Título original: Knocked Up
Género: Comedia
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 129 minutos
Dirección: Judd Apatow
Elenco: Seth Rogen (Ben Stone), Katherine Heigl (Allison Scott), Paul Rudd (Pete), Leslie Mann (Debbie), Jay Baruchel (Jay), Jonah Hill (Jonah), Jason Segel (Jason), Martin Starr (Martin), Iris Apatow (Charlotte), Maude Apatow (Sadie).


Sinopsis:
Allison Scott (Katherine Heigl) es una periodista de 24 años con una brillante carrera. Por desgracia, no todo sale como estaba previsto cuando, después de una noche de juerga con el vago de Ben Stone (Seth Rogen), descubre que está embarazada. Ante la posibilidad de enfrentarse a la maternidad sola o de conocer mejor al padre, Allison decide dar una oportunidad al entrañable inmaduro. Ben, que no quiere crecer, se da cuenta de que debe tomar una decisión: quedarse o salir por piernas. Pero salir con la mujer a la que acabas de dejar embarazada es más difícil de lo que parece. No tardan en darse cuenta de que no son exactamente sus respectivas medias naranjas.


Comentarios:
Judd Apatow venía de lograr un excelente debut tras las cámaras con “Virgen a los 40”, esa notable comedia protagonizada por el genial Steve Carell. El desafío para su segunda película era lograr tal nivel de comicidad sin un actor tan importante en su papel principal. Y a pesar del amor y admiración que Apatow siente por Seth Rogen, en esta comedia la falta de esa figura protagónica no se pudo disimular, transformándose en uno de los problemas con que nos enfrentamos al verla, y peor aún cuando el mayor peso de la historia recae en una chica que no aporta humor en grandes dosis. Aquí el asunto se centra en Allison, que luego de pasar una noche de sexo con Ben, queda embarazada de éste sin conocerlo. Por supuesto que son totalmente diferente y allí radica el novena por ciento de los chistes, ya que Ben es un vago al extremo al igual que sus compañeros. Una de las virtudes de “Virgen a los 40” era la cotidianeidad con que era tratado el tema, y lo cercano que se hacia el personaje principal, algo que aquí no ocurre. Ben es insoportablemente vago, sus amigos son insoportablemente vagos y tontos, y ella es tan adorable que se hace difícil creerte la situación que plantea el guion. De cualquier manera, a lo largo del metraje, el film cuenta muchísimos chistes de los cuales la mayoría son efectivos, provocando varias risas que nos permiten pasar un rato agradable.
Otro punto en contra es que Seth Rogen no me resulta tan divertido como le resulta a otras personas, y no siento que este a la altura de tamaña responsabilidad como lo es ser protagonista excluyente de una comedia. Por su lado, Katherine Heigl está muy bien en su papel, aportando belleza y frescura cada vez que la vemos en pantalla. El resto del elenco (de los cuales hay muchos secundarios de “Virgen a los 40” que repiten) los apoyan bastante bien, sobre todo sus futuros cuñados, que aportan diversión a todo este embrollo.
“Ligeramente embarazada” es una comedia ligera (tal vez un poco de mas), pero que permite entretener por un rato, y no es poca cosa…


Bonus:
Judd Apatow se fijó en Seth Rogen cuando vio una prueba para “Freaks and Geeks”, la serie de televisión de la que era productor ejecutivo en 1999. “Le vi en una prueba grabada en Vancouver”, recuerda el director. “Entonces pensé que tenía una voz muy graciosa y que no estaría mal verle. Me fui a Vancouver. Conocí a Seth y me morí de la risa. Acabamos creando un papel para él en el programa”. Seth Rogen es un as de la improvisación. Después de la abrupta cancelación de la aclamada serie, Judd Apatow volvió a contar con él como actor y guionista para “Undeclared”, la serie que creó en 2001 acerca de un grupo de universitarios. El realizador recuerda: “Cuando empecé a trabajar con ‘Undeclared’, contraté a Seth como actor y guionista por muy poco dinero, pero demostró ser uno de los mejores guionistas y sólo tenía 18 años”. “Tengo la impresión de que Seth nació siendo cómico”, añade el director. “Es retorcido, mordaz, irónico, sardónico, pero también es dulce y bueno. Es la combinación ideal para una comedia. Siempre pensé que era perfecto para protagonizar una película”. El actor se quedó muy sorprendido cuando se enteró de que protagonizaría “Knocked up”. “Judd no hablaba con nadie de su siguiente proyecto, hasta que un día, estando reunidos con la gente de Universal para otra película, empezó a venderles esta”, recuerda Seth Rogen.

Por qué hay que verla?: Tiene momentos sumamente divertidos.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

ENTREVISTAS: Acné

El cine uruguayo viene en ascenso, su paso por los festivales internacionales así lo demuestra. De la camada de nuevos directores surgió Federico Veiroj que, al igual que el protagonista de su ópera prima Acné, debuta en el cine grande con una historia sobre adolescentes en busca de un poco de amor. Una historia tan ácida como contemplativa que no hace más que confirmar el gran momento que vive el cine de la banda oriental y no precisamente el proveniente de los países asiáticos.

¿De dónde nace la idea de Acné?
La historia de Acné nace de un guión que escribí con mi hermano mayor hace 8 años. En dicho guión se contaban algunos episodios de la vida de una familia a lo largo de 15 años. Tiempo más tarde aparté la historia del hijo adolescente, Rafael Bregman, para escribir desde su punto de vista la misma historia familiar. De ahí proviene un corto llamado Bregman, el siguiente que hice en 2004 y Acné.
La inspiración primera es mi familia, y algunos episodios de hermanos, amigos y míos, que me parecieron atractivos para retratar en una película.

Podríamos decir que de adolescente te preocupaba tener granitos en la cara y de grande decidiste hacer una película sobre el tema.
No es una preocupación sino una ocupación, incluso del presente. El tema de los granitos si bien está muy presente, me sirvió para hablar de lo que realmente me interesaba: el estado de ánimo del personaje en ese momento particular de desarrollo y en ese entorno concreto.

¿Tu corto Bregman, el siguiente fue la punta de iceberg para desarrollar Acné?
Narrativamente no, ya que la mayoría de las secuencias estaban escritas antes de filmar el corto. Pero hacer el corto unos años antes de Acné me dio energías para continuar trabajando con el mismo tema y para contar más en detalle la etapa de vida de Rafael Bregman de los 13 años.

Manejás un humor ácido que me recuerda mucho al cine de Jude Apatow mezclado al estilo contemplativo de las primeras películas de Ezequiel Acuña, conjugándolo de tal forma que conseguís un estilo propio. ¿Cómo lograste mezclar ambos estilos que a priori parecen imposibles?
No fue algo consciente lo de mezclar estilos, yo trabajé de manera instintiva. Los referentes estéticos para hacer Acné eran la serie Verano azul, la película Mes petites amoureuses de Jean Eustache, y el libro El lamento de Portnoy de Philip Roth.

Si bien el film está teñido de cierto erotismo y hasta podría considerarse erótico, las escenas sexuales siempre están en un segundo plano y apenas si hay algún semidesnudo. ¿Por qué tomaste la decisión de que en Acné todo quedará relegado a la insinuación y no a lo explicito?
De la misma manera que elegí no mostrar las peleas de los padres, o de hermanos, o de amigos, decidí no explicitar las escenas de sexo; es parte de la estética de la narración que responde al carácter introvertido o tímido del protagonista. Creo que el objetivo de Rafael Bregman no era tampoco ver las partes íntimas de las mujeres, de hecho es lo que más fácil podía lograr. Sin embargo, en un momento se ve alguna cosa en una pantalla de cine o en una revista...

¿Cómo elegiste a los actores, sobre todo a Alejandro Tocar cuyo personaje de Rafa se echa encima toda la película, con un crecimiento actoral que al finalizar pareciera que el actor no fuera el mismo del principio?
Hice un casting en Montevideo. Alejandro Tocar vino el último día y desde el primer momento me sedujo su naturalidad y frescura. Lo seguí probando confiado que era él el protagonista, hasta que ya no quedaban dudas. Sé que tuve mucha suerte de encontrarlo a él y al resto de los chicos. El único chico que vino al casting y automáticamente se transformó en el personaje es Laser. Es importante destacar que ninguno de los chicos tenía experiencia actoral, y que el trabajo previo y durante el rodaje lo respetaron a la perfección.
También hicimos casting en Buenos Aires y consultamos con otros colegas, y de ahí salió Belén Pouchan que encarna a Nicole Weiss.

Si bien Uruguay no se caracterizó por tener una industria cinematográfica fuerte, en los últimos tiempos ha adquirido cierta notoriedad y su cine está saliendo al mundo con una repercusión importante. ¿Cómo se vive este suceso desde adentro?
No suelo pensar mucho en eso. Me alegra mucho que se hagan buenas películas en general, independientemente de su procedencia, ya que me gusta mucho ir al cine. Hay algunas películas que se han hecho en Uruguay que me gustan mucho y que están hechas por amigos íntimos; eso, desde adentro, es muy gratificante.

A raíz de esto: ¿Resulta más fácil filmar una película hoy que hace cinco años atrás?
Hay más fondos de apoyo al cine en estos tiempos, hace 10 años no había casi. También hay más gente profesional que desempeña las tareas técnico artísticas de una película. Sin embargo, creo que sigue siendo muy poco fácil filmar una película.

Fuente: Escribiendocine.com

TRAILER:

LA NIEBLA

Título original: The mist
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 126 minutos
Dirección: Frank Darabont
Elenco: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda), Andre Braugher (Norton), Toby Jones (Ollie), Bill Sadler (Jim), Jeffrey DeMunn Dan Miller), Frances Sternhagen (Irene), Alexa Davalos (Sally), Nathan Gamble (Billy Drayton).


Sinopsis:
En un pequeño pueblo de Maine, después de una súbita tormenta, aparece una espesa niebla que cubre el lugar, atrapando a la gente en sus hogares, en los supermercados... y matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad.


Comentarios:
Frank Darabont es un director muy importante en la industria, a pesar de no contar con tanta publicidad como otros directores. Si es reconocido como guionista, ya que es considerado uno de los más importantes, pero también ha dado muestras de lo bien que se lleva tras las cámaras, en las pocas ocasiones en que lo ha estado, como en “The Shawshank Redemption, “The Green Mile”, “The Majestic” y “The mist”. No es caprichoso decir que le gusta adaptar novelas de Stephen King, ya que de sus cuatro películas dirigidas hasta el momento, tres están basadas en cuentos del maestro del terror. Y no está de más decir, que de sus tres primeras películas, “The Majestic” es la única fallida, y que casualmente no se basa en un relato del señor King.
Quise hacer toda esta introducción, porque con “La niebla” nos encontramos de nuevo ante el mejor Darabont, el que se enfrenta a n cuento corto de King y lo transforma en largometraje. Una historia que se asemeja bastante a las anteriores películas llamadas de la misma manera en español, pero que se diferencia básicamente en su esencia. Sin grandes estrellas en el reparto, ni grandes sumas de dinero detrás, esta muy buena película se sostiene por un guión acertado y una muy buena dirección.
Todo comienza cuando luego de una devastadora tormenta, comienza a acercarse una espesa niebla que cubre todo el pueblo. Un grupo de personas quedan atrapadas en un supermercado, en el cual no podrán salir ya que el que sale muere por algo extraño que ocurre en la niebla. No es conveniente contar mucho más al respecto, ya que la historia contiene varias sorpresas que ocurren a medida que trascurren los minutos, pero si es interesante desarrollar sobre el siguiente punto, que es el que hace de esta película una especie de rareza en Hollywood. Aquí mas allá de las situaciones terroríficas que suceden afuera (que son muchas y muy extrañas), Darabont nos propone centrarnos en otro terror, el terror que proviene del ser humano cuando siente terror.
Al encerrar a un grupo de personas tan numerosas como heterogenias, y con un claro terror que proviene del afuera, Darabont nos propone enfrentarnos al terror que proviene de adentro mismo del hombre, ese terror que nos diferencia de los animales. Cuando los miedos exteriores comienzan a suceder vertiginosamente, y no encuentran una solución clara (todo lo que intentan los dejan en peores condiciones), los personajes empiezan a plantear acciones que dividen, inclusive llegando a matar a otro humano por el simple hecho de centrar su venganza y rabia en él.
Aquí, hay una señora adulta del pueblo que habla siempre del fin del mundo, y siempre fue tratada de loca por todos los pobladores. Cuando el terror los envuelve y no saben qué hacer, comienzan a creer en sus palabras, logrando generar una verdadera secta dentro del supermercado que hacen destruir lo más fuerte que puede tener un grupo en estas circunstancias, la unión. A través de ese grupo cada vez más numeroso, un padre con su niño que lucha por salir adelante en busca de la solución, pero ya es imposible luchar desde adentro, porque el adentro se ha convertido en un lugar más hostil que el afuera.
Por supuesto que hay muchas muertes, bichos gigantes y mucho desasosiego, pero sobre todo hay miedo a lo que el ser humano puede llegar a transformarse. El terror de afuera hacia adentro, el ser humano en situaciones límites, el terror que provoca el terror a morir… De eso se trata esta excelente película que además entretiene mucho, y tiene un final durísimo como pocas veces visto en una cinta de género de las major americanas.


Bonus:
En 1977, cuando el ahora legendario escritor de ficción Stephen King conoció el éxito por primera vez, quiso encontrar una manera de agradecerlo. En una muestra de apoyo a otros artistas emergentes, dio permiso a los estudiantes y aspirantes a directores de cine para adaptar sus historias cortas por tan sólo un dólar. A principios de los 80, Frank Darabont escribió, produjo y dirigió una de estas “Dollar Babies.” A King le encantó la adaptación del director de 23 años de “La mujer de la habitación”, un relato de King sobre una mujer con una enfermedad incurable que desea morir. “Hay algo en el estilo de Stephen como narrador que siempre me ha calado”, explica Darabont, que se crió en Los Ángeles. “Su trabajo me habla, sus personajes me hablan. Es un maestro de la narración y lo que escribe me deja boquiabierto. Me inspira para ponerme detrás de la cámara”. “Como mi corto le había gustado, decidí pedirle a Stephen los derechos de The mist o de Rita Hayworth and Shawshank Redemption”. Después de meditarlo, Darabont se decantó por esta última, estrenada como “The Shawshank Redemption”. El resto es historia.

Por qué hay que verla?: Tiene un final diferente a lo que Hollywood nos tiene acostumbrados.

Puntaje: 7,5

TRAILER:

GRACE

Título original: Grace
Género: Terror
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU y Canadá
Duración: 85 minutos
Dirección: Paul Solet
Elenco: Jordan Ladd (Madeline Matheson), Samantha Ferris (Patricia Lang), Gabrielle Rose (Vivian Matheson), Malcom Stewart (Dr. Richard Sohn), Stephen Park (Michael Matheson), Serge Houde (Henry Matheson).


Sinopsis:
“Grace” narra las vicisitudes de una madre obsesionada con sacar adelante a su recién nacido. Hasta ahí todo sería normal si no fuera porque tras un fatal accidente, el niño nunca hubiera debido nacer, o al menos, nadie esperaba que lo hiciera.


Comentarios:
Cuando me enfrenté con esta película que había tenido éxito en Sundance, deposité esperanzas en encontrarme con un muy buen ejercicio de terror, lejos del lenguaje tradicional de las cintas de género. Pero lamentablemente no fue así, y una vez más, lo que parecía bueno resultó ser mediocre para abajo.
El asunto se centra en Madeline, que estando embarazada sufre un fatal accidente automovilístico y no solo pierde a su marido, sino que con él pierde al hijo que llevaba en su vientre. A pesar de no tener vida, la partera permite que ella lo siga “gestando” dentro suyo hasta la fecha de nacimiento estipulada, para evitar mayores traumas. Cuando llega el día fatal, increíblemente el niño nace con vida para la felicidad de su mama ante la mirada atónita de su partera y asistentes.
Con ese argumento inicial no podemos negar que el film promete. Inclusive las primeras escenas dentro de su casa con su hijo nos hacen ingresar en ese sórdido mundo que ella ha creado en su hogar, aislándose del resto para proteger a su adorado bebe, que no es tan adorado ya que en lugar de leche, el chico prefiere sangre, aunque sea de su madre. Pero a medida que la cinta avanza, ése sórdido mundo comienza a entreverarse con otro mundo menos real, ya que la niña (llamada Grace, por supuesto) realmente vive, o está en el imaginario colectivo familiar. Pero da igual, en cualquiera de los dos casos hacen que la historia pierda fuerza. Pero peor aún es la subtrama ridícula de su suegra con su esposo y luego con su nieta, que llevan a la película a un desbarranco inevitable. Y ni que hablar de la partera, y peor aun la de su ayudante que le miente a Madeline cada vez que le deja un recado. Entonces, el gran problema radica en los momentos que la historia sale de la cabeza de Madeline y se centra en los personajes secundarios, con historias y acciones absurdas, que por momentos toman demasiada importancia haciendo que la historia se transforme en una bobería.
Un reconocimiento a Jordan Ladd, que en el papel de Madeline se pone la película al hombre y logra hacer verosímil momentos y reacciones que no lo son, dejando a un lado su belleza natural para desplegar una variada gama de gestos y miradas con excelentes resultados.
Da la impresión que en el pasaje de la historia de corto a largometraje, sufrió estiramientos innecesarios producto de la necesidad de minutaje, dejando a “Grace” bastante más maltrecha de lo que la dejó el accidente automovilístico.


Bonus:
El largometraje está basado en “Grace”, un cortometraje de seis minutos escrito, producido y dirigido por el propio Paul Solet, que ganó el premio “Best short” en el Rhode Island International Film Festival.
Con este trabajo Solet debuta en la dirección de largometrajes, con el cual logró llamar la atención en el Festival de Sundance, se comenta que dos personas se desmayaron en el Egyptian Theater durante su proyección: Una saliendo y otra en el lobby… el dueño del teatro confirmo que eso no pasaba desde hace diez años.

Por qué hay que verla?: Una buena idea que no logró desarrollarse bien.

Puntaje: 3,0

TRAILER:

CONTROL TOTAL

Título original: Eagle eye
Género: Suspenso
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Alemania
Duración: 118 minutos
Dirección: D.J. Caruso
Elenco: Shia LaBeouf (Jerry Shaw), Michelle Monaghan (Rachel Holloman), Michael Chiklis (Callister), Anthony Mackie (Scott), Billy Bob Thornton (agente Morgan), Rosario Dawson (Zoe), Ethan Embry (agente Toby Grant).


Sinopsis:
Jerry Shaw (Shia LaBeouf) y Rachel Holloman (Michelle Monaghan) son dos desconocidos que se encuentran por culpa de una misteriosa llamada de teléfono de una mujer a la que no conocen. Amenazando sus vidas y a sus familias, consigue que Rachel y Jerry se metan en situaciones cada vez más peligrosas, utilizando la tecnología de la vida cotidiana para seguir todos y cada uno de sus movimientos. A medida que las cosas se complican, estas dos personas normales y corrientes se convierten en los fugitivos más buscados de USA, y tienen que colaborar para averiguar qué está pasando en realidad y, lo que es aún más importante, por qué.


Comentarios:
Si hay algo que Hollywood sabe explotar, son los temas de actualidad en clave de acción. Y este es un caso más. La historia gira en torno de Jerry, un simple muchacho que al llegar a su humilde apartamento lo encuentra repleto de armas de todo tipo. Al mismo tiempo suena su celular y le informa que salga porque la policía está llegando. Por supuesto que no cree, y es capturado ante la atónita actitud del pobre Jerry, que nada entiende de la situación por la que está pasando. Al mismo tiempo pero en otro lugar de la ciudad, Rachel es obligada a manejar un auto último modelo, y esperar en una esquina sin saber para qué. Ayudado sin saber por quien, Jerry se escapa y por orden de alguien que no sabe quién es, se sube al auto manejado por Rachel, y ambos sin conocerse se transforman en fugitivos.
Con esta interesante premisa, “Control total” logra ser un interesante divertimento que se resuelve de manera tan obvia como inverosímil, pero no por ello deja de ser efectivo durante todo su metraje, tal vez un tanto excesivo. No faltarán persecuciones y momentos de alta intriga, pero lo más interesante del asunto no son las escenas de acción que tan bien llevadas están, sino que por el contrario es el tema central de la historia lo que nos atrapa, esa idea de sentirnos constantemente vigilados por cámaras de seguridad que nosotros como ciudadanos exigimos para nuestra tranquilidad. En un mundo tan perseguido por la falta de seguridad, donde cada vez hay más barrios privados controlados por cámaras de seguridad, al igual que en la vía pública, todo ello vehiculizado por ese gran, pero peligroso invento llamado internet, que poco a poco está controlando el mundo, y que es una excelente herramienta, pero que en manos peligrosas se puede transformar en un arma con un poder increíble. Y más aún, si es la propia computadora la que toma el mando, dejando de lado las órdenes humanas, como ya lo demostrara hace tiempo atrás Kubrick con su impresionante “2001, odisea en el espacio”. Un poco de todo esto se esconde detrás de “Control total”, que no solo busca entretener, sino que también quiere dejar un mensaje de duda al menos, por el futuro que nos avecina.
El ascendente Shia LaBeouf encarna de buena manera a Jerry, y Rachel es interpretada por Michelle Monaghan, una actriz que de a poco se va abriendo un lugar en la industria, apoyada por su belleza y su buen tino para componer a los diferentes personajes que le han tocado interpretar.


Bonus:
Shia LaBeouf nació en Los Ángeles, California, siendo el hijo único de Obama y de Jeffrey Craig LaBeouf, un veterano de la Guerra de Vietnam que "iba a la deriva" de trabajo en trabajo, trabajando como mimo de un circo y como payaso de rodeo. El padre de LaBeouf cultivaba cannabis, y los dos fumaron marihuana juntos cuando Shia tenía 10 años. LaBeouf también ha afirmado que su padre estuvo "drogado" durante su niñez, siendo adicto a la heroína y se puso en rehabilitación de drogas por la adicción de heroína, mientras la madre de LaBeouf "intentaba mantener la fortaleza". Sus padres se divorciaron eventualmente, y tuvo lo que ha descrito como una "buena niñez", creciendo pobre con su madre (quien trabajó vendiendo telas y broches) en Echo Park, Los Ángeles, California y asistiendo a una escuela de predominancia latina y afroamericana. LaBeouf ha dicho que desde el comienzo, se volvió un actor porque su familia estaba en bancarrota, y no porque intentó perseguir una carrera de actuación.

Por qué hay que verla?: Porque entretiene un rato.

Puntaje: 5,5

TRAILER:

EN RODAJE: La casa muda

El miércoles 25 de noviembre culminó con éxito el rodaje de la película uruguaya “La casa muda”, protagonizada por Florencia Colucci, Abel Tripaldi y Gustavo Alonso.
Fueron cuatro días de intenso trabajo, en base a un proyecto cuidadosamente planeado, plano a plano, escena a escena. Dirigido por Gustavo Hernández y producido por Gustavo Rojo, “La casa muda” busca un camino diferente al cine que se realiza en Uruguay, internándose en una historia con mucho suspenso.
Basado en un suceso real que transcurrió en 1944, en una vieja casa de campo donde encontraron los cuerpos de dos hombres brutalmente torturados, sin lengua. Inquietantes fotografías fueron la clave para resolver el sangriento crimen.


La película cuenta con características que la hacen única en el mercado, ya que será filmada en su totalidad con una SLR digital, más concretamente con la cámara Canon EOS 5D Mark II, lo que hace que “La casa muda” se convierta en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo en grabarse con una cámara de fotos.
A su vez, la historia será narrada en un único plano secuencia de 72 minutos, sin cortes. Lo que la convierte en la primera película de terror en el mundo en ser realizada con este particular lenguaje narrativo.
“Plano secuencia” en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación.

Por más información visite: www.lacasamuda.com o el grupo en Facebook.

DEATH PROOF

Título original: Death proof
Género: Suspenso
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 114 minutos
Dirección: Quentin Tarantino
Elenco: Kurt Russell (Stuntman Mike), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia), Rosario Dawson (Abernathy), Vanessa Ferlito (Arlene), Jordan Ladd (Shanna), Rose McGowan (Pam), Tracie Thoms (Kim), Mary Elizabeth Winstead (Lee), Zoë Bell (Zoë), Omar Doom (Nate), Michael Bacall (Omar), Eli Roth (Dov), Quentin Tarantino (Warren), Monica Staggs (Lanna), Michael Parks (Earl).


Sinopsis:
Stuntman Mike (Kurt Russell) es un rebelde que sólo se siente completo cuando se encuentra tras el volante de su mastodóntico coche. Juntos recorren las carreteras en busca de hermosas mujeres que se convierten en víctimas de su sed de sangre.


Comentarios:
Hace unos años atrás, cuando recibí la noticia de que Tarantino y Rodríguez se unían para hacerle un merecido homenaje a las películas clase Z de la década de los 70´ lo tomé con alegría y ansiedad, esperando el resultado. Unos años después y luego de ver la película de Tarantino vuelo a caer una vez más en los pies del director… Pero para mordérselo. Una vez más éste sobrevalorado director deja pasar una excelente oportunidad para brillar (si es que le queda brillo), en un género que me imagino conoce como ninguno.
La película comienza bastante bien, con tres chicas en un auto listas para pasar una noche de locura. Pero Quentin se encarga de aplastar un poco la cosa llenándolo de diálogos absurdos e innecesarios, buscando repetir lo que alguna vez logró con éxito. La cuestión es que se demora tanto que cuando aparece Stuntman Mike, uno ya está al borde del aburrimiento. Pero esta vez aparece en el momento justo y desata los mejores minutos de la cinta. Desde que aparece en el bar, hasta el final de la persecución, sentimos que estamos ante esa cinta clase Z que esperábamos, y logramos disfrutar esos minutos.
Pero una vez terminada la historia con estas chicas, increíblemente Tarantino nos vuelve a repetir la fórmula pero con otras chicas. Y comenzamos a sentir que tenemos un deja vú bastante largo y tedioso. Otra vez las chicas conversan hasta el cansancio, pero a esta altura de la película a el espectador se le hace muchísimo más pesado soportarlo y se deja llevar por el tedio y la monotonía de la conversación, perdiendo de vista la atmosfera que rodea el film, tan carente de ideas y estructuras como las de antaño.
Se podría decir que las películas clase Z son así de malas. Está bien, es cierto. Pero uno espera de Tarantino que nos muestre una historia del estilo pero con una mano narrativa superior, con una historia que mas allá de lo tonto y obvio, nos permita pasar un buen rato. Nada de eso sucede, perfectamente podríamos ver una película real clase Z y probablemente pasemos un rato más agradable.
El plantel femenino es más que destacable, no por sus actuaciones (que no están nada mal, vale reconocer) sino por la amplia gama de estilos de mujeres que maneja la película. Podríamos decir que hay para todos los gustos, un punto fuerte dentro del cine Z que aquí se repite con creces, sin dudas.
Tarantino dirige desde la soberbia de saberse superior y con poder dentro de la industria para hacer lo que se le dé la gana, olvidándose del público que una vez depositó su confianza en él, allá por el lejano Pulp fiction”, cada vez más lejano…


Bonus:
Michey Rourke iba a interpretar en un principio a "Stunman Mike", pero luego recayó en Kurt Russell, el cuál conduce un Chevy Nova de 1971/1972. Anteriormente se le ofreció el papel a Kal Penn y a Sylvester Stallone, pero ambos lo rechazaron. Con la excepción de los cines en USA, “”Death proof” y “Planet terror” se estrenaron como películas individuales y tuvieron diferentes fechas de estreno en los cines de todo el mundo. Tarantino "envejeció" la película, añadiendo rasguños, suciedad y polvo para simular el aspecto de las verdaderas películas Grindhouse. Según el propio Quentin, la película es un homenaje a John Carpenter. "La película que tenía que haber rodado entre 1997: Rescate en Nueva York (1981) y La Cosa (1982). La actriz Zoe Bell, especialista al fin y al cabo en escenas de riesgo, rodó las secuencias peligrosas de la cinta, pero las dejaron para el final ya que antes rodaron las escenas de diálogo, no fuera a ser que se lesionase... Eli Roth abandonó momentaneamente el rodaje de Hostel 2 para rodar durante una semana su papel en Death Proof. " A Tarantino no se le puede decir que no" declaraba Roth.

Por qué hay que verla?: Para confirmar una vez más que Tarantino está sobrevalorado.

Puntaje: 2,5

TRAILER: