GRACE

Título original: Grace
Género: Terror
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU y Canadá
Duración: 85 minutos
Dirección: Paul Solet
Elenco: Jordan Ladd (Madeline Matheson), Samantha Ferris (Patricia Lang), Gabrielle Rose (Vivian Matheson), Malcom Stewart (Dr. Richard Sohn), Stephen Park (Michael Matheson), Serge Houde (Henry Matheson).


Sinopsis:
“Grace” narra las vicisitudes de una madre obsesionada con sacar adelante a su recién nacido. Hasta ahí todo sería normal si no fuera porque tras un fatal accidente, el niño nunca hubiera debido nacer, o al menos, nadie esperaba que lo hiciera.


Comentarios:
Cuando me enfrenté con esta película que había tenido éxito en Sundance, deposité esperanzas en encontrarme con un muy buen ejercicio de terror, lejos del lenguaje tradicional de las cintas de género. Pero lamentablemente no fue así, y una vez más, lo que parecía bueno resultó ser mediocre para abajo.
El asunto se centra en Madeline, que estando embarazada sufre un fatal accidente automovilístico y no solo pierde a su marido, sino que con él pierde al hijo que llevaba en su vientre. A pesar de no tener vida, la partera permite que ella lo siga “gestando” dentro suyo hasta la fecha de nacimiento estipulada, para evitar mayores traumas. Cuando llega el día fatal, increíblemente el niño nace con vida para la felicidad de su mama ante la mirada atónita de su partera y asistentes.
Con ese argumento inicial no podemos negar que el film promete. Inclusive las primeras escenas dentro de su casa con su hijo nos hacen ingresar en ese sórdido mundo que ella ha creado en su hogar, aislándose del resto para proteger a su adorado bebe, que no es tan adorado ya que en lugar de leche, el chico prefiere sangre, aunque sea de su madre. Pero a medida que la cinta avanza, ése sórdido mundo comienza a entreverarse con otro mundo menos real, ya que la niña (llamada Grace, por supuesto) realmente vive, o está en el imaginario colectivo familiar. Pero da igual, en cualquiera de los dos casos hacen que la historia pierda fuerza. Pero peor aún es la subtrama ridícula de su suegra con su esposo y luego con su nieta, que llevan a la película a un desbarranco inevitable. Y ni que hablar de la partera, y peor aun la de su ayudante que le miente a Madeline cada vez que le deja un recado. Entonces, el gran problema radica en los momentos que la historia sale de la cabeza de Madeline y se centra en los personajes secundarios, con historias y acciones absurdas, que por momentos toman demasiada importancia haciendo que la historia se transforme en una bobería.
Un reconocimiento a Jordan Ladd, que en el papel de Madeline se pone la película al hombre y logra hacer verosímil momentos y reacciones que no lo son, dejando a un lado su belleza natural para desplegar una variada gama de gestos y miradas con excelentes resultados.
Da la impresión que en el pasaje de la historia de corto a largometraje, sufrió estiramientos innecesarios producto de la necesidad de minutaje, dejando a “Grace” bastante más maltrecha de lo que la dejó el accidente automovilístico.


Bonus:
El largometraje está basado en “Grace”, un cortometraje de seis minutos escrito, producido y dirigido por el propio Paul Solet, que ganó el premio “Best short” en el Rhode Island International Film Festival.
Con este trabajo Solet debuta en la dirección de largometrajes, con el cual logró llamar la atención en el Festival de Sundance, se comenta que dos personas se desmayaron en el Egyptian Theater durante su proyección: Una saliendo y otra en el lobby… el dueño del teatro confirmo que eso no pasaba desde hace diez años.

Por qué hay que verla?: Una buena idea que no logró desarrollarse bien.

Puntaje: 3,0

TRAILER:

CONTROL TOTAL

Título original: Eagle eye
Género: Suspenso
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Alemania
Duración: 118 minutos
Dirección: D.J. Caruso
Elenco: Shia LaBeouf (Jerry Shaw), Michelle Monaghan (Rachel Holloman), Michael Chiklis (Callister), Anthony Mackie (Scott), Billy Bob Thornton (agente Morgan), Rosario Dawson (Zoe), Ethan Embry (agente Toby Grant).


Sinopsis:
Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michelle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos. A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué.


Comentarios:
Si hay algo que Hollywood sabe explotar, son los temas de actualidad en clave de acción. Y este es un caso más. La historia gira en torno de Jerry, un simple muchacho que al llegar a su humilde apartamento lo encuentra repleto de armas de todo tipo. Al mismo tiempo suena su celular y le informa que salga porque la policía está llegando. Por supuesto que no cree, y es capturado ante la atónita actitud del pobre Jerry, que nada entiende de la situación por la que está pasando. Al mismo tiempo pero en otro lugar de la ciudad, Rachel es obligada a manejar un auto último modelo, y esperar en una esquina sin saber para qué. Ayudado sin saber por quien, Jerry se escapa y por orden de alguien que no sabe quién es, se sube al auto manejado por Rachel, y ambos sin conocerse se transforman en fugitivos.
Con esta interesante premisa, “Control total” logra ser un interesante divertimento que se resuelve de manera tan obvia como inverosímil, pero no por ello deja de ser efectivo durante todo su metraje, tal vez un tanto excesivo. No faltarán persecuciones y momentos de alta intriga, pero lo más interesante del asunto no son las escenas de acción que tan bien llevadas están, sino que por el contrario es el tema central de la historia lo que nos atrapa, esa idea de sentirnos constantemente vigilados por cámaras de seguridad que nosotros como ciudadanos exigimos para nuestra tranquilidad. En un mundo tan perseguido por la falta de seguridad, donde cada vez hay más barrios privados controlados por cámaras de seguridad, al igual que en la vía pública, todo ello vehiculizado por ese gran, pero peligroso invento llamado internet, que poco a poco está controlando el mundo, y que es una excelente herramienta, pero que en manos peligrosas se puede transformar en un arma con un poder increíble. Y más aún, si es la propia computadora la que toma el mando, dejando de lado las órdenes humanas, como ya lo demostrara hace tiempo atrás Kubrick con su impresionante “2001, odisea en el espacio”. Un poco de todo esto se esconde detrás de “Control total”, que no solo busca entretener, sino que también quiere dejar un mensaje de duda al menos, por el futuro que nos avecina.
El ascendente Shia LaBeouf encarna de buena manera a Jerry, y Rachel es interpretada por Michelle Monaghan, una actriz que de a poco se va abriendo un lugar en la industria, apoyada por su belleza y su buen tino para componer a los diferentes personajes que le han tocado interpretar.


Bonus:
Shia LaBeouf nació en Los Ángeles, California, siendo el hijo único de Obama y de Jeffrey Craig LaBeouf, un veterano de la Guerra de Vietnam que "iba a la deriva" de trabajo en trabajo, trabajando como mimo de un circo y como payaso de rodeo. El padre de LaBeouf cultivaba cannabis, y los dos fumaron marihuana juntos cuando Shia tenía 10 años. LaBeouf también ha afirmado que su padre estuvo "drogado" durante su niñez, siendo adicto a la heroína y se puso en rehabilitación de drogas por la adicción de heroína, mientras la madre de LaBeouf "intentaba mantener la fortaleza". Sus padres se divorciaron eventualmente, y tuvo lo que ha descrito como una "buena niñez", creciendo pobre con su madre (quien trabajó vendiendo telas y broches) en Echo Park, Los Ángeles, California y asistiendo a una escuela de predominancia latina y afroamericana. LaBeouf ha dicho que desde el comienzo, se volvió un actor porque su familia estaba en bancarrota, y no porque intentó perseguir una carrera de actuación.

Por qué hay que verla?: Porque entretiene un rato.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

DEATH PROOF

Título original: Death proof
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 114 minutos
Dirección: Quentin Tarantino
Elenco: Kurt Russell (Stuntman Mike), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene), Jordan Ladd (Shanna), Rose McGowan (Pam), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoë Bell (Zoë), Omar Doom (Nate), Michael Bacall (Omar), Eli Roth (Dov), Quentin Tarantino (Warren), Monica Staggs (Lanna), Michael Parks (Earl).


Sinopsis:
Stuntman Mike (Kurt Russell) es un rebelde que sólo se siente completo cuando se encuentra tras el volante de su mastodóntico coche. Juntos recorren las carreteras en busca de hermosas mujeres que se convierten en víctimas de su sed de sangre.


Comentarios:
Hace unos años atrás, cuando recibí la noticia de que Tarantino y Rodríguez se unían para hacerle un merecido homenaje a las películas clase Z de la década de los 70´ lo tomé con alegría y ansiedad, esperando el resultado. Unos años después y luego de ver la película de Tarantino vuelo a caer una vez más en los pies del director… Pero para mordérselo. Una vez más éste sobrevalorado director deja pasar una excelente oportunidad para brillar (si es que le queda brillo), en un género que me imagino conoce como ninguno.
La película comienza bastante bien, con tres chicas en un auto listas para pasar una noche de locura. Pero Quentin se encarga de aplastar un poco la cosa llenándolo de diálogos absurdos e innecesarios, buscando repetir lo que alguna vez logró con éxito. La cuestión es que se demora tanto que cuando aparece Stuntman Mike, uno ya está al borde del aburrimiento. Pero esta vez aparece en el momento justo y desata los mejores minutos de la cinta. Desde que aparece en el bar, hasta el final de la persecución, sentimos que estamos ante esa cinta clase Z que esperábamos, y logramos disfrutar esos minutos.
Pero una vez terminada la historia con estas chicas, increíblemente Tarantino nos vuelve a repetir la fórmula pero con otras chicas. Y comenzamos a sentir que tenemos un deja vú bastante largo y tedioso. Otra vez las chicas conversan hasta el cansancio, pero a esta altura de la película a el espectador se le hace muchísimo más pesado soportarlo y se deja llevar por el tedio y la monotonía de la conversación, perdiendo de vista la atmosfera que rodea el film, tan carente de ideas y estructuras como las de antaño.
Se podría decir que las películas clase Z son así de malas. Está bien, es cierto. Pero uno espera de Tarantino que nos muestre una historia del estilo pero con una mano narrativa superior, con una historia que mas allá de lo tonto y obvio, nos permita pasar un buen rato. Nada de eso sucede, perfectamente podríamos ver una película real clase Z y probablemente pasemos un rato más agradable.
El plantel femenino es más que destacable, no por sus actuaciones (que no están nada mal, vale reconocer) sino por la amplia gama de estilos de mujeres que maneja la película. Podríamos decir que hay para todos los gustos, un punto fuerte dentro del cine Z que aquí se repite con creces, sin dudas.
Tarantino dirige desde la soberbia de saberse superior y con poder dentro de la industria para hacer lo que se le dé la gana, olvidándose del público que una vez depositó su confianza en él, allá por el lejano Pulp fiction”, cada vez más lejano…


Bonus:
Michey Rourke iba a interpretar en un principio a "Stunman Mike", pero luego recayó en Kurt Russell, el cuál conduce un Chevy Nova de 1971/1972. Anteriormente se le ofreció el papel a Kal Penn y a Sylvester Stallone, pero ambos lo rechazaron. Con la excepción de los cines en USA, “”Death proof” y “Planet terror” se estrenaron como películas individuales y tuvieron diferentes fechas de estreno en los cines de todo el mundo. Tarantino "envejeció" la película, añadiendo rasguños, suciedad y polvo para simular el aspecto de las verdaderas películas Grindhouse. Según el propio Quentin, la película es un homenaje a John Carpenter. "La película que tenía que haber rodado entre 1997: Rescate en Nueva York (1981) y La Cosa (1982). La actriz Zoe Bell, especialista al fin y al cabo en escenas de riesgo, rodó las secuencias peligrosas de la cinta, pero las dejaron para el final ya que antes rodaron las escenas de diálogo, no fuera a ser que se lesionase... Eli Roth abandonó momentaneamente el rodaje de Hostel 2 para rodar durante una semana su papel en Death Proof. " A Tarantino no se le puede decir que no" declaraba Roth.

Por qué hay que verla?: Para confirmar una vez más que Tarantino está sobrevalorado.

Puntaje: 2,5

TRAILER:

KUNDUN

Título original: Kundun
Género: Drama
Año: 1997
Nacionalidad: EEUU
Duración: 134 minutos
Dirección: Martin Scorsese
Elenco: Tenzin Thuthob Tsarong (Dalai Lama/Adulto), Gyurme Tethong (Dalai Lama/12 años), Tencho Gyalpo (Madre), Tenzin Lodoe (Takster), Sonam Phuntsok (Reting Rimpoche), Gyatso Lukhang (Lord Chamberlain).


Sinopsis:
En 1937 un niño tibetano es elegido por un grupo de monjes para representar a su pueblo y convertirse en el decimocuarto Dalai Lama, la más alta figura del budismo en el Tibet. El sistema es expeditivo: el niño, de dos años, es arrebatado a su familia y llevado al palacio de Potala para ser educado y preparado para asumir el liderazgo político y espiritual.


Comentarios:
Siempre resulta difícil ver a un neoyorkino como Scorsese contando una historia que se enmarca fuera de su ciudad, aunque no sea la primera vez, ya que en 1988 con “La última tentación de Cristo” se animó no solo a salir de Estados Unidos, sino que a tocar un tema por demás difícil. Aquí nuevamente sale para tocar otro tema por demás delicado, como sucede en Kundun, que es nada más ni nada menos que una pequeña biografía del Dalai Lama, en el período que abarca su “elección” cuando era un niño de dos años, hasta su exilio.
La película no está entre lo mejor de su filmografía, ya que cuenta con un ritmo narrativo bastante lento y tedioso. En su afán de retratarle a occidente de manera clara la forma de “encontrar” al Dalai Lama, deja caer la película en un tedio que le cuesta bastante salir. De alguna manera esa es la constante a lo largo de la cinta. Pero es entendible, ya que nos relata un mundo que se basa en reglas sumamente dispares a las de occidente y la gran preocupacón de Scorsese es introducir al espectador a ese otro mundo, sobre todo para no sentir la historia tan ajena.
Por otro lado es una biografía, y como tal es difícil resumir en poco más de dos horas los sucesos más importantes en la vida de una persona, y si bien aquí solamente se centra la historia en unos años, fueron años por demás tumultuosos y claves. Scorsese es uno de los grandes maestros del cine que aun se encuentran en actividad, y solo alguien con su capacidad podía tomar este tema y llevarlo a la gran pantalla sin caer en un lenguaje demasiado new age, sino que por el contrario lo que intenta, con éxito, es mostrarnos con sus ojos occidentales un suceso por demás espiritual, sin tomar mayor partido que el del relato propio. De todas maneras nunca nos podemos alejar de los ojos occidentales, y es ahí donde la película pierde en potencia, ya que a pesar de los intentos nunca sentimos la historia cercana, y por lo tanto perdemos en emotividad. Pero al fin y al cabo era una tarea titánica, y si bien Scorsese no logra llegar a su cometido, consigue realizar un buen instrumento para unir ambos polos del mundo.
La película fue rodada en Marruecos, ya que el gobierno chino prohibió a Scorsese desplazarse a los lugares donde transcurrió la historia real, y contó con actores no profesionales, la mayoría tibetanos, incluso algunos tienen vinculación con Kundun. Tanto esfuerzo, podríamos decir que tuvo su merecido, ya que el propio Dalai Lama ha felicitado al director por su reivindicativa, lirica y emotiva visión, más allá de la fría acogida que tuvo el film en EEUU y el resto del mundo.


Bonus:
Scorsese dijo sobre Kundun: "Puede que no conozca al detalle la cultura (tuve muchos asesores técnicos para este filme) pero lo que sí comprendo es el conflicto que hay dentro de nosotros, lo bueno y lo malo, la idea de expresarse a través de la violencia como la única manera, que es algo que he visto mucho". “Está la lucha entre la violencia y la otra parte de nuestra naturaleza, la bondad. Y es por eso que me interesó la historia. Me pregunto cómo sería si todos nos tomáramos la vida tan en serio y tuviéramos tan fuertes convicciones como las que él tiene”.

Por qué hay que verla?: Un mundo difícil de entender para occidente, contado por Scorsese, nada menos...

Puntaje: 6,5

TRAILER:

VISITANTE DE INVIERNO

Título original: Visitante de invierno
Género: Terror
Año: 2007
Nacionalidad: Argentina y España
Duración: 95 minutos
Dirección: Sergio Esquenazi
Elenco: Santiago Pedrero (Ariel), Sandra Ballesteros (Viviana), Ana Cuerdo (Marisa), Diego Alonso (Pichi), Pepe Novoa (Dr. Silva), Rolly Serrano (Cabo Miranda), Ariel Staltari (Berto), Catalina Artusi (Julieta), Anahí Martella (Clarisa), Jorge Varas (Figura).


Sinopsis:
“Visitante de invierno” se centra en la historia de Ariel Lambert, un joven de veinte años, a quien luego de un trastorno psicológico, se le recomienda hacer reposo en un lugar tranquilo y apacible. En pleno invierno se muda con su madre y hermana a Villa Mar, un pequeño pueblo veraniego el cual en dicha época del año se encuentra prácticamente desierto. Allí, poco a poco, Ariel descubrirá que en una casa cercana a la suya (supuestamente desierta) entran niños, los cuales no vuelven a salir jamás. ¿Pero esto es verdad? ¿O solo parte de la locura de Ariel? Habrá una sola forma de averiguarlo: Ariel deberá entrar a esa casa.


Comentarios:
Esta es la primera película argentina de terror que veo, y me deja una sensación bastante agridulce. No decimos que es un intento fallido, porque su director logró momentos dignos, pero preocupa la falta de riesgo que decidió afrontar al momento de hacerla. La historia transita dentro de los lugares más comunes del género, en donde un chico con trastornos mentales puede llegar a ver a un asesino, el cual pasa desapercibido para todos los demás. Pero como el chico tiene un pasado conflictivo, nadie cree lo que vio y entonces no le queda más remedio que actuar acompañado de una amiga, para lograr las pruebas necesarias para que los mayores le crean.
La historia es demasiada conocida como para darle merito a la película. El director en ningún momento sale del argumento tradicional, y de esa forma vemos como escena a escena la historia avanza por los carriles ya conocidos hasta el hartazgo, y por dicho motivo caer en lo absolutamente previsible. Los personajes secundarios son tan funcionales en la historia, que llegan a molestar, ya que aparecen cuando la historia lo necesita y luego desaparecen sin más. No falta la maldita escena de sueño, donde el protagonista se enfrenta cara a cara con el asesino. Tampoco ayudan las actuaciones, sobre todo la de Santiago Pedrero que personifica a Ariel, el protagonista de la historia.
Pero no todas son malas, porque a pesar de todo lo que dije anteriormente (ya sé que fue mucho…), si hay que reconocerle a su director el pulso narrativo con que lleva la repetida historia. Más allá de no ofrecernos nada nuevo, logra escenas de mucho suspenso y sobresaltos varios. La escena en la cual Ariel ingresa por primera vez a la casa del asesino, contiene un suspenso digno de las mejores películas americanas, al igual que varias que suceden cerca del desenlace final. No sé si eso es merito suficiente a esta altura del partido, pero borrándome de la mente la cantidad de films que vi con la misma historia pude llegar a disfrutarla en ciertos momentos.
Lo que le achacamos al director, es la falta de originalidad en la propuesta, y sobre todo por la falta de riesgo en aportar algo diferente al espectador, curioso por ver un producto de terror argentino. De cualquier manera la propuesta es válida, y siempre es grato ver cine de género en una región donde el drama social y la comedia costumbrista aparecen acaparando toda la producción.


Bonus:
Este es el tercer largometraje para el director, pero el primero en español, ya que sus anteriores trabajos (Dead Line y Bone Breaker) fueron realizados en inglés para el mercado estadounidense. Sobre la película Sergio Esquenazi dijo al respecto: “Yo creo que el guión tiene algo que nos llevó a hacer todo muy rápido, los productores se fueron a España y volvieron con dos productoras que se peleaban por el guión. No es común que pasen ese tipo de cosas. El terror es un género muy subestimado en Argentina. Hay gente talentosa que maneja el género. Somos pocos, nos conocemos todos. El cine argentino maneja más el costumbrismo, la cosa social...que está bien, hay muy buenas películas sobre eso. Tuve muchísimas limitaciones para rodar. Es una película de 45 días y yo tuve 28 días. Fue un rodaje muy intenso, muchas cosas no pude hacer, pero estoy satisfecho. Lo importante es que con lo que tenés hagas lo mejor posible. Nos esforzamos 110 por ciento todos para que sea una buena película, independiente de que sea una película de terror.

Por qué hay que verla?: Si bien la historia es cliché, es interesante ver como en Argentina hay directores interesados en el cine de terror.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

CUANDO HARRY CONOCIO A SALLY

Título original: When Harry met Sally
Género: Comedia
Año: 1989
Nacionalidad: EEUU
Duración: 96 minutos
Dirección: Rob Reiner
Elenco: Billy Crystal (Harry Burns), Meg Ryan (Sally Albright), Carrie Fisher (Marie), Bruno Kirby (Jess), Lisa Jane Persky (Alice), Michelle Nicastro (Amanda).


Sinopsis:
Harry (Billy Crystal) y Sally (Meg Ryan) se conocen cuando viajan juntos en el coche de Sally de Chicago a Nueva York, después de terminar sus estudios universitarios. En Nueva York cada uno de ellos hace su vida y trata de encontrar un amor. Un día coinciden casualmente y pasan un rato largo juntos filosofando sobre la vida. En los años siguientes se ven de cuando en cuando, cada vez con más frecuencia. Surge entre ellos una amistad que contradice la filosofía de Harry de que hombres y mujeres no pueden ser amigos.


Comentarios:
"¿Tú crees que dos amigos puedan tener una noche de sexo y al día siguiente seguir siendo amigos?". Con esta pregunta podríamos decir que arranca esta exquisita historia de amor entre dos personas aparentemente opuestas, pero más cerca de lo que creen. Luego de los sucesivos encuentros casuales, en los que cada uno de ellos resalta más y más las enormes diferencias en la manera de pensar y actuar, finalmente la paciencia de la casualidad tiene su efecto, y logran hilvanar una amistad por demás dependiente. Hasta llegar al momento clave donde la pregunta del comienzo pasa a ser un acto del cual no tiene marcha atrás.
Pocas veces en el cine de Hollywood (y casi nunca en el cine de Reiner) nos enfrentamos ante una historia tan maravillosamente realizada en todos sus aspectos. Un guion tan perfecto como jugoso, escrito por Norah Ephron, que luego sería la directora de comedias inferiores pero de buen nivel como “Sleepless in Seattle” y “You've Got Mail” con la actuación de Meg Ryan y Tom Hanks en ambas. Con decenas de diálogos que dan para conversarlos durante largo rato (como el que use en el comienzo), y muchísimas escenas divertidísimas, pero sobre todo reales.
Y las actuaciones de Billy Crystal y Meg Ryan, que decir… Nunca más pudieron llegar a tal grado de nivel actoral, pero eso no es una crítica ya que muy pocos pueden llegar a componer un personaje con la naturalidad que ambos lo hacen. Divertidos, ácidos, cariñosos, tristes. Una actuación que pasa por todos los matices sin desentonar en ningún momento. Sin dudas que gran parte del éxito pasa por sus magistrales interpretaciones.
Varias escenas quedaron en la más rica historia del cine, sobre todo la de la cafetería cuando Sally finge un orgasmo para demostrarle que las mujeres no siempre le dicen la verdad. Pero también me gustaría recordar escenas como cuando invitan a sus mejores amigos para presentarse entre ellos y terminan escapándose en un taxi, dejándolos solos. O cuando hablan por teléfono cada uno desde su cama, en una gran elección de Reiner al dividir la pantalla.
El film tiene mucho del mejor Woody Allen, pero también tiene vida propia gracias a la magistral dirección en silencio de Rob Reiner. Alguien me dijo que el mejor director es el que pasa desapercibido, y este es un claro ejemplo de esa frase. Lástima que nunca más supo demostrar su talento y quedó relegado a películas sin mayor interés que el económico, tan solo se rescata “Misery”, realizada un año después.
En definitiva, notable película del que no puede faltar en la memoria de cualquier persona que se dice enamorada del cine.


Bonus:
Un estudio sobre la química sexual de las parejas en el cine, revela que nadie iguala a Meg Ryan y Billy Crystal en “Cuando Harry conoció a Sally”. Resulta que un rato de ocio, algunos científicos del Kings College de Londres encontraron una fórmula con la que pueden calcular la química que tienen las parejas en la pantalla grande. Meg y Billy quedaron en primer lugar con su actuación en Cuando Harry encontró a Sally, de 1989. El segundo lugar lo tiene el clásico romántico Casablanca, pero los que más llaman la atención son Winslet y DiCaprio, que en Titanic resultaron tener menos química de la que tienen el aceite y el agua. “En Titanic, la manera en que se hablan los protagonistas no es nada natural, es muy fingida”, explica Stephanie Charters, una psiquiatra que explica que la química sexual se mide con base en cuatro factores: la voz, el contacto visual, el lenguaje corporal y la excitación. “En cambio, cuando el personaje de Meg Ryan, Sally, demuestra lo fácil que es fingir un orgasmo en un restaurante, Harry (Billy Crystal) se le queda viendo de una manera tan especial que hace fluir energía por todo el cuerpo”, agrega. El estudio se realizó para contextualizar el lanzamiento de un fin de semana de películas románticas que se transmitirá en Inglaterra, y califica a las parejas del 1 al 10.

Por qué hay que verla?: Simplemente por ser una de las mejores comedias en la historia del cine.

Puntaje: 9,0

TRAILER:

WATERWORLD

Título original: Waterworld
Género: Ciencia Ficción
Año: 1995
Nacionalidad: EEUU
Duración: 135 minutos
Dirección: Kevin Reynolds
Elenco: Kevin Costner (Mariner), Jeanne Tripplehorn (Helen), Dennis Hopper (Deacon), Tina Majorino (Enola), Robert Joy (Ledger Guy), William Preston (Depth Gauge), Zakes Mokae (Priam).


Sinopsis:
En el futuro los casquetes polares se han derretido y el agua lo cubre todo. Por tal motivo, el agua dulce es el bien más preciado, y los seres humanos sobreviven en plataformas flotantes siempre buscando agua potable, algo de tierra, y hablando sobre la leyenda de que en algún lugar existe tierra firme. Mariner (Kevin Costner) es un errante que viaja solo practicando el trueque. Un día llega a un atolón de chatarra y vende tierra a sus moradores, pero éstos, al descubrir que es un mutante (mitad pez, mitad humano), lo condenan a muerte...


Comentarios:
Hay películas que cargan con una cruz desde su gestación, y nunca se pueden desprender de ella, a tal punto de que la termina de enterrar. De alguna manera “Waterworld” carga con una cruz un poco injusta. La historia comienza con un errante (Kevin Costner) en el medio del desierto acuático haciendo lo que siempre hace para sobrevivir, buscar objetos en el fondo del mar para luego intercambiarlo. El mundo terrestre fue tapado por el deshielo y todo el planeta es un gran e interminable océano. Y dentro de ese difícil panorama están los pocos humanos que sobrevivieron adaptados a la nueva situación, pero añorando la tierra. En especies de fortalezas flotantes, los humanos se reagrupan en sociedad para comenzar de nuevo. Allí cae el personaje interpretado por Costner, que llega a realizar su trueque y seguir en su solitario viaje a ningún lado. Pero al descubrir que es un mutante, lo atrapan. Hasta que llegan los Smorkels (liderados por Dennis Hopper) a saquear el lugar, y Costner logra escapar llevándose consigo (de muy mala gana) a Helen y a Elona, una niña tatuada con un extraño mapa del que dicen, sería la clave para encontrar tierra firme. A partir de ese momento comienza una mortal persecución por parte de los Smorkels para encontrar a la niña.
Lo primero que hay que decir es que la película es un muy buen ejercicio de acción, dentro de un imaginativo mundo futurístico. La historia central es la siempre entretenida aventura del solitario que se complica al tener compañía, y es perseguido por los malos. No es más que eso. Pero mas allá de los problemas internos (se dice que el director Kevin Reynolds se peleó con su amigo Kevin Costner en la mitad del rodaje, y éste tuvo que suplantarlo), la historia fluye de manera más que entretenida, con los típicos vaivenes que contiene este tipo de aventuras. Y a esto sumado una inteligente historia por detrás, en el cual la falta de tierra firme genera que los humanos hayan encontrado diferentes formas para adaptarse al medio. Tal vez los personajes estén demasiado caricaturizados, sobre todo el que interpreta Dennis Hopper. Kevin Costner nunca fue buen actor, y aquí utiliza las pocas expresiones que ha utilizado a lo largo de su carrera, para redondear una de las tantas pobres actuaciones que ha realizado. Tal vez esta historia en manos de otro director con más creatividad nos hubiese permitido disfrutar de otra manera este fascinante mundo acuático. Pero lo cierto es que no es tan mala como uno cree antes de verla, y en definitiva no creemos que sea justo la carga que lleva detrás. Tiene una excelente dirección artística, muy buena banda sonora, y escenas de alta tensión con gran impacto visual que hacen de este film un grato entretenimiento de aventuras.
De alguna manera le destruyó la carrera a Costner, que ha intentado levantarla una y otra vez, pero ya no tiene la misma fuerza de antes. Ese si es un mérito importante a favor que tiene “Waterworld” y por el cual estaremos eternamente agradecidos.


Bonus:
Se la considera uno de los grandes fracasos del cine comercial por su elevadísimo presupuesto (175 millones de dólares), su cuidada realización y su baja recaudación. Este hecho por sí solo la ha hecho muy popular. Se la considera una película con mérito por estar casi enteramente rodada en el mar, en escenarios flotantes, lo cual es considerado muy difícil, así como la creación de éstos, junto con el vestuario y los vehículos que la convierten en la película más cara de su momento. Lo cierto es que la productora Universal tembló el día que salieron las primeras críticas: Kevin Costner, que venía "entrenado" en descalabros en taquilla (sus anteriores films habían sido "The War" y "Wyatt Earp"), regalaba a los críticos una megasuperproducción (la más cara hasta la fecha de toda la historia del cine, nada menos) con un tema y título de inmejorables posibilidades para la sentencia: "No sale a flote", "se hunde", "hace aguas", "con el agua al cuello".

Por qué hay que verla?: Tiene una historia interesante y es entretenida. Y el hecho de haber sido uno de los grandes fracasos comerciales hace que “Waterworld” haya ingresado en la historia del cine, aunque sea en sus páginas negras…

Puntaje: 6,5

TRAILER: