martes, 29 de septiembre de 2009

LOS EXTRAÑOS


Título original: The strangers
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 86 minutos
Dirección: Bryan Bertino
Elenco: Liv Tyler (Kristen McKay), Scott Speedman (James Hoyt), Gemma Ward (la muñeca), Kip Weeks (el enmascarado), Laura Margolis (chica Pin-Up), Glenn Howerton (Mike).



Sinopsis:
Kristen McKay (Liv Tyler) y James Hoyt (Scott Speedman) habían decidido pasar una noche especial en la aislada segunda residencia de la familia Hoyt. Al regresar a casa después de asistir a la boda de una amiga, el mundo de la feliz pareja se derrumba cuando alguien llama a la puerta a las 4 de la mañana y pregunta: "¿Está Tamara?"



Comentario:
No extraña que “Los extraños” haya tenido éxito de taquilla en el norte, ya que maneja un estilo de terror bastante innovador para esos lugares, pero poco original para el cine de terror europeo, sobre todo el francés. Es inevitable comenzar hablando de las similitudes que tiene este film con la franco-rumana “Ils”. Porque a pesar de lo que muchos piensan, “Los extraños” no es una remake de “Ils”, por lo menos no lo es declarada. Ambas historias cuentan sobre una pareja que está sola en una casa de campo, y en el medio de la noche unos extraños invaden su tranquilidad, con el simple objetivo de matarlos por diversión. Como verán las historias son idénticas, por lo tanto es difícil evaluar esta película sin olvidarse de su antecesor, pero lo intentaré de aquí en adelante.
Visualmente el film es muy interesante en su planteo. Con una iluminación bastante austera y puntual. Filmada cámara en mano, y con muchos encuadres extraños y, sobre todo con mucho movimiento de pulso, el novel director logra trasmitirnos el miedo y nerviosismo que viven la pareja. Tal vez lo problemas estén más sobre el guion, que por momentos cae en lugares comunes y pierde efectividad en la sorpresa. Otro punto en contra, es el juego el gato y el ratón que se plantea. Los extraños nunca dejan de ser el gato, controlan cada movimiento que la chica hace en busca del escape, lo que hace que la victima nunca traspase el límite de ser perturbada a escapar por su vida, por lo tanto se empantana en una misma idea y llega a perder algo de interés para el público.
La hermosa Liv Tyler se pasea por la película entre gritos y llanto un poco desmedidos por momento, pero era una parada difícil que supo salir airosa.
El final es lo peor de la cinta, pero a esa altura de los acontecimientos no nos imaginábamos otra cosa. En fin, la película entretiene y asusta, y para lo que es Hollywood hace una diferencia con ls media. Pero para ser una remake (aunque no declarada) perdió muchísimo de lo bueno que tenia “Ils”.



Bonus:
En otoño de 2004, Bryan Bertino dio el guión a su representante, Michael Connolly. Le gustó y pensó que no sería difícil venderlo, por lo que organizó una reunión con Vertigo Entertainment. El productor ejecutivo Sonny Mallhi y sus colegas de Vertigo, los productores Roy Lee y Doug Davison, leyeron el guión y estuvieron de acuerdo en que tenía una cualidad especial. Sonny Mallhi dice: “Era diferente de las otras películas de terror, también de las películas producidas por Vertigo. Tenía una fuerte dosis de realismo, dejaba la sensación de que podía pasarle a cualquiera”. Al productor ejecutivo no sólo le fascinó la calidad y belleza del guión, sino su desgarrador final. “Me atrajo la historia de amor de los dos protagonistas”, explica. “La profunda relación entre Kristen y James, dos personas que caen bien, es un elemento que no suele estar presente en este tipo de películas”. Vertigo compró el guión, y Bryan Bertino se apresuró en dejar su trabajo. “Estaba convencido de que ya no me haría falta trabajar como maquinista”, recuerda, riendo. Mientras seguía puliendo el guión, Vertigo ofreció compartir el proyecto con otra productora, Mandate Pictures, “The strangers” no tardó en tener oficina en Rogue Pictures, donde Vertigo ya se ocupaba de otros proyectos. Como es lógico, los productores hablaron con varios directores, pero todos querían adaptar el guión y personalizarlo. Finalmente, decidieron escoger al propio guionista, convencidos de que era el más idóneo para dirigir la película.

Puntaje: 6,0

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viernes, 25 de septiembre de 2009

EL TREN DE LA MEDIANOCHE


Título original: The midnight meat train
Género: Suspenso
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 98 minutos
Dirección: Ryûhei Kitamura
Elenco: Bradley Cooper (Leon Kaufman), Leslie Bibb (Maya), Brooke Shields (Susan Hoff), Vinnie Jones (Mahogany), Roger Bart (Jurgis), Barbara Eve Harris (detective Lynn Hadley), Peter Jacobson (Otto), Stephanie Mace (Leigh Cooper), Ted Raimi (Randle Cooper), Nora (Erika Sakaki), Quinton Jackson (Guardian Angel), Dan Callahan (Troy Talevski).



Sinopsis:
La dueña de una exitosa galería de arte le propone al fotógrafo Leon Kauffman (Bradley Cooper) llevar a cabo un trabajo sobre la parte más oscura del ser humano. Sabiendo que ésta es su oportunidad para el éxito, Kauffman comienza una búsqueda obsesiva sobre el tema más oscuro que pueda existir, empezando a seguir los pasos de un asesino en serie llamado Mahogany (Vinnie Jones), quien en el tren subterráneo descuartiza a sus víctimas que viajan en los servicios nocturnos. Aquí comienza un juego de obsesión que lleva al fotógrafo a meterse cada vez más profundo en los túneles de la ciudad hasta el punto de poner en riesgo su vida y la de su novia Maya (Leslie Bibb), embarcándose en un viaje a las profundidades del horror.



Comentarios:
Con tanta porquería que llega semana tras semana al cine de mi país, es una lástima que películas como estas queden relegadas a los estantes más escondidos del videoclub amigo. Y no es que sea una obra maestra, pero si cuenta con varios elementos que la hacen sumamente disfrutable.
Basado en un relato corto de la colección “Libros de sangre” del genial Clive Barker (que también es productor de la cinta), la película cuenta como un fotógrafo ingresa en la vida de un asesino, para poder lograr ese impacto en sus fotos que una talentosa agente le exige para exponerlas. Todos sabemos que es un camino sin retorno, aunque hasta el final de la propia película no pensamos que sea tan literal.
La película tiene varios puntos a favor. La dirección en lo que a lo visual se refiere, está por encima de la media, jugando con una muy intrigante fotografía y posiciones de cámara particulares, que de alguna manera reflejan el mundo que nos muestra. Pero no solo en el envase se queda este film, ya que la historia (de la cual no conviene revelar mucho más) tiene un buen gancho para manejar el suspenso. Y las vueltas de tuercas, finalmente nos conduce hacia el terreno típico de Barker, sobre los submundos paralelos al que habitamos. Si bien no es una película de terror, si contiene muchas escenas gore, y eso es un punto más a favor, ya que los asesinatos también están mostrados de una manera particularmente explicita para el deleite de los fans del gore.
Las actuaciones están más que correctas, con un Vinnie Jones interpretando al asesino de manera magistral, y con el acompañamiento de la hermosa Leslie Bibb que pasea su belleza a lo largo del film.
Para los amantes del suspenso y del gore, estamos frente a una película sumamente entretenida, con un guion inteligente y perverso, y un final merecido y provocador.
Este film marca el debut en Norteamérica del director japonés Ryûhei Kitamura (conocido por sus películas Versus y Azumi), tan ávido de importar jóvenes valores orientales en busca de darle un aire fresco al alicaído cine de terror americano. Por lo menos en este intento lo lograron, y no es poca cosa.



Bonus:
Clive Barker (nacido en Liverpool, Inglaterra, el 5 de octubre de 1952) es un escritor, director de cine y artista visual. Estudió Inglés y Filosofía en la Universidad de Liverpool. Barker es uno de los más aclamados autores de horror y fantasía, comenzando con escritos de horror al principio de su carrera, recogidas en la serie "Libros de Sangre" (Books of Blood), y la novela faustiana "El libro de las maldiciones" (The damnation game). Posteriormente se trasladó hacia el género de la fantasía moderna con toques de horror. El estilo más característico de Barker es la idea de que existe un mundo subyacente y oculto que convive con el nuestro, el rol de la sexualidad en lo sobrenatural y la construcción de mitologías coherentes, complejas y detalladas. Cuando se publicó "Libros de Sangre" en los Estados Unidos en una edición barata, la originalidad, intensidad y calidad de las historias hicieron que el popular autor Stephen King dijera de Barker: “He visto el futuro del horror y su nombre es Clive Barker” (parafraseando una famosa frase que se dijo de Bruce Springsteen en sus comienzos). Clive Barker ha reconocido públicamente su homosexualidad desde principios de los 90, mencionando su vida privada en las páginas de la publicación estadounidense "Advocate". Actualmente vive con su pareja, el fotógrafo David Armstrong, y su hija Nicole, en Los Ángeles, California, además de con muchas mascotas.

Puntaje: 7,0

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miércoles, 23 de septiembre de 2009

TROPA DE ELITE


Título original: Tropa de elite
Género: Acción
Año: 2007
Nacionalidad: Brasil, Holanda y EEUU
Duración: 115 minutos
Dirección: José Padilha
Elenco: Wagner Moura (capitán Nascimento), André Ramiro (André Matias), Caio Junqueira (Neto), Milhem Cortaz (capitán Fábio), Fernanda Machado (Maria), Maria Ribeiro (Rosane), Paulo Vilela (Edu), Fernanda de Freitas (Roberta), André Mauro (Rodrigues), Fábio Lago (Baiano).



Sinopsis:
Río de Janeiro, 1997. A Nascimento (Wagner Moura), capitán del BOPE (Batallón de Operaciones Especiales de la Policía), la tropa de élite de la Policía de Río, se le asigna el mando de uno de los grupos que tienen la misión de “pacificar” las favelas del cerro (morro) de Turano debido a la visita de Juan Pablo II, quien va a instalarse en una zona cercana. El capitán, bajo una presión constante, empieza a notar los efectos del estrés. Tiene que ejecutar las órdenes recibidas, mientras intenta encontrar un sustituto, ya que su mujer, Rosane (Maria Ribeiro), se encuentra en sus últimos días de embarazo y le pide constantemente que abandone la primera línea del Batallón. En estas condiciones, le llaman para otra emergencia más en una favela. Durante un tiroteo en una fiesta funk, Nascimento y los suyos tienen que salvar a dos aspirantes a oficiales de la policía: Neto (Caio Junqueira) y André Matias (André Ramiro). Deseosos de entrar en acción e impresionados por la actuación de sus salvadores, los dos se presentan como candidatos al curso de formación del BOPE.



Comentarios:
Hay veces que hacer publicidad basada en otra película exitosa ayuda. Pero hay veces que es contraproducente, porque el espectador va a buscar algo que dicho film no tiene, porque simplemente va detrás de un gancho publicitario sin demasiados fundamentos. Esto es lo que sucede con “Tropa de elite”, con una campaña fuertemente apoyada en su coterránea “Ciudad de Dios”, básicamente por ser dos “favela movie”. Porque mas allá de la participación de Bráulio Mantovani (el que adaptó la novela, y que aquí fue uno de los que adaptaron junto a su director Padilha y Pimentel), poco tienen que ver ambas películas.
“Tropa de elite” es una película de acción, con una historia bastante común entre las películas de comandos americanas. La gran diferencia es que se ambienta en un lugar tan increíblemente real como lo son las favelas de Rio.
Filmada cámara en mano en su totalidad, la película se enriquece por los diferentes entornos en el cual transcurre. Su director Jose Padilha (documentalista, que debuta aquí en ficción) logra por momentos transmitir imágenes y situaciones que se asemejan al documental, logrando que el espectador se olvide (por momentos) que está ante una ficción.
La historia es bastante simple, narra la vida de un capitán de la BOPE que a punto de retirarse, tiene que dejar su cargo ocupado por un novato, al cual elije y entrena. En clave dramática, el film transcurre entre narcos, policías corruptos y policías que no quieren serlo, pero nunca dejando la acción de lado. El director se centra demasiado en que la historia trascurra en un ámbito natural y real, y que la Tropa de elite este retratada lo más real posible al igual que la población de la favela, pero se desvincula absolutamente de los personajes, dejándolos deambular en soledad y sin tener ellos un camino claro y real. Entonces, el film se va lentamente transformando en una película más de acción, alejándose de esa profundidad con la que contaba la excelente “Ciudad de Dios”. Por ese motivo es que sin dejar de ser una película entretenida, “Tropa de elite” es un desperdicio. De cualquier manera, con la mínima historia, mucha acción y las favelas y sus mundos, le alcanza como para ser una película para recomendar, pero solo para pasar el rato.



Bonus:
El BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) es la tropa de élite de la policia de Rio de Janeiro, Brasil. Fue creado el 19 de enero de 1978 como el núcleo de la compañía de Operaciones Especiales. Su entrenamiento se asemeja al de los rangers, el SWAT y otro tipo de brigadas especiales. Cuentan con el apoyo del gobierno brasilero ya que en algunos casos, por su entrenamiento especial es el único grupo capaz de resolver conflictos que la policía convencional no puede.Actúa en operaciones de alto riesgo, incluidas las redadas en los barrios de favelas y las situaciones de enfrentamiento con los narcotraficantes utilizan armas de uso exclusivo de las fuerzas armadas. Por ese motivo, el grupo está equipado con armas de uso restringido a las Fuerzas Armadas brasileñas, como la ametralladora Heckler & Koch HK21 A1 calibre 7.62x51mm OTAN. Suelen utilizar métodos de tortura.

Puntaje: 6,0

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jueves, 17 de septiembre de 2009

FRONTIER(S)


Título original: Frontière(s)
Género: Terror
Año: 2007
Nacionalidad: Francia y Suiza
Duración: 108 minutos
Dirección: Xavier Gens
Elenco: Karina Testa (Yasmine), Samuel Le Bihan (Goetz), Estelle Lefébure (Gilberte), Aurélien Wiik (Alex), David Saracino (Tom), Chems Dahmani (Farid), Maud Forget (Eva), Amélie Daure (Klaudia),



Sinopsis:
Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. Los suburbios han estallado en protestas y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo. Un hostal aislado parece ser el refugio perfecto, pero sus problemas no han hecho más que empezar cuando descubran que sus propietarios son un grupo de degenerados neonazis.



Comentarios:
Este revuelto entre jóvenes revolucionarios franceses y neonazis no lo es tanto una vez terminada la revisión del film. Porque lo que es el prologo y toda su revolución, pierde fuerza y sentido una vez llegado al hostal cerca de la frontera. Es más, de hecho pudo haber sido otra excusa sin ninguna explosión social detrás. Si hubiesen sido cuatro amigos con el deseo de pasar unas vacaciones fuera de su ciudad, la historia funcionaria de la misma manera. Pero Gens quiso darle una especie de trasfondo sociopolítico al asunto, y lo único que logró es despistar a más de uno al comienzo (me incluyo), con el riesgo de perderlos en los primeros minutos. Pero yo me quedé, a pesar de que me dio mala espina, porque una historia tan pesada detrás, generalmente es contraproducente para la película, sobre todo si no vuelve al tema como aquí pasa.
No es que cuando llegaron al hostal la cosa cambió de forma radical, pero al menos nos encontramos con un film entretenido y lleno de sangre y escenas gore. No es para nada original, de hecho Hollywood cuenta con varias historias parecidas en su pasado. Pero entretiene, más que nada a los que somos fanáticos del terror real.
La historia comienza realmente cuando dos de los cuatro compañeros, se detienen en un hostal a pasar la noche. Allí, dos chicas los atiende muy amablemente (con sexo incluido, faltaba mas), para luego golpearlos y raptarlos. No vale la pena contar más, no porque sea una grata sorpresa, sino que las pequeñas sorpresitas van llevando a la historia hacia un desarrollo que genera cierto interés.
Lo interesante de esta película, es que el terror estaba allí esperándolo, no fue tras su búsqueda. Tampoco es un terror racional. Los malos son malos porque están dementes, y si la demencia es familiar mejor. Por lo tanto podemos esperar cualquier cosa, y eso es el ingrediente principal para que sigamos prendidos en el asunto.
Dentro del nuevo cine de terror francés, este film está muy por debajo de las principales películas. Pero eso no fue inconveniente para que tuviera un relativo éxito y su director terminara en Hollywood.



Bonus:
Sobre el tema del boom de cine de terror en Francia, Xavier Gens dice al respeto: “La situación es paradójica, porque nunca había sido tan difícil como ahora lograr que se vean nuestras películas. Además que el lado de la financiación no es lo peor del problema, ya que por ejemplo se puede recurrir a French frayeur de Canal+ como nosotros, o encontrar a alguien dispuesto a poner el dinero. No, lo más trágico es que existe una especie de censura que bloquea sistemáticamente que estas películas lleguen a distribuirse en las salas. El argumento es que películas como la mía, o las nuestras es que no se deberían proyectar en salas de barrio películas que no sean aptas para menores de dieciséis años, o que estas películas atraen a un tipo de público que va a crear problemas o a generar disturbios. En Francia ir al cine es un acto intrínsecamente burgués y elitista, y esta clase de cine es un cine popular. Hace cinco años precisamente nos acusaban de no atrevernos, de que las películas francesas de terror eran más tipo thriller, o eran demasiado comerciales y suaves, y tampoco nos iba mejor que ahora. Además, a las películas de las distribuidoras multinacionales no se les ponen impedimentos para exhibir películas de terror norteamericanas con tanta violencia o con más que Frontiere(s). Por eso pienso que el problema no es la brutalidad tanto como que los dueños de las salas tienen otras prioridades entre las cuales no hay espacio para nosotros”.

Puntaje: 5,0

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lunes, 14 de septiembre de 2009

MAX PAYNE


Título original: Max Payne
Género: Acción
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU y Canada
Duración: 100 minutos
Dirección: John Moore
Elenco: Mark Wahlberg (Max Payne), Mila Kunis (Mona Sax), Beau Bridges (B.B. Hensley), Chris "Ludacris" Bridges (James Bravura), Olga Kurylenko (Nathasha), Amaury Nolasco (Jack Lupino), Chris O'Donnell (Jason Colvin).



Sinopsis:
Max Payne (Mark Wahlberg) es un policía heterodoxo -un antihéroe mítico- decidido a dar con los responsables de los brutales asesinatos de su familia y de su compañera. Resuelto a vengarse caiga quien caiga, su obsesiva investigación le lleva a embarcarse en una odisea de pesadilla rumbo al tenebroso mundo del hampa. A medida que el misterio va aumentando, Max se ve obligado a combatir con enemigos de más allá del mundo natural y a enfrentarse con una traición inconcebible.



Comentarios:
En este triste momento que se vive en Hollywood, hasta los insípidos videojuegos sirven para inspirar a los pocos inspirados guionistas. Aquí nos enfrentamos ante uno de esos casos.
Basado en el videojuego que lleva su nombre, el guion de Max Payne es solamente una excusa para atrapar a los fanáticos del juego por más de una hora y media en el cine. Y en cierta manera lo lograron con éxito. Pero Max Payne es un dudoso entretenimiento para el público que desconoce el videojuego, ya que la historia no solo es poco convincente, sino que pierde en originalidad hasta el punto tal de ser por demás predecible. Pero vayamos por partes.
La película se ocupa desde el comienzo, de mostrarnos a este policía torturado por el asesinato de su familia, como único objetivo la venganza. Para ello, se involucra en los lugares más bajos de la ciudad en busca de las pistas que lo lleven hacia el asesino. Pero nada había descubierto, hasta que se topa con Natasha que luego de pasar por su departamento, es descuartizada en mil pedazos. A partir de ahí, comienza a desenredarse la madeja, para descubrir una red bastante más peligrosa y cercana de lo que creía.
Con esta mínima pero trillada historia, John Moore abusa de la tecnología actual para sorprendernos con escenas dignas del propio videojuego, pero no tanto de la cinematografía. Como yo nunca fui un fanático del videojuego, me pregunto qué es lo que buscan cuando se traslada al cine (más allá del dinero, por supuesto). Desde mi particular punto de vista, tal vez la humanización de los personajes (más allá de la evidente) debería ser lo más acertado, ya que le permite conocer un lado desconocido para el fanático. Pero tal vez no sea lo que ellos buscan, y solo quieran ver a su videojuego representado por actores y en una gran pantalla. Con efectos especiales sorprendentes, y la misma tonta historia del juego. No lo sé, pero en este caso primó la segunda opción, marginando al espectador como yo, que desconoce el juego, con ganas de haber visto algo más truculento. Porque el envase era llamativo, realmente.



Bonus:
Max Payne vio la luz en el año 2001, como un videojuego de acción en tercera persona y entorno 3D desarrollado para PC por la compañía finlandesa Remedy Entertainment, producido por 3D Realms y publicado por Gathering of Developers. Posteriormente, y gracias a su éxito, conoció diferentes versiones para otras plataformas de entretenimiento. El videojuego desarrolla su acción al estilo del cine negro más sórdido en el cual un detective marcado por su pasado, tendrá que luchar para demostrar su inocencia en un caso de asesinato. Así como verse las caras con los más temibles delincuentes de la ciudad. Como videojuego de culto, la web está plagada de cortometrajes basados en el mismo y que han alcanzado un notable éxito en el portal Youtube. Son dignos de reseña Max Payne Hero (de Chris Chen, 2003) y Max Payne: The Beginning of the End.

Puntaje: 3,5

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viernes, 11 de septiembre de 2009

EL LUCHADOR


Título original: The wrestler
Género: Drama
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU, Francia
Duración: 111 minutos
Dirección: Darren Aronofsky
Elenco: Mickey Rourke (Randy Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie Robinson), Mark Margolis (Lenny), Todd Barry (Wayne), Ernest Miller ("El Ayatollah"), Judah Friedlander (Scott).



Sinopsis:
“El luchador” nos narra la agonía profesional de Randy Robinson (Mickey Rourke), un luchador que en los años 80 había estado en la cumbre de la lucha libre profesional pero que ahora, 20 años después, sobrevive con exhibiciones en gimnasios de institutos y en cuadriláteros de tercera categoría. Olvidado por su hija (Evan Rachel Wood) e incapaz de mantener ninguna relación, Randy sólo vive gracias a la emoción del show y el apoyo de sus fans, pero un ataque al corazón le obliga a retirarse. Entonces, decide poner orden en su vida. Intenta acercarse a la hija que abandonó, a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia una stripper (Marisa Tomei).



Comentarios:
Diez años han pasaron ya desde su debut cinematográfico con la excelente Pi. En estos diez años tan solo pasaron dos películas, bastante más ambiciosas en su concepto y producción. Diez años en el cual Aronofsky ya no es el mismo chico de 29 años que con 60.000 dólares y una notable idea en la cabeza, realizó una película magnifica. Muchas cosas cambiaron. Pero diez años después de aquel debut, vuelve con lo que podríamos decir que es su película más intimista y dolorosa (que es mucho decir) de su corta carrera. Porque “El luchador” no es solo la vida de un sujeto que tuvo fama y dinero pero lo perdió todo. No es una especie de metáfora de la vida de Mickey Rourke (que bien podría serlo). Sino que en los ojos de Randy se refleja el dolor por el mundo en el que vivimos, en ese mundo de héroes descartables que el público y los medios de comunicación inventan para saciar sus propios deseos. Pero cuando las luces se apagan para siempre, queda el hombre desnudo, sin flashes que lo vuelvan a encandilar, y allí es cuando la vida les pasa factura por haberse dejado llevar por ese monstruo que no perdona, que es la fama.
Randy supo ser un héroe de la lucha libre profesional en la década de los 80, y como tal llevó una vida digna de su estatus. Derroches de dinero, fiestas y lujos, en contrapartida de la ausencia ante su familia. Hoy, lo único que tiene es una hija a la que hace años no ve. Nada más. No tiene ni ex mujer, ni padres, ni hermanos. Ni siquiera vecinos. Tan solo una prostituta a la cual, por unos dólares lo escucha mientras le hace un baile privado.
Ese es Randy. El que tiene que romperse el lomo más de lo aconsejable a su edad, para estar vigente dentro del circuito de lucha libre de baja categoría. El que tiene que trabajar en la rotisería de un supermercado vendiendo comida para las ancianas. El que no puede mantener ni una sola promesa, aunque sea a su hija.
Este es el personaje que nos regala Mickey Rourke, en lo que es su mejor interpretación, cuando todos lo creíamos terminado. Pero no, volvió con un personaje que se le parece mucho, solo que no tuvo a Aronofsky en su camino para cambiar su suerte. Randy no lo tuvo, Mickey sí.
La cámara de Aronofsky lo acompaña a través de su vida, permitiéndonos ingresar en su mundo como observadores. Sin justificar ni opinar, solo acompañándolo. Si bien el guion cae en algún cliché, es uno de los relatos más dolorosamente humano de los últimos años, en un personaje un poco distante, pero más cerca de lo que creemos.



Bonus:
Con el fin de captar la historia de Randy con un realismo desnudo y vigoroso, Darren Aronofsky efectuó una decisión singular: rodar las escenas de lucha libre como combates reales, sin especialista alguno, ante un público auténtico. “Quería proporcionarle a Mickey un ambiente tan natural y auténtico como me fuera posible para crear ese personaje”, comenta Aronofsky. Los realizadores prepararon una serie de combates para Rourke completado con promociones auténticas y una serie de peleas previas para mantener al público caldeado. Cuando llegaba el público, se le hacía un resumen de cómo iría el rodaje, aunque se les animaba a reaccionar del modo más natural ante la acción del ring a medida que ésta iba desplegándose.
Más tarde, Aronofsky hizo que el realismo extremo de las escenas de lucha libre resonara en las escenas del supermercado. “No teníamos el presupuesto suficiente para cerrar el supermercado” —explica el director—, “de tal modo que nos limitamos a rodar a los clientes que entraban. Así que cuando una mujer se acerca al mostrador y pide pollo, eso está ocurriendo realmente. Todo era improvisado y, pese a que Mickey no tenía ni idea de lo que estaba haciendo, la gente realmente regresaba a sus hogares con la comida que él les había servido en medio del rodaje de la película”. Sobre esta experiencia, Aronofsky dijo: “Lo que creo haber aprendido es que, para conseguir un film con fuerza, todo cuanto se necesita son interpretaciones honestas y una lente”.

Puntaje: 9,0

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miércoles, 9 de septiembre de 2009

SLUMDOG MILLIONAIRE: ¿QUIEN QUIERE SER MILLONARIO?


Título original: Slumdog Millionaire
Género: Drama
Año: 2008
Nacionalidad: Inglaterra
Duración: 120 minutos
Dirección: Danny Boyle
Elenco: Dev Patel (Jamal Malik), Freida Pinto (Latika), Madhur Mittal (Salim), Anil Kapoor (Prem Kumar), Irrfan Khan (inspector de policía), Ayush Mahesh Khedekar (joven Jamal), Azharuddin Mohammed Ismail (joven Salim)



Sinopsis:
Jamal Malik (Dev Patel), un joven huérfano que vive en una barriada pobre de Bombay, decide presentarse a la versión india del concurso: "¿Quién quiere ser millonario?". Ante la sorpresa de todos, Jamal responde correctamente a todas y cada una de las preguntas. ¿Cómo es posible que un chico como él sea capaz de conocer todas las respuestas? Cuando Jamal está a punto de responder a la última pregunta, la que le hará ganar 20 millones de rupias, la policía lo detiene y se lo lleva para interrogarle. Jamal deberá explicar por qué conocía las respuestas, teniendo que recurrir para ello a relatar diferentes momentos de su vida, que además ayudarán a desvelar la verdadera razón de su participación en el concurso.



Comentarios:
Viendo la carrera de Boyle, es extraño que haya dirigido este drama romántico, muy al estilo Hollywood pero con una escenografía bastante diferente a lo que estamos acostumbrados. Es extraño, pero por suerte fue así, ya que nos regalo un cuento maravilloso dentro de un envoltorio espectacular, redondeando una muy grata película. Diría que fue producto del destino, al igual que proclama Jamal su triunfo.
La historia se centra en los diferentes flashback con el cual Jamal, convence a la policía de que no hizo fraude, y simplemente respondió las preguntas del programa "¿Quién quiere ser millonario?", porque diferentes situaciones en su vida lo llevaron a recordar la respuesta. Tan simple como eso. Y a través de esos cuentos (algo de fábula, algo de realidad) Boyle nos lleva por un mundo tan misterioso como fascinante, en el cual por intermedio del joven Jamal, recorremos sus calles y sus mundos tan lejanos a los nuestros. Pero sin perder el buen gusto.
Pero lo más interesante del asunto, es que a pesar de parecer una película absolutamente opuesta al cine de Hollywood, es todo lo contrario. Es una apuesta al cine clásico americano. Es la historia del perdedor con su amor imposible, que luego de perder todo, renace de las cenizas para conseguir vivir con su amor y ser felices para siempre. Con ese esquema simple y clásico, se han construido un sinfín de grandes películas años atrás, y “Slumdog Millionaire” aparece en escena para reivindicar ese pasado tan menospreciado en estos últimos tiempos, pero de la mano de un ingles en la India.
La película claramente está dividida en dos partes un poco desiguales entre ellas. La primera parte, se centra en un joven Jamal y sus primeros pasos en la difícil vida que tiene por delante. Junto a su hermano intentan por todos los medios salir adelante, cada uno desde su propio lugar y entereza. Para luego darnos paso a una segunda parte, donde ambos hermanos ya son adolescentes, y las circunstancias y aspiraciones de cada uno los han separado. La primera parte constituye en los momentos más dramáticos y realistas del film, mientras que en la segunda mitad es donde la historia de amor toma un lugar de mayor importancia, para dejar el resto en un segundo plano.
Las actuaciones son otro punto a favor. Con varios actores no profesionales, logran construir un trabajo más realista, una exposición de esos mundos de manera más directa y más dura. Para destacar la fotografía y música original, dos joyitas que terminan de redondear una de las grandes propuestas cinematográficas del 2008. Y como pocas veces sucede, el Oscar tuvo un dueño justo.



Bonus:
Por increíble que parezca, la película ha tenido muchas controversias en la India, donde se afirmó que el filme reincidía en los estereotipos occidentales acerca de la pobreza en ese país y lo acusaron de hacer "pornografía de la pobreza". Tapeshwar Vishwakarma, representante de los habitantes de los tugurios, interpuso una demanda por difamación contra el compositor A.R. Rahman y el actor Anil Kapoor afirmando que la forma en que estos presentaban a los habitantes de los tugurios constituía violación a los derechos humanos. En su demanda, alegaba que el nombre de la película (Perro de Tugurio Millonario) era peyorativo y exigía que la palabra perro fuera retirada del título. Estas denuncias fueron apoyadas con protestas realizadas por los habitantes de los tugurios en muchas partes de la India.

Puntaje: 9,0

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lunes, 7 de septiembre de 2009

ESPEJOS SINIESTROS


Título original: Mirrors
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 112 minutos
Dirección: Alexandre Aja
Elenco: Kiefer Sutherland (Ben Carson), Paula Patton (Amy Carson), Amy Smart (Angela Carson), Cameron Boyce (Michael Carson), Erica Gluck (Daisy Carson), Jason Flemyng (Larry Byrne).



Sinopsis:
Ha pasado casi un año desde que el inestable detective Ben Carson (Kiefer Sutherland) fuera suspendido de su trabajo en el Departamento de Policía de Nueva York tras haber disparado fatalmente a otro policía que trabajaba de incógnito, un accidente que no sólo le costó su empleo, sino que le llevó al alcoholismo y desató la ira que le alejó de su mujer e hijos. Ansioso por superarlo y reunirse de nuevo con ellos, Carson se emplea como vigilante nocturno en las calcinadas ruinas de los almacenes Mayflower. Lo que una vez fue símbolo de prosperidad y opulencia ahora va deteriorándose en la oscuridad, devastado por un gigantesco fuego que se cobró muchas vidas inocentes. Mientras patrulla por los espeluznantes y chamuscados restos de los almacenes, Ben advierte algo siniestro en los fastuosos espejos que adornan sus paredes. En su inmenso cristal se reflejan unas imágenes terroríficas que le inquietan profundamente. Además de proyectar terribles imágenes del pasado, parece que los espejos también manipulan la realidad. Mientras investiga la misteriosa desaparición del guarda de seguridad de los almacenes y la posible conexión con sus fantasmagóricas visiones, Carson se da cuenta de que una malévola fuerza sobrenatural está usando los reflejos como puerta de entrada para aterrorizarles.



Comentarios:
Los espejos siempre fueron motivo de leyendas, desde los cuentos tradicionales a los cuentos de hadas, desde la superstición a la religión. Sobre todo leyendas sobre el contacto con el mundo oscuro, sobre reflejar lo que cada uno de nosotros no queremos ver de nosotros mismos.
En estos básicos conceptos, es que el francés Alexandre Aja escribió su segunda película en Hollywood, basándose en una película asiática que tomaba el tema de los espejos, pero redireccionandolo. La historia gira en torno a un ex policía retirado prematuramente, que por necesidad laboral acepta el trabajo de vigilante nocturno de una vieja construcción abandonada en pleno Manhattan. Hasta aquí nada tendría de extraño, de no ser por las apariciones sobrenaturales que visualiza a través de los tantos espejos que hay dentro de la casa abandonada.
En esta película Alexandre Aja cambia la formula que le ha dado tanto éxito, para transitar por el camino de lo sobrenatural, y no le ha sido tan fácil como hubiese querido. La historia central es bastante poco consistente, es una historia que se basa en una idea muy interesante que es lo sobrenatural en algo tan cotidiano como es el reflejo. Cuando el descubre la dimensión del terror, se enfrenta a un mundo que está rodeado de reflejos vaya por donde vaya, y la lucha contra ese problema es de los mejores momentos. El problema radica en lo poco convincente del argumento, como si la sola idea plasmada anteriormente, junto a una excelente locación como lo es la gigante casa abandonada Mayflower alcanzaran para mantener al público interesado en seguir una historia que se va deshilvanando con el correr de los minutos. Lo curioso del caso, es que la película comienza con una escena que cumple el cometido de mostrarte la clase de mal que habita en el lugar, bastante antes de que el protagonista entre en contacto con ella. De alguna manera de marca la cancha perdiendo bastante, sobre todo cuando Ben ingresa por primera vez al lugar, uno ya sabe exactamente con lo que se va a encontrar. De cualquier manera, más allá de algunas puntuaciones negativas, tiene escenas muy bien logradas y sobre todo escalofriantes, que la hacen bastante más llevadera de lo que el argumento amerita.
Por su parte, Kiefer Sutherland se defiende bien con su papel de ex policía atormentado, que por otro lado no es un papel que le haya sido del todo ajeno en su carrera. Completa el reparto la bellísima Paula Patton sin mucho más para dar, sobresaliendo el chico que interpreta al hijo de Ben, que logra comunicarse con los espíritus a través de los reflejos.
La película no es espantosa, pero viniendo de un director con promisoria carrera como Aja debemos esperar mucho más de lo demostrado aquí.



Bonus:
“Espejos siniestros” se rodó casi en su totalidad en Bucarest (Rumanía), con excepción de los exteriores principales, que se rodaron en Nueva York. Los creadores eligieron la ciudad por su edificio de la Academia de Ciencias, una poderosa estructura mandada construir por el dictador comunista Nicolae Ceausescu, que se dejó sin terminar tras su ejecución en 1989. Alexandre Aja concibió el edificio de la Academia como la mejor localización para los amenazantes almacenes Mayflower.

Puntaje: 4,5

TRAILER:
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jueves, 3 de septiembre de 2009

JUEGOS SINIESTROS


Título original: Sleuth
Género: Drama
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 87 minutos
Dirección: Kenneth Branagh
Elenco: Michael Caine (Andrew Wyke), Jude Law (Milo Tindle).



Sinopsis:
Un millonario (Michael Caine), autor de novelas policíacas, une su ingenio con un actor en paro (Jude Law), que se fugó con su mujer, en un juego terriblemente serio y sumamente retorcido que traerá peligrosas consecuencias.



Comentarios:
Hay una pregunta que siempre sobrevuela en el ambiente cinematográfico cada vez que aparece alguna película como esta: Son necesarias las remakes? Y sobre todo si se trata, como en este caso, de una película clásica dirigida por un gran director e interpretada por Sir Lawrence Olivier…
El punto es que poco le importó a Jude Law, que ni lerdo ni perezoso, produjo esta remake ya que (seguramente) vio un vehículo para su tan buscada consagración actoral. Convocó al dudoso Kenneth Branagh para la dirección, y a Michael Caine para que interpretara nuevamente esta historia, solo que esta vez le tocó interpretar el papel de Andrew, dejándose Law reservado el papel del joven amante Milo.
De la historia es conveniente no revelar mas de lo dicho hasta el momento, pero es bueno aclarar que es poco convencional para el cine, ya que se trata de un duelo entre dos personajes en la mansión de uno de ellos. Nada más…Nada menos. Es el juego del gato y el ratón, de reflejarse en los demás y como los demás se reflejan en uno. De la humillación hacia el otro como redención.
Aquí Branagh nos hace voyeur del conflicto entre esposo engañado y amante, usando encuadres extremadamente sugerentes por sus posiciones. A la vez, juega con las cámaras de vigilancias (que son demasiadas) como si la casa tuviera vida propia, y de esta manera la muestra como el tercero en cuestión. El problema radica en que tanta elaboración en los planteamientos de cámara, termina jugándole en contra, ya que la depuración de estos elementos hubiera permitido disfrutar el film de la manera que realmente deberíamos, sin tantos artilugios.
Si esta película hubiera sido Caine-Law, mientras Branagh registra ese contrapunto, estaríamos hablando de un muy buen ejercicio actoral. Pero Branagh no pudo con su genio, y también quiso participar de forma activa, tomando un lugar que provoca irritación en algún punto y lleva a distraernos de lo más importante, como son los diálogos y puesta en escena de los personajes.
De cualquier manera la adaptación (escrita por el ganador del premio Nobel Harold Pinter) tiene sus buenos momentos, y junto a la gran actuación de Cain, bien acompañado por Law, nos permiten presenciar una extraña película para los tiempos que corren.
Viendo este film y volviendo a la pregunta del principio, diría que no, que es absolutamente innecesario que toquen grandes obras de la cinematografía, pero lamentablemente no todos lo creen de ese modo.



Bonus:
“Sleuth” es una remake de la película llamada del mismo nombre, dirigida por Joseph L. Mankiewicz que en el año 1972 filmó la adaptación de la obra teatral de Anthony Shaffer, interpretada por Laurence Olivier y Michael Caine en el papel que interpreta Jude Law. Este film supuso el cierre de una gran carrera de su director. También fue nominada a cuatro premios Oscars (director, musica y los dos actores), aunque no se llevó ninguno.

Puntaje: 4,0

TRAILER:
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