme genera que los humanos hayan encontrado diferentes formas para adaptarse al medio. Tal vez los personajes estén demasiado caricaturizados, sobre todo el que interpreta Dennis Hopper. Kevin Costner nunca fue buen actor, y aquí utiliza las pocas expresiones que ha utilizado a lo largo de su carrera, para redondear una de las tantas pobres actuaciones que ha realizado. Tal vez esta historia en manos de otro director con más creatividad nos hubiese permitido disfrutar de otra manera este fascinante mundo acuático. Pero lo cierto es que no es tan mala como uno cree antes de verla, y en definitiva no creemos que sea justo la carga que lleva detrás. Tiene una excelente dirección artística, muy buena banda sonora, y escenas de alta tensión con gran impacto visual que hacen de este film un grato entretenimiento de aventuras.
De alguna manera le destruyó la carrera a Costner, que ha intentado levantarla una y otra vez, pero ya no tiene la misma fuerza de antes. Ese si es un mérito importante a favor que tiene “Waterworld” y por el cual estaremos eternamente agradecidos.


Bonus:
Se la considera uno de los grandes fracasos del cine comercial por su elevadísimo presupuesto (175 millones de dólares), su cuidada realización y su baja recaudación. Este hecho por sí solo la ha hecho muy popular. Se la considera una película con mérito por estar casi enteramente rodada en el mar, en escenarios flotantes, lo cual es considerado muy difícil, así como la creación de éstos, junto con el vestuario y los vehículos que la convierten en la película más cara de su momento. Lo cierto es que la productora Universal tembló el día que salieron las primeras críticas: Kevin Costner, que venía "entrenado" en descalabros en taquilla (sus anteriores films habían sido "The War" y "Wyatt Earp"), regalaba a los críticos una megasuperproducción (la más cara hasta la fecha de toda la historia del cine, nada menos) con un tema y título de inmejorables posibilidades para la sentencia: "No sale a flote", "se hunde", "hace aguas", "con el agua al cuello".

Por qué hay que verla?: Tiene una historia interesante y es entretenida. Y el hecho de haber sido uno de los grandes fracasos comerciales hace que “Waterworld” haya ingresado en la historia del cine, aunque sea en sus páginas negras…

Puntaje: 6,5

TRAILER:

EL SECRETO DE SUS OJOS

Título original: El secreto de sus ojos
Género: Drama
Año: 2009
Nacionalidad: Argentina y España
Duración: 127 minutos
Dirección: Juan José Campanella
Elenco: Ricardo Darín (Benjamín Esposito), Soledad Villamil (Irene Menéndez Hastings), Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Gómez), Guillermo Francella (Sandoval), José Luis Gioia (Molinari).


Sinopsis:
Es el final de la década del 90. Benjamín Espósito (Ricardo Darín), secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, está a punto de retirarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con el brutal asesinato ocurrido en 1975 lo lleva a revivir aquellos años, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen y de su perpetrador, sino también una profunda historia de amor con su compañera de trabajo, a quien ha deseado y amado fervorosamente y en silencio durante años. La novela que escribe Espósito nos hace recorrer los años 70, cuando en la Argentina se vivían épocas turbulentas, el aire estaba enrarecido y nada era necesariamente lo que parecía ser. Crimen, amor, justicia, política y venganza se confunden y entremezclan en la vida de los personajes. Una película en la que se entrelazan los dilemas morales en torno a la justicia y el castigo, el tema del proceso de escritura, la empatía y el amor insinuado.


Comentarios:
Más de dos millones de espectadores solamente en Argentina, hace entender porque para muchos es la mejor película argentina de los últimos años. Pero nada está más lejano que eso. No es una mala película, sin dudas que está por encima de la media, pero Campanella comete algunos errores en momentos claves, y eso es imperdonable. Pero no me quiero adelantar en mis comentarios.
El film comienza en el presente, donde Benjamín (Ricardo Darín) ya es un jubilado más, que vuelve a visitar a una vieja compañera de trabajo, que en realidad fue más que eso. Con la excusa del libro que está escribiendo, retoma el contacto y sobre todo los recuerdos del pasado, esos recuerdos que lentamente nos harán introducirnos en una historia escalofriante que cambió su vida: Una chica es encontrada violado y muerta en su domicilio. Su marido (Pablo Rago) no parará hasta encontrar al asesino, así tenga que esperar todos los días de su vida sentado en las estaciones de trenes. Ya nada es más importante. Y ahí está Benjamín, entre la desesperación de Morales (Pablo Rago) y la certeza de saber quién es el asesino. Al que descubre en una secuencia impresionante, como lo es la realizada en la cancha de futbol del club Huracán. Un plano secuencia de cinco minutos, donde la cámara comienza en el cielo, hasta terminar en la cancha de futbol pasando por baños, escaleras y tribuna con gol incluido. Una joya del nuevo cine argentino. Una vez atrapado, confesará de manera absurda su culpabilidad. Pero como son tiempos de dictadura, es dejado en libertad a cambio de algunos favores a los militares. Y allí esta Benjamín, atrapado en una historia de venganzas, y desigualdades sociales. Perdidamente enamorado de Irene, a la cual nunca es el momento para declararle su amor. También esta Sandoval (Guillermo Francella), su mejor amigo y compañero de trabajo, alcohólico perdido pero leal.
Con esta historia bastante común en el cine, Campanella se despacha con una película con toques de policial negro, algo de drama y momentos de humor. Esta vez deja de lado las comedias dramáticas familiares, para abocarse a una historia que entrelaza muchas mini historias, lo que la hace por demás pretenciosa en su búsqueda. Sé que la gran mayoría habla de “El secreto de sus ojos” como una especie de obra maestra, por lo tanto varias personas estarán en desacuerdo con mi comentario, ya que a mi entender se trata del primer traspié narrativo del Campanella de los últimos años.
Para no develar demasiado la trama trataré de explicar lo menos puntual posible. El primer gran problema con el que nos encontramos es la sutileza del descubrimiento. Cliché de las películas americanas, el protagonista logra descubrir al asesino por sobre la policía, al observar con detenimiento un detalle muy diminuto. Luego de encontrarlo en la fabulosa escena en la cancha de Huracán, la manera por la cual el asesino declara es casi infantil, reconozco que me dio un poco de vergüenza ajena. Y la última escena, la cual no puedo revelar mucho, contiene un problema grave, que es cuando Benjamín comienza a atar cabos sueltos de manera caprichosa y sin sentido. Es más, luego de la serie de flashback que lo hacen reaccionar, el espectador se queda pensando que se perdió algo porque no funciona como aclarador, sin mencionar que es otro gran cliché del cine. Es decir, las tres escenas claves que marcan en desenlace de la historia fallan de manera catastrófica. No así el resto de la película, que por momentos nos lleva por un grato camino entre el humor (a cargo del personaje que interpreta magistralmente Francella), la tragedia (centrada en el personaje de Morales, el marido de la victima) y el misterio. Y sobre todo el giro de tuerca final, que es muy impactante y doloroso.
Debo reconocer también, que las películas donde se revela un amor oculto por años me molestan bastante, como sucede aquí. Sobre todo cuando al final se juntan y abandonan sus familias. A esta altura de las circunstancias deberían buscar por otro lado, ya que esas historias cansaron hasta el hartazgo.
Las actuaciones están muy bien, destacándose ese gran actor argentino llamado Ricardo Darin, acompañado por Guillermo Francella aportando la cuota de humor que nunca falta en las películas de Campañella. El que desentona completamente es Pablo Rago, en una actuación muy poco creíble desde todos los ángulos, algo que no es ajeno a su carrera.
De cualquier manera, más allá de mis palabras la película es un éxito, tanto de taquilla como de crítica. A pesar de todo…


Bonus:
“El secreto de sus ojos” contiene las escenas más impactantes del cine argentino de los últimos años. El responsable es Rodrigo Tomasso, quien fuera el director de los efectos especiales y socio de Capanella de “Cien Bares”, productora que llevó adelante el proyecto. La película tiene 108 efectos visuales, aparte de la frutilla del postre que es el plano secuencia de 5 minutos en la cancha de Huracán. La gran mayoría de ellos no se notan. Hay mucha restauración de época como en Retiro, Tribunales, hay algunos planos del interior de la provincia de Lanús, donde hubo que reemplazar el tren por uno de la época. La participación de Tomasso, incluida la escena en la que a través de la animación llenó de público una cancha de futbol vacía, donde Darín y Francella buscan un supuesto asesino, no estuvo acotada a la post producción del film. El artista parananense intervino desde el origen del proyecto, junto a Campanella y participó también durante la filmación. “El rol del supervisor de efectos visuales no está impuesto todavía como debería ser, al nivel de un dirección de fotografía o un director de arte”, reconoce Tomasso y explica que “siempre se relaciona a los efectos visuales con post producción y en realidad es un proceso similar al resto. Vos tenés que estar desde la pre producción, como se hizo en esta película. Se juntan a las cabezas de equipo y se hace lo que se llama el página a página del guión y se va a aportando desde la especialidad de cada uno, para hacer las cosas de una forma que rinda en tiempo y costos”.

Puntaje: 7,0

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EL ATAQUE DE LAS ARAÑAS

Título original: Eight legged freaks
Género: Comedia de horror
Año: 2002
Nacionalidad: EEUU y Australia
Duración: 99 minutos
Dirección: Ellory Elkayem
Elenco: David Arquette (Chris McCormack), Kari Wuhrer (Sheriff Sam Parker), Scott Terra (Mike Parker), Scarlett Johansson (Ashley Parker), Doug E. Doug (Harlan), Rick Overton (Diputado Pete), Leon Rippy (Wade), Matt Czuchry (Bret), Jay Arlen Jones (Leon), Eileen Ryan (Gladys), Riley Smith (Randy), Matt Holwick (Larry), Jane Edith Wilson (Emma), Roy Gaintner (Floyd), Don Champlin (Leroy).


Sinopsis:
“El ataque de las arañas” comienza con un barril de desperdicio tóxico cayendo accidentalmente a un lago en las cercanías de un pequeño pueblo en Arizona, Estados Unidos. El material afecta paulatinamente a la fauna local, incluyendo los insectos que un entomólogo usa para alimentar a las exóticas arañas que mantiene en su museo como débil atracción de turistas. Las arañas comienzan a crecer. La sheriff Parker (Kari Wuhrer) y un grupo de vecinos encabezados por Chris McCormack (David Arquette), dueño de las minas locales, tendrán que enfrentarse a la amenaza arácnida para salvar lo que quede de la pequeña comunidad.


Comentarios:
Si bien nunca fui fanático de las películas de monstruos gigantes, que fueron muy populares en la década del 50, debo reconocer que al menos me llamaron la atención, sobre todo por el grado de demencia que significa una película en la cual arañas, ratas, hormigas, o cualquier tipo de insecto crece hasta llegar a ser gigante y atacar a los humanos.
Haciendo una muy breve reseña nos podemos acordar de “La humanidad en peligro” (1954) donde los protagonistas se enfrentan a unas hormigas gigantes producto de mutaciones generadas por radiaciones nucleares; “Monster from Green Hall” (1957) donde los humanos huían de avispas gigantes; "Beginning of the end" (1957) en el cual una plaga de saltamontes gigantes invaden los bosques de Illinois; o "Attack of the giant leeches" (1959) donde una especie de sanguijuelas gigantes infestan los pantanos y desarrollan un gusto particular por la carne humana. Estos son algunos de los ejemplos, de los cuales en todos los casos el gigantismo era producto de algún desecho toxico que se perdía por el lago de manera misteriosa o trágica, provocando dicha mutación.
Pasaron más de cincuenta años, y la sociedad ha perdido el miedo hacia los experimentos con productos tóxicos o radiaciones nucleares y sus consecuencias, y con ello se llevó el cine de monstruos. Pero por suerte, de tanto en tanto aparece alguna película para recordarnos ese cine tan inocente.
“El ataque de las arañas” forma parte de ese grupo. Aquí la formula es exactamente la misma a la que se utilizaba cincuenta años atrás. Un camión con desechos tóxicos tiene un pequeño accidente en la ruta y pierde un barril que se cae a un lago. Un entomólogo que utiliza insectos para alimentar a sus extrañas arañas es el causante de que ellas crezcan hasta dimensiones inesperadas, ya que dicho alimento toxico se transforma como esteroides para las arañas. Claro que el tiempo pasa inexorablemente para todos, y Ellory Elkayem consciente de ello, no se toma en serio el tema, y en clave de homenaje la película se desarrolla a mitad de camino entre el horror y el humor en iguales dosis. La historia ocurre en un pequeño pueblo perdido de Estado Unidos, en el cual el alcalde actúa según sus propios interesases y no los del pueblo. La paz está garantizada por una sheriff que impone la ley, acompañada por un asistente un poco tonto. Por supuesto que es divorciada con hijos, de los cuales la hija adolescente (una sorprendente juvenil Scarlett Johansson) pasa por la etapa de rebeldía, mientras el hijo menor es el cerebrito que descubre la mutación de las arañas ante las burlas del pueblo. El orden aparente, parece desmoronarse cuando llega un forastero que no es tal. Chris, que hace diez años se alejó del pueblo y hoy vuelve para plantearle su amor incondicional al sheriff. Y están las arañas. Y el loco que las colecciona, que es el primero en morir.
Con todo este panorama cliché desde el comienzo hasta el final, el novel director Elkayem se encarga de rememorarnos ese clima de matinée (que en particular me encanta), y sin tomarse la historia en serio se va desarrollando ágilmente hacia un final tan esperado como tonto. A diferencia de las clásicas películas, aquí no hay un héroe tan marcado, sino que los principales actores de esa sociedad, cada uno ayudará para poder salir de este difícil conflicto.
Hay sobresaltos, hay risotadas. La película vale la pena, es inteligentemente tonta. Por más que los efectos visuales sean bastante buenos, el film tiene en su atmosfera un aire de clase Z que nos hace pasar un momento por demás agradable.


Bonus:
“Roland Emmerich y yo estuvimos hablando acerca de las películas de la década de 1950 “Tarántula” y “La humanidad en peligro”, dice el productor Dean Devlin. “Estuvimos de acuerdo en que nadie había hecho películas como aquellas en mucho tiempo”. Lo que los productores no sabían entonces es que el cineasta de Nueva Zelanda Ellory Elkayem había escrito, producido y dirigido poco antes “Larger Than Life”, un cortometraje de ciencia-ficción en blanco y negro de 13 minutos, al estilo de 1950, sobre una pequeña araña que en contacto con una sustancia tóxica crecía hasta proporciones descomunales y aterrorizaba a una mujer en su casa. Se trataba de una interesante combinación de humor, terror y suspense. Después de que este cortometraje fue estrenado con éxito en el Telluride Film Festival, el Productor Ejecutivo Peter Winther lo mostró a Emmerich y Devlin. “El estilo del cortometraje de Ellory era precisamente el mismo del que habíamos estado hablando”, menciona Devlin. “Sabíamos que esta era una oportunidad para revitalizar un género dormido”. “Nos centramos en cinco tipos diferentes de arañas: las arañas escupidoras, las arañas argiope, las tarántulas, las arañas saltadoras y las arañas de tapadera. Cada una de ellas tiene sus propios movimientos y sus propias personalidades. En nuestra película se comportan exactamente como les han dictado siempre sus instintos naturales. Todo esto es realista, sólo que las arañas son más grandes”.

Puntaje: 7,0

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UN NOVIO PARA MI MUJER

Título original: Un novio para mi mujer
Género: Comedia
Año: 2008
Nacionalidad: Argentina
Duración: 100 minutos
Dirección: Juan Taratuto
Elenco: Adrián Suar (el Tenso), Valeria Bertuccelli (la Tana), Gabriel Goity (Cuervo Flores), Marcelo Xicarts, Martín Salazar, Luis Herrera.


Sinopsis:
El Tenso (Adrián Suar) no sabe cómo enfrentar a su mujer, la Tana (Valeria Bertuccelli), para decirle que se quiere separar, ya que la relación se le hace insostenible debido a su terrible carácter. Ella vive constantemente malhumorada: si no protesta por el tiempo, es por el gobierno; si no es por los vecinos, es por los jóvenes, o por los viejos… o por lo que fuere. Carlos, amigo del Tenso, le sugiere invertir el problema… y provocar que la Tana lo abandone a él. ¿Cómo? se pregunta el Tenso, y Carlos le presenta una propuesta: recurrir al Cuervo Flores (Gabriel Goity), un viejo seductor irresistible que seducirá a su mujer hasta el enamoramiento para que por fin el Tenso encuentre la solución a sus problemas…


Comentarios:
“Un novio para mi mujer” es la tercera película de Juan Taratuto, y la primera que dirige sin haber participado en el guion, y eso se nota a pesar de haber sido escrita por Pablo Solarz, que cuenta en su currículo con películas tales como “Historias mínimas”, la serie “Tiempo final” e inclusive coescribir ¿Quien dijo que no es fácil? con el propio Taratuto. Porque algo se quedó en el camino, y esta película no llega al nivel de sus dos anteriores.
Aquí el protagonista es Adrian Suar, que está casado con la Tana, una mujer insoportablemente quejosa y negativa las veinticuatro horas del día. Ya cansado de su humor, decide sacársela de arriba contratando al Cuervo Flores para que la seduzca y la saque de su lado. Este es el punto de partida para una historia bastante más absurda de lo que Taratuto nos tenía acostumbrado. Porque La Tana es llevada a un extremo en su malhumor, a tal punto que promediando la película logra sacarle rédito a ese insoportable defecto, en un programa de radio poco creíble. Pero no todo es malo. La historia tiene puntos muy buenos, en donde pasamos momentos sumamente divertidos, como la escena en el cumpleaños de un amigo de El Tenso, por citar un caso. El principal problema está en la historia , ya que peca de simple y en ningún momento logra sorprendernos, hasta diría que es demasiada predecible, inclusive en sus supuestas “sorpresas” que no llegan a ser tales. Pero como en toda película de Taratuto, siempre nos encontramos con escenas muy bien resueltas, que en definitiva nos hacen pasar una entretenida hora y media, que no es poca cosa.
El punto fuerte es, sin lugar a dudas, las actuaciones. Valeria Bertuccelli en el papel de La Tana hace un trabajo magistral en un papel bastante difícil. Adrian Suar como siempre correcto, sin sobresaltar. Y el “Puma” Goity manejando ese humor absurdo que tan bien le sienta.
Tal vez sea un punto bajo en la carrera del director, pero de todas formas no defrauda y nos permite pasar un rato ameno.


Bonus:
La película se estrenó en Argentina con gran éxito estando 8 semanas en el primer puesto en recaudaciones y 11 en total estando entre las películas más vistas de los fines de semanas. Fue vista por más de 1.330.000 personas y fue la película argentina más vista de año y la cuarta película más vista en el año. Muchos diarios la criticaron muy bien, pero igual no fue elegida para los Oscar ni para los Goya por su país. De cualquier manera, Patagonik (empresa que ya vendió derechos a los Estados Unidos para remakes de filmes como Nueve reinas -que se hizo- y El hijo de la novia -que nunca se concretó-) vendió los derechos a Warner Bros. para hacer la remake norteamericana. Según dijo Suar, Warner le ofreció la película a la productora de Steve Carell (Super agente 86, Virgen a los 40) para que el actor la protagonice. Carell tiene un acuerdo con Warner para desarrollar proyectos en sociedad. Según Suar, "Carell vio la película y le gustó... Ojalá que se pueda concretar con él".

Puntaje: 6,0

TRAILER: