jueves, 29 de octubre de 2009

EL ATAQUE DE LAS ARAÑAS


Título original: Eight legged freaks
Género: Comedia de horror
Año: 2002
Nacionalidad: EEUU y Australia
Duración: 99 minutos
Dirección: Ellory Elkayem
Elenco: David Arquette (Chris McCormack), Kari Wuhrer (Sheriff Sam Parker), Scott Terra (Mike Parker), Scarlett Johansson (Ashley Parker), Doug E. Doug (Harlan), Rick Overton (Diputado Pete), Leon Rippy (Wade), Matt Czuchry (Bret), Jay Arlen Jones (Leon), Eileen Ryan (Gladys), Riley Smith (Randy), Matt Holwick (Larry), Jane Edith Wilson (Emma), Roy Gaintner (Floyd), Don Champlin (Leroy).


Sinopsis:
“El ataque de las arañas” comienza con un barril de desperdicio tóxico cayendo accidentalmente a un lago en las cercanías de un pequeño pueblo en Arizona, Estados Unidos. El material afecta paulatinamente a la fauna local, incluyendo los insectos que un entomólogo usa para alimentar a las exóticas arañas que mantiene en su museo como débil atracción de turistas. Las arañas comienzan a crecer. La sheriff Parker (Kari Wuhrer) y un grupo de vecinos encabezados por Chris McCormack (David Arquette), dueño de las minas locales, tendrán que enfrentarse a la amenaza arácnida para salvar lo que quede de la pequeña comunidad.


Comentarios:
Si bien nunca fui fanático de las películas de monstruos gigantes, que fueron muy populares en la década del 50, debo reconocer que al menos me llamaron la atención, sobre todo por el grado de demencia que significa una película en la cual arañas, ratas, hormigas, o cualquier tipo de insecto crece hasta llegar a ser gigante y atacar a los humanos.
Haciendo una muy breve reseña nos podemos acordar de “La humanidad en peligro” (1954) donde los protagonistas se enfrentan a unas hormigas gigantes producto de mutaciones generadas por radiaciones nucleares; “Monster from Green Hall” (1957) donde los humanos huían de avispas gigantes; "Beginning of the end" (1957) en el cual una plaga de saltamontes gigantes invaden los bosques de Illinois; o "Attack of the giant leeches" (1959) donde una especie de sanguijuelas gigantes infestan los pantanos y desarrollan un gusto particular por la carne humana. Estos son algunos de los ejemplos, de los cuales en todos los casos el gigantismo era producto de algún desecho toxico que se perdía por el lago de manera misteriosa o trágica, provocando dicha mutación.
Pasaron más de cincuenta años, y la sociedad ha perdido el miedo hacia los experimentos con productos tóxicos o radiaciones nucleares y sus consecuencias, y con ello se llevó el cine de monstruos. Pero por suerte, de tanto en tanto aparece alguna película para recordarnos ese cine tan inocente.
“El ataque de las arañas” forma parte de ese grupo. Aquí la formula es exactamente la misma a la que se utilizaba cincuenta años atrás. Un camión con desechos tóxicos tiene un pequeño accidente en la ruta y pierde un barril que se cae a un lago. Un entomólogo que utiliza insectos para alimentar a sus extrañas arañas es el causante de que ellas crezcan hasta dimensiones inesperadas, ya que dicho alimento toxico se transforma como esteroides para las arañas. Claro que el tiempo pasa inexorablemente para todos, y Ellory Elkayem consciente de ello, no se toma en serio el tema, y en clave de homenaje la película se desarrolla a mitad de camino entre el horror y el humor en iguales dosis. La historia ocurre en un pequeño pueblo perdido de Estado Unidos, en el cual el alcalde actúa según sus propios interesases y no los del pueblo. La paz está garantizada por una sheriff que impone la ley, acompañada por un asistente un poco tonto. Por supuesto que es divorciada con hijos, de los cuales la hija adolescente (una sorprendente juvenil Scarlett Johansson) pasa por la etapa de rebeldía, mientras el hijo menor es el cerebrito que descubre la mutación de las arañas ante las burlas del pueblo. El orden aparente, parece desmoronarse cuando llega un forastero que no es tal. Chris, que hace diez años se alejó del pueblo y hoy vuelve para plantearle su amor incondicional al sheriff. Y están las arañas. Y el loco que las colecciona, que es el primero en morir.
Con todo este panorama cliché desde el comienzo hasta el final, el novel director Elkayem se encarga de rememorarnos ese clima de matinée (que en particular me encanta), y sin tomarse la historia en serio se va desarrollando ágilmente hacia un final tan esperado como tonto. A diferencia de las clásicas películas, aquí no hay un héroe tan marcado, sino que los principales actores de esa sociedad, cada uno ayudará para poder salir de este difícil conflicto.
Hay sobresaltos, hay risotadas. La película vale la pena, es inteligentemente tonta. Por más que los efectos visuales sean bastante buenos, el film tiene en su atmosfera un aire de clase Z que nos hace pasar un momento por demás agradable.


Bonus:
“Roland Emmerich y yo estuvimos hablando acerca de las películas de la década de 1950 “Tarántula” y “La humanidad en peligro”, dice el productor Dean Devlin. “Estuvimos de acuerdo en que nadie había hecho películas como aquellas en mucho tiempo”. Lo que los productores no sabían entonces es que el cineasta de Nueva Zelanda Ellory Elkayem había escrito, producido y dirigido poco antes “Larger Than Life”, un cortometraje de ciencia-ficción en blanco y negro de 13 minutos, al estilo de 1950, sobre una pequeña araña que en contacto con una sustancia tóxica crecía hasta proporciones descomunales y aterrorizaba a una mujer en su casa. Se trataba de una interesante combinación de humor, terror y suspense. Después de que este cortometraje fue estrenado con éxito en el Telluride Film Festival, el Productor Ejecutivo Peter Winther lo mostró a Emmerich y Devlin. “El estilo del cortometraje de Ellory era precisamente el mismo del que habíamos estado hablando”, menciona Devlin. “Sabíamos que esta era una oportunidad para revitalizar un género dormido”. “Nos centramos en cinco tipos diferentes de arañas: las arañas escupidoras, las arañas argiope, las tarántulas, las arañas saltadoras y las arañas de tapadera. Cada una de ellas tiene sus propios movimientos y sus propias personalidades. En nuestra película se comportan exactamente como les han dictado siempre sus instintos naturales. Todo esto es realista, sólo que las arañas son más grandes”.

Puntaje: 7,0

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sábado, 24 de octubre de 2009

UN NOVIO PARA MI MUJER


Título original: Un novio para mi mujer
Género: Comedia
Año: 2008
Nacionalidad: Argentina
Duración: 100 minutos
Dirección: Juan Taratuto
Elenco: Adrián Suar (el Tenso), Valeria Bertuccelli (la Tana), Gabriel Goity (Cuervo Flores), Marcelo Xicarts, Martín Salazar, Luis Herrera.


Sinopsis:
El Tenso (Adrián Suar) no sabe cómo enfrentar a su mujer, la Tana (Valeria Bertuccelli), para decirle que se quiere separar, ya que la relación se le hace insostenible debido a su terrible carácter. Ella vive constantemente malhumorada: si no protesta por el tiempo, es por el gobierno; si no es por los vecinos, es por los jóvenes, o por los viejos… o por lo que fuere. Carlos, amigo del Tenso, le sugiere invertir el problema… y provocar que la Tana lo abandone a él. ¿Cómo? se pregunta el Tenso, y Carlos le presenta una propuesta: recurrir al Cuervo Flores (Gabriel Goity), un viejo seductor irresistible que seducirá a su mujer hasta el enamoramiento para que por fin el Tenso encuentre la solución a sus problemas…


Comentarios:
“Un novio para mi mujer” es la tercera película de Juan Taratuto, y la primera que dirige sin haber participado en el guion, y eso se nota a pesar de haber sido escrita por Pablo Solarz, que cuenta en su currículo con películas tales como “Historias mínimas”, la serie “Tiempo final” e inclusive coescribir ¿Quien dijo que no es fácil? con el propio Taratuto. Porque algo se quedó en el camino, y esta película no llega al nivel de sus dos anteriores.
Aquí el protagonista es Adrian Suar, que está casado con la Tana, una mujer insoportablemente quejosa y negativa las veinticuatro horas del día. Ya cansado de su humor, decide sacársela de arriba contratando al Cuervo Flores para que la seduzca y la saque de su lado. Este es el punto de partida para una historia bastante más absurda de lo que Taratuto nos tenía acostumbrado. Porque La Tana es llevada a un extremo en su malhumor, a tal punto que promediando la película logra sacarle rédito a ese insoportable defecto, en un programa de radio poco creíble. Pero no todo es malo. La historia tiene puntos muy buenos, en donde pasamos momentos sumamente divertidos, como la escena en el cumpleaños de un amigo de El Tenso, por citar un caso. El principal problema está en la historia , ya que peca de simple y en ningún momento logra sorprendernos, hasta diría que es demasiada predecible, inclusive en sus supuestas “sorpresas” que no llegan a ser tales. Pero como en toda película de Taratuto, siempre nos encontramos con escenas muy bien resueltas, que en definitiva nos hacen pasar una entretenida hora y media, que no es poca cosa.
El punto fuerte es, sin lugar a dudas, las actuaciones. Valeria Bertuccelli en el papel de La Tana hace un trabajo magistral en un papel bastante difícil. Adrian Suar como siempre correcto, sin sobresaltar. Y el “Puma” Goity manejando ese humor absurdo que tan bien le sienta.
Tal vez sea un punto bajo en la carrera del director, pero de todas formas no defrauda y nos permite pasar un rato ameno.


Bonus:
La película se estrenó en Argentina con gran éxito estando 8 semanas en el primer puesto en recaudaciones y 11 en total estando entre las películas más vistas de los fines de semanas. Fue vista por más de 1.330.000 personas y fue la película argentina más vista de año y la cuarta película más vista en el año. Muchos diarios la criticaron muy bien, pero igual no fue elegida para los Oscar ni para los Goya por su país. De cualquier manera, Patagonik (empresa que ya vendió derechos a los Estados Unidos para remakes de filmes como Nueve reinas -que se hizo- y El hijo de la novia -que nunca se concretó-) vendió los derechos a Warner Bros. para hacer la remake norteamericana. Según dijo Suar, Warner le ofreció la película a la productora de Steve Carell (Super agente 86, Virgen a los 40) para que el actor la protagonice. Carell tiene un acuerdo con Warner para desarrollar proyectos en sociedad. Según Suar, "Carell vio la película y le gustó... Ojalá que se pueda concretar con él".

Puntaje: 6,0

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jueves, 22 de octubre de 2009

NO TE METAS CON ZOHAN


Título original: You Don't Mess with the Zohan
Género: Comedia
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 113 minutos
Dirección: Dennis Dugan
Elenco: Adam Sandler (Zohan), John Turturro (Fantasma), Emmanuelle Chriqui (Dalia), Nick Swardson (Michael), Lainie Kazan (Gail), Rob Schneider (Salim), Ido Mosseri (Oori), Dave Matthews (James), Michael Buffer (Walbridge), Charlotte Rae (Sra. Greenhouse), Sayed Badreya (Hamdi).


Sinopsis:
Zohan (Adam Sandler) es un agente israelí del Mossad que finge su propia muerte con el propósito de cumplir su sueño: convertirse en peluquero en la ciudad de Nueva York. Aunque quiere dejar atrás su anterior vida como antiterrorista, pronto se da cuenta de que no es tan fácil escapar de sus raíces. Enemigos nuevos y antiguos intentarán eliminarlo, pero al final todos aprenderán una misma lección: no debes meterte con Zohan.


Comentarios:
Zohan lo tiene todo. Dinero, fama y lindas mujeres a su alrededor. Solo que tiene una pequeña frustración que no le permite continuar con su vida sin sentir un vacío interior. A pesar de ser el agente israelí mas importante y venerado, muy dentro de sí, esconde su verdadera vocación: peluquero. Para cumplirla, se hace pasar por muerto en un enfrentamiento con su peor enemigo, y se escapa hacia Nueva York en busca de su tan ansiado deseo de trabajar en una peluquería.
Con esta absurda pero hilarante premisa, Adam Sandler vuelve a sorprendernos con un personaje increíblemente bizarro. Zohan llega a “la gran manzana” con una personalidad escondida, la cual quiere enterrar. Pero claro, él es así, y en situaciones cotidianas reacciona el guerrillero para destrabar conflictos, de manera demasiada radical, generando los mejores momentos reideros. La película sigue al personaje durante su intento de adaptarse a la ciudad, cosa que le será por demás fácil ya que su ingenuidad le permitirá rápidamente generar una amistad con un simpático pero torpe muchacho que lo ayudará a lograr su objetivo. En ese camino, nos encontramos con muchísimas situaciones graciosas, de las cuales algunas te sacan una risotada y otras no tanto, lo que hace que se vuelva un poco tonta y soez por momentos, con chistes que no logran su objetivo.
Lo que sí es interesante es el trasfondo cultural que contiene. En un mundo donde musulmanes y judíos se disputan la tierra santa desde hace muchísimo tiempo, cuando huyen hacia América en busca de prosperidad tienen que compartir el vecindario de la mejor manera. Y si bien no tienen las mejores relaciones, pueden convivir en paz. Pero Zohan llega al vecindario con el solo objetivo de trabajar en una peluquería, y deja de lado sus raíces y hace lo que parecería imposible para una persona como él: trabajar para una musulmán. Por supuesto que ella es muy hermosa y desea la paz mundial, faltaba más…Pero Zohan no lo hace porque se haya enamorado ni mucho menos (por supuesto que finalmente se enamorarán), simplemente porque fue la única que le abrió la puerta. Y él no tardará en devolverle la gentileza, ya que gracias a su potencia sexual, se convierte en un suceso, no tanto por el peinado sino que más bien por el trabajito sexual que viene de “yapa” con el corte de pelo. Pero no todo es prosperidad para Zohan, porque un musulmán lo reconoce y tratará de conectarse con su enemigo llamado “Fantasma”, que lo creía muerto, para que lo mate definitivamente.
Una curiosidad es la cantidad de cameos de personalidades famosas que hay a lo largo del film. Desde Chris Rock como chofer de taxi jamaiquino, Mariah Carey cantando y actuando de ella misma, John McEnroe y Kevin James actuando juntos, y hasta el propio director Dennis Dugan que se reservó un pequeñísimo papel.
En esta comedia intercultural, donde los judíos son buenos y los musulmanes malos (Que esperaban??!!), logramos reírnos por momentos, pero no llega a ser del todo satisfactoria la experiencia. Tal vez debamos hacerle caso a las personas que eligieron el nombre del film, y no deberíamos meternos con Zohan.


Bonus:
Cuando Adam Sandler decidió aceptar Zohan, se comprometió con el papel. Trabajó muy duro. Se entrenó con un marine de élite durante cuatro meses, levantando pesas, corriendo varios kilómetros, haciendo abdominales, sin snacks. También trabajó en su acento israelí. Recibió ayuda de la supervisora del guión Ronit Ravich-Boss, que es de Israel. Ayudó a Sandler con la pronunciación y el uso de las palabras. Además, fue útil tenerla cerca. “A veces Adam le preguntaba a Ronit si conocía la palabra hebrea para algo”, dice Dugan. “Si la palabra nos sonaba graciosa, Adam la usaba". Otro asesor de Sandler fue Eytan Ben-David, quien, al más puro estilo en que la realidad imita la ficción, es un antiguo soldado israelí que ahora trabaja en una peluquería de Los Ángeles. Ben-David quedó con Sandler y le dio consejos sobre cómo actúa un peluquero, cómo coge las tijeras y la jerga que utilizan. Dicho esto, darle vida a Zohan no fue todo cuestión de laca y acondicionador. Sandler se puso en muy buena forma para interpretar al agente antiterrorista. El otro asesor clave de Sandler fue el coordinador de especialistas Scott Rogers, veterano de Spider-Man 2 y 3 y Sky High, una escuela de altos vuelos. Tal y como explica Dugan, Scott estuvo a cargo de hacer alarde de las extraordinarias habilidades de Zohan. “Queríamos que todos los especialistas parecieran tan frescos y originales como fuera posible", dice Dugan. “No queríamos que los especialistas fueran cómicos, del estilo de Jackie Chan, sino reales, brutales, que dieran miedo y tan terroríficos como fuera posible y, cuando se pudiera, mostrar a Zohan haciéndolo”.

Puntaje: 5,5

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lunes, 19 de octubre de 2009

BELLE EPOQUE


Título original: Belle epoque
Género: Comedia
Año: 1992
Nacionalidad: España, Portugal y Francia
Duración: 109 minutos
Dirección: Fernando Trueba
Elenco: Gabino Diego (Juanito), Penélope Cruz (Luz), Ariadna Gil (Violeta), Maribel Verdú (Rocío), Miriam Díaz-Aroca (Clara), Fernando Fernán Gómez (Manolo), Jorge Sanz (Fernando), Agustín González (Don Luis), Chus Lampreave (Doña Asun), Mary Carmen Ramirez (Amalia), Michel Galabru (Danglard).


Sinopsis:
Poco antes de la guerra civil, el joven Fernando (Jorge Sanz), decide desertar. Se esconde en una finca del campo y es acogido por un pintor excéntrico llamado Manolo (Fernando Fernán Gómez), también retirado por sus ideas políticas. Fernando encuentra allí a las cuatro hijas de su mentor: Rocío (Maribel Verdú), Violeta (Ariadna Gil), Clara (Miriam Díaz-Aroca) y Luz (Penélope Cruz), con las que entabla relaciones sucesivamente, en la duda de saber de quién enamorarse.


Comentarios:
Es curioso como los premios le cambian la historia a una película. Sobre todo si ese premio es nada más ni nada menos que el tío Oscar, y esa película es la segunda de su país en llevárselo. Algo de eso pasó con este film de Fernando Trueba, que no solo ganó el Oscar, sino que también arrasó con los Goya de ese mismo año.
La historia se centra en Fernando, un joven desertor que llega a un pueblo donde es acogido por Manolo, que tiene cuatro hijas que son la delicia y el sueño de cualquier hombre, y no solo por su belleza. Fernando ira cayendo en las redes que le tenderán cada una de ellas, en un juego en el cual el hombre es la víctima. La historia tiene un encanto muy particular, Trueba nos propone entrar en este mundo de seducción sin tapujos, en donde el deseo es el leitmotiv, por sobre todas las cosas. Desde un primer momento, Fernando es engañado por esa cuarteta cuando se las cruza en la estación de trenes y decide quedarse. Creyendo que con su encanto podrá atrapar a las chicas, abandona su viaja hacia Madrid para quedarse unos días más en casa de Manolo, y en compañía de sus hijas.
La primera en tenderle una trampa amorosa es Violeta. Y Fernando no solo cae en su falda sin más, sino que se enamora al primer revolcón. Lástima que Violeta es lesbiana, y solo quiso cumplir una fantasía bastante particular. De esta manera da comienzo ese periplo por las faldas de las diferentes hermanas, a los ojos de Luz, la más chica e inocente, que si se enamora de Fernando, aun a sabiendas de las andanzas con sus hermanas. Es muy interesante como se nos va revelando las intenciones de las chicas, verdaderas manipuladoras, y no solo de Fernando sino también de Juanito, joven que esta perdidamente enamorado de Rocío, pero que su madre (otra relación de dominación femenina) no ve con buenos ojos.
Trueba nos propone un juego de manipulación y dominación, partiendo de la seducción hasta el sexo, todo será cuando y como quieran las chicas. Tiene algo de paraíso y de infierno, al igual que ellas. Al igual que una época que cambió para siempre el concepto de la sociedad.
Belle Epoque es una película coral, con un elenco en donde sobrepasan las mujeres, principalmente la cuarteta que componen a las hijas de Manolo, donde da muchísima curiosidad ver a Penélope Cruz tan joven, en un papel lleno de inocencia, totalmente diferente a lo la hemos visto estos últimos años.


Bonus:
La “Belle Époque” (del francés: “Época Bella”, con un matiz, además de estético, de pujanza económica y satisfacción social) es una expresión nacida tras la Primera Guerra Mundial para designar el periodo de la historia de Europa comprendido entre la última década del siglo XIX y el estallido de la Gran Guerra de 1914. Esta designación respondía en parte a una realidad recién descubierta que imponía nuevos valores a las sociedades europeas (expansión del imperialismo, fomento del capitalismo, enorme fe en la ciencia y el progreso como benefactores de la humanidad); también describe a una época donde las transformaciones económicas y culturales que generaba la tecnología influían en todas las capas de la población (desde la aristocracia hasta el proletariado), y también este nombre responde en parte a una visión nostálgica que tendía a embellecer el pasado europeo anterior a 1914 como un paraíso perdido tras el salvaje trauma de la Primera Guerra Mundial.

Puntaje: 6,5

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viernes, 16 de octubre de 2009

HABLE CON ELLA


Título original: Hable con ella
Género: Drama
Año: 2002
Nacionalidad: España
Duración: 112 minutos
Dirección: Pedro Almodovar
Elenco: Javier Cámara (Benigno), Leonor Watling (Alicia), Darío Grandinetti (Marco), Rosario Flores (Lydia), Geraldine Chaplin (Catarina), Mariola Fuentes (Rosa), Roberto Álvarez (Doctor), Chus Lampreave (Consuegro), Fele Martínez (Alfredo), Elena Anaya (Ángela), Lola Dueñas (Matilde).


Sinopsis:
El telón de rosas color salmón y grandes flecos dorados que cubre el escenario, se abre para ver un espectáculo de Pina Bausch, Cafe Müller. Entre los espectadores, dos hombres están sentados juntos por casualidad, no se conocen. Son Benigno (un joven enfermero) y Marco (un escritor de cuarenta y pocos años). En el escenario, completamente lleno de sillas y mesas de madera, dos mujeres con los ojos cerrados y los brazos extendidos se mueven al compás de "The Fairy Queen" de Henry Purcell. La pieza provoca tal emoción que Marco rompe a llorar. Benigno puede ver el brillo de las lágrimas de su casual compañero, en la oscuridad del patio de butacas. Le gustaría decirle que a él también le emociona el espectáculo, pero no se atreve. Meses más tarde, los dos hombres vuelven a encontrarse en la Clínica "El Bosque", una clínica privada donde Benigno trabaja. Lydia, la novia de Marco, torera de profesión, ha sufrido una cogida y está en coma. Benigno justamente se ocupa del cuidado de otra mujer en coma, Alicia, una joven estudiante de ballet. Cuando Marco pasa junto a la puerta de la habitación de Alicia, Benigno no duda en abordarlo... Es el inicio de una intensa amistad... tan lineal como una montaña rusa. Durante el tiempo suspendido entre las paredes de la clínica, la vida de los cuatro personajes fluye en todas las direcciones, pasado, presente y futuro, arrastrando a los cuatro a un destino insospechado.


Comentarios:
Los hombres mirados a través de las historias femeninas y de los ojos de Almodóvar. De eso se trata esta nueva película del genial director manchego. Y si, es de destacar, ya que su carrera se ha cimentado en historias femeninas u homosexuales. Pero claro, no es que hayan quedado de lado, ya que Benigno y Marco se conocen a través de dos mujeres encerradas en un coma profundo. Marco llega a la clínica para acompañar a su novia, que tras una cogida de toro cae en un profundo coma. Mientras Benigno, enfermero de profesión, cuida muy atentamente a Alicia, una joven estudiante de ballet que tras sufrir un accidente cae en un coma profundo que le lleva dos años sin tener conciencia, en la cama de la clínica. Cuando se cruzan por casualidad, Benigno no duda en acercarse en busca de una extraña amistad. Pero todo comienza con esa crueldad como lo son las corridas de toros. Con una mujer en el papel del hombre frente a la fiera. Esperándola de rodillas, arrastrada con fiereza…
Cuatro personajes, dos amores… Almodóvar nos plantea un universo complejo de relaciones, que con el correr de los minutos (y los reiterados flashback) la sorpresa se hará presente, para enriquecer aún mas este enredado planteo. Pero sobre todo es un contrapunto de personajes tan disímiles como parecidos. Benigno es una persona ambigua a todo nivel. Lo conocemos en una obra de teatro, admirando las lágrimas de Marco de manera por demás intensa. Al igual que cuando lo encuentra en la clínica, como quien ha encontrado al amor de su vida. Pero por otro lado esta su relación con Alicia, la joven en estado de coma, que él cuida hasta el más mínimo detalle. Verlo masajear sus piernas nos dice mucho más que los reiterados flashback que nos muestran que no es solo una simple paciente, sino que es algo que nunca tuvo y siempre deseó. En el otro polo se encuentra Marco, un periodista que dice todo lo que piensa y actúa con seguridad en sus actos. Es racional, centrado y sobre todo práctico. Benigno le habla Alicia, convive con ella, y está feliz de su relación. Mientras que Marco acompaña el cuerpo de Lydia, esperando que despierte algún día, o simplemente por culpa. Pero entre estos dos hombres, nacerá una relación de amistad como ninguno nunca antes la vivió, sobre todo Marco que aprenderá que la vida cuenta con momentos mágicos para todos, inclusive para él.
No conviene revelar como prosigue la historia, simplemente acentuar el grado de provocación natural de Almodóvar, que aquí vemos una vez más, tocando un tema que provoca tanta urticaria en la sociedad desde un lugar humano, si se le puede decir. Almodóvar es transgresor por naturaleza, y eso se ve reflejado en su cine una vez más. Pero también es una persona con sentimientos a flor de piel, esos sentimientos tan profundos que logra traspasarle a sus personajes en cada una de sus películas, aunque esos sentimientos tan puros los lleve a cometer un acto aberrante, es solo sentimiento.
El elenco siempre es una pieza clave en sus películas, y aquí no es la excepción. Rosario Flores en un papel un poco extraño, hecho a su medida. Leonor Watling que si bien participa en todo el film, casi siempre lo hace en estado de coma, pero su belleza es un punto importante en la historia. Dario Grandinetti es un gran actor, pero siempre me rechina cuando un actor argentino (y sobre todo él, que es bien argentino) actúa con acento neutro o español, y es lo que hace a lo largo del film, por lo tanto pierdo en credibilidad. Y para el final dejo a Javier Cámara, un notable actor, que en el difícil papel de Benigno logra trasmitirnos esa compleja personalidad de manera tan natural, que nos pone los pelos de punta.
Almodóvar nos sigue dando buen cine, y eso es una gran noticia.


Bonus:
Hable con ella se estrenó el 15 de marzo de 2002 en las salas españolas. El preestreno fue ante más de 500 estudiantes de Comunicación Audiovisual de la Universidad Complutense de Madrid, que quedaron rendidos ante el film. El recibimiento general del filme fue bueno, sobre todo en el extranjero donde cosechó importantes premios como el Oscar al mejor guión original y una nominación como mejor director, el Globo de Oro al mejor film extranjero y dos premios BAFTA, al mejor guión original y al mejor film extranjero. Contrariamente, en España, donde llegó a recaudar 6.208.691,42 euros, no tuvo tanta fortuna en cuanto a premios, ya que fue dejada de lado por la Academia Española al no seleccionarla para representarla en los Oscar. También recibió algunas voces críticas fuera de la Academia, como la de la periodista Pilar Rahola que en un artículo del diario Avui, publicado el 28 de marzo de 2002 titulaba “A Pedro Almodóvar sobre la crueltat”. En el mismo se denunciaba que el director había infringido la ley 1/1990 de Protección de Animales Domésticos, ya que los toros utilizados para el rodaje de las escenas taurinas fueron sacrificados de manera deplorable.

Puntaje: 8,5

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martes, 13 de octubre de 2009

TRICK 'R TREAT


Título original: Trick 'r Treat
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU y Canada
Duración: 82 minutos
Dirección: Michael Dougherty
Elenco: Dylan Baker (Steven), Rochelle Aytes (Maria), Quinn Lord (Sam), Lauren Lee Smith (Danielle), Moneca Delain (Janet), Tahmoh Penikett (Henry), Brett Kelly (Charlie), Britt McKillip (Marcy), Isabelle Deluce (Sara), Jean-Luc Bilodeau (Schrader), Alberto Ghisi (Chip), Samm Todd (Rhonda), Anna Paquin (Laurie), Brian Cox (Mr. Kreeg), Leslie Bibb (Emma)


Sinopsis:
La noche de Halloween es cuando los muertos salen a caminar entre nosotros y otros extraños entes circulan libres, fecha que será utilizada para entrecruzar cuatro historias en un pequeño pueblo. Una de las historias se centra en un director de instituto que se convierte en un vicioso asesino en serie con la luna llena. Otra trata de una virgen en edad universitaria que se reserva para el hombre de su vida, a quien cree que acaba de conocer. La tercera versa sobre una mujer cuyo odio hacia Halloween solo es superado por el amor que le tiene su marido a esta festividad. Por último, un grupo de adolescentes despiadados llevan a cabo una broma imperdonablemente cruel.


Comentarios:
“Trick 'r Treat” es una verdadera película de Halloween. No solo porque las historias transcurren en ese tradicional día, sino que en sus ochenta y pocos minutos, contiene todos los ingredientes que hacen de ese día una fecha tan particular para todos. En clave de homenaje a esas grandes series americanas como lo fueron “Cuentos desde la cripta” y “Creepshow”, la película nos cuenta aterradoras historias de brujas, zombies, vampiros, hombres lobos, y hasta la calabaza asesina se hace presente a lo largo del film. Con una estructura a lo “Pulp fiction”, cuatro historias que se entrecruzan a lo largo de una misma noche en un pueblo de los Estados Unidos. Un director de instituto que aprovecha el día para saciar sus peores deseos reprimidos, que tiene por vecino a un viejo amargado que odia las festividades, pero que esta vez tendrá una visita muy especial. Un grupo de niños que luego de la recorrida por diferente casas se alejan del pueblo para ir a un lugar donde habita una leyenda muy particular, con el único objetivo de hacerle una broma a la más tonta, pero que traerá consecuencias insospechadas. Mientras un trío de chicas muy apetecibles, recorren el pueblo en busca de chicos con quien ir al baile, entre ellas una que busca a alguien especial para perder la virginidad. Todo entrelazado y enmarcado en un lugar especialmente acogedor y festivo.
El novel director Michael Dougherty (que también escribió la historia) retoma con este film las cintas de terror que se hicieron muy populares a finales de la década de los ochenta, que manejaban diferentes historias cortas con un único común denominador como el terror. Por supuesto que las diferencias son notorias, pero hay que destacar el espíritu que impregna a esta película, digna de los mejores capítulos de aquellos años. Aquí no hay ningún espectro con los ojos rasgados, ni mutilaciones en primerísimo plano. Aquí vemos una muestra del terror clásico adolescente con que nos asustábamos aquellos que ya pasamos los treinta años.
Es una película coral, y como tal el funcionamiento del elenco es vital para que el resultado final sea satisfactorio. Y aquí no falla, en un elenco en donde encontramos algunas figuras medianamente conocidas (Anna Paquin, Brian Cox o Leslie Bibb), la calidad proviene de los desconocidos, sobre todo del plantel juvenil que se desenvuelve en gran forma en su parte de la historia, que s sin dudas la más interesante y jugosa de las cuatro que componen este film.
Realmente es un deleite encontrarse con esta desconocida joyita, para sentirnos jóvenes nuevamente sintiendo miedo por aquellas cosas que tan mal nos hacía pasar la noche. A pocos días de Halloween, es ideal echarle un vistazo para salir con todas las ganas (o miedo) a recorrer el barrio diciendo “truco o travesura”.


Bonus:
La historia de la frase “trick or treat” esconde un origen lejano al hábito actual de los niños que amenazan con “hechizar” si no se les da un “regalo”. Halloween era un festival que celebraban los Celtas, señalando el principio del invierno (Cavendish). Estas sociedades druidas adoraban y servían a Samhain, dios de la muerte. Cada año, el 31 de octubre, los druidas celebraban la víspera del año nuevo céltico en honor de su dios Samhain, brindándole sacrificios animales y humanos. ¿Qué hacían esa noche?: Los druidas se vestían esa noche con cueros y cabezas de animales. Disfrazados de fantasmas, espíritus y brujas; iban por todo el vecindario recogiendo ofrendas para el dios de la muerte y las tinieblas Samhain, y así brindarle su honor y sacrificios. Si los sacerdotes no quedaban conformes o a gusto con los obsequios, ellos le hacían el “trick” (o truco) a la familia de la casa, quemándole su terreno, llevándose a la doncella, matando su ganado o maldiciendo con enfermedades a la familia. Este es el origen de la frase "Trick or Treat" (truco o travesura). Una vez recogidas y reunidas todas las ofrendas, los sacerdotes druidas hacían grandes fogatas ofreciendo en ellas sacrificios humanos o animales para adorar a su dios.

Puntaje: 7,0

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sábado, 10 de octubre de 2009

SPLINTER


Título original: Splinter
Género: Terror
Año: 2008
Nacionalidad: EEUU
Duración: 82 minutos
Dirección: Toby Wilkins
Elenco: Shea Whigham (Dennis Farell), Paulo Costanzo (Seth Belzer), Jill Wagner (Polly Watt), Rachel Kerbs (Lacey Belisle), Charles Baker (Blake Sherman Jr.), Laurel Whitsett (Sheriff Terri Frankel)


Sinopsis:
Una joven pareja de recién casados, se resguardan de un voraz parásito mutante en una gasolinera. El parásito transforma a sus víctimas en unas máquinas mortíferas. A su vez, la pareja deberá establecer amistad con un ex-convicto fugado de la cárcel, para poder, juntos, acabar con el extraño ser.


Comentarios:
Reconozco que cuando vi por un lado a la pareja de jóvenes intentando acampar, y el malo con su chica por el otro, estuve a punto de apagar la tele. No podía tener peor comienzo una película. Pero por suerte decidí seguir mirándola y me encontré con una interesante propuesta. Porque luego de pasar este más que común comienzo, una vez realizado el encuentro entre ambos, la historia nos lleva a esa gasolinera donde quedan encerrados durante el resto del metraje, con un ser extraño afuera. Y aquí es donde la película gana en intensidad y en calidad. Convengamos que no es tarea fácil mantener un largometraje con cuatro personajes encerrados en una locación durante gran parte de la película. Pero Wilkins lo logra con bastante astucia, ya que cuando la historia parece estancarse, introduce algún elemento para sacudir, y sobre todo para avanzar en la búsqueda desesperada de los protagonistas por salir del lugar.
Si algo se le puede achacar, es al pulso por demás nervioso que propone con su cámara cada vez que aparece la cosa. No sabemos si es por una decisión estética, o porque no confiaba en los efectos especiales, pero la verdad es que molesta bastante.
Mención aparte para el hermano menor del popular “dedos” de la familia Addams, que esta vez aparenta ser malo e intentará llegar a los refugiados para infectarlos, sin que podamos esbozar alguna risotada, cuando el cometido era otro…Pero bueno, no hay mucho más para decir, simplemente reconocer que es una película con la cual se puede pasar un buen momento frente al televisor.


Bonus:
La película gano 6 premios del “Screamfest Awards” y 3 premios del “Night of horror”. A su vez estuvo nominado a los “Saturn Awards ” como mejor película de horror. Actualmente participa de los “Scream 2009” con dos nominaciones, “Best horror movie” y “Most Memorable Mutilation”, con la particularidad de que los internautas pueden votar hasta el próximo 27 de octubre del 2009 ingresando a: http://www.spike.com/event/scream2009/.

Puntaje: 6,0

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miércoles, 7 de octubre de 2009

SECTOR 9


Título original: District 9
Género: Ciencia ficcion
Año: 2009
Nacionalidad: EEUU, Nueva Zelanda
Duración: 112 minutos
Dirección: Neill Blomkamp
Elenco: Sharlto Copley (Wikus van der Merwe), David James (Koobus), Jason Cope (Christopher Johnson), Mandla Gaduka (Fundiswa Mhlanga), Vanessa Haywood (Tania), Kenneth Nkosi (Thomas), William Allen Young (Dirk Michaels).


Sinopsis:
Hace casi treinta años, los alienígenas contactaron por primera vez con el planeta Tierra. La raza humana esperó un ataque hostil o un gran avance en la tecnología. No ocurrió ninguna de las dos cosas. Los alienígenas eran refugiados, los últimos sobrevivientes de su planeta de origen. Al tiempo que las naciones del mundo intentaban ponerse de acuerdo en lo que tenían que hacer con ellos, las criaturas fueron instaladas de forma temporal en el Distrito 9 de Sudáfrica. Ahora, la paciencia en cuanto a la situación de los alienígenas se ha agotado. El control sobre los extraterrestres ha sido delegado en la Multi-National United (MNU), una compañía privada que lo que le interesa no es el bienestar de los alienígenas sino las formidables ganancias que les podría reportar su impresionante armamento, en el caso de que pudieran hacerlo funcionar. Hasta el momento no lo han logrado; la activación de las armas requiere ADN alienígena. La tensión entre los extraterrestres y los humanos llega a un punto crítico cuando un operario de campo, Wikus (Sharlto Copley), contrae un misterioso virus.


Comentarios:
La idea primaria de Sector 9 es sumamente interesante. Esta vez los extraterrestres no llegan a invadir, ni siquiera en son de paz. Simplemente llegan refugiados de su planeta. Y ahí comienza un nuevo problema para nuestro mundo, que bastante tiene ya con las diferentes razas y credos, como para sumarle ahora extraterrestres indefensos. Y no tienen mejor idea que encerrarlos en una especie de gueto, dentro de Johannesburgo, ciudad en la cual encallaron (si así se puede decir). Fíjense que curioso, una vez los extraterrestres comienzan a mejorar, poco a poco demuestran ser seres poco inteligentes en sus acciones, y sobre todo molestos para los seres humanos. Entonces, no tienen mejor idea que trasladarlos hacia otro lugar bastante más alejado de la civilización, para tapar el problema, por lo menos por un tiempo y de la vista de las personas (cualquier semejanza con la realidad no es pura coincidencia).
Partiendo de esta muy original historia Blomkamp, se centra en el ejecutivo que se encarga del traslado de los extraterrestres, que en una visita que realiza al gueto para convencerlos del traslado, es contaminado por un fluido que le traerá consecuencias inimaginables. Y aquí sucede algo que es bastante común en el campo cinematográfico, porque una vez explicada la historia de la llegada de los extraterrestres, los guionistas (el propio Blomkamp junto a Terri Tatchell ) se encuentran con que esa excelente idea que imaginaron no es suficiente para desarrollar una historia, entonces no tienen mejor idea que enfocar la historia hacia un lado bastante más recorrido en la historia del cine. Por lo tanto, una vez que pasamos los primeros minutos que nos sitúan en el contexto, comienza la historia del bueno perseguido, y que a su vez lucha por encontrar la salvación que lo lleve a volver a ser el mismo de antes. Es decir, estructura clásica del cine de ciencia ficción. Pero no por eso pierde en calidad, ya que de alguna forma nos traslada a las viejas películas de matinée, que tan buenos momentos nos ha hecho pasar, y Hollywood las ha dejado de lado. Pero lo curioso es que pasa de ser una historia original, a transformarse en una historia clásica con todo lo que eso conlleva, tanto lo malo como lo bueno por igual. Culminando con un sesgo romántico y la ventana abierta para realizar una secuela.
A nivel estético ocurre algo similar, todo comienza mostrado como un falso documental, para luego pasar (al igual que la historia) hacia un lugar bastante más común y formal de lo que prometía al comienzo.
Los efectos especiales merecen un capítulo aparte, ya que en ningún momento sentimos que estamos ante una gran mentira como es el cine, sino que por el contrario, a medida que transcurren los minutos nos vamos familiarizando con los extraterrestres y perdemos de vista que no son mas de efectos especiales. Lo mismo sucede con la nave que flota en la ciudad, con un diseño espectacular en sus detalles.
En definitiva, una película muy recomendable sobre todo para disfrutarla en el cine, que esta por encima de la media, que no es poca cosa.


Bonus:
La génesis de DISTRICT 9 se remonta a un cortometraje, un falso documental de bajo presupuesto llamado “Alive in Jo’burg” que Blomkamp rodó en un barrio de chabolas de Johannesburgo hace un par de años. En el cortometraje, Blomkamp introduce alienígenas intergalácticos dentro de la mezcla cultural de Johannesburgo. Para ese filme, Blomkamp se metió en las calles con un equipo de cámara para buscar las reacciones de la gente real. Pronto descubrió que la idea de refugiados intergalácticos que llegan a las puertas de su ciudad encajaba con el conflicto real y la xenofobia que prevalece entre los habitantes de Johannesburgo frente a los inmigrantes ilegales de los países vecinos. Las honestas reacciones capturadas por la cámara le dieron una gran vitalidad al cortometraje y diluyeron la línea divisoria entre la realidad y la ficción. Blomkamp y su compañera de guión, Terri Tatchel, utilizaron como trampolín la temática y los componentes visuales del cortometraje y dieron vida al personaje de Wikus y a dos personajes alienígenas centrales, Christopher Johnson y su hijo Little C.J. El amigo de infancia y colaborador de Blomkamp, Sharlto Copley, interpreta el papel de Wikus van der Merwe, el oficial de la MNU a cargo de la recolocación de los no-humanos del Distrito 9 en el campo de concentración del Distrito 10. Copley también trabajó en el cortometraje Alive in Jo’Burg, como productor.

Puntaje: 8,0

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domingo, 4 de octubre de 2009

DOS EXTRAÑOS AMANTES


Título original: Annie Hall
Género: Comedia
Año: 1977
Nacionalidad: EEUU
Duración: 93 minutos
Dirección: Woody Allen
Elenco: Woody Allen (Alvy Singer), Diane Keaton (Annie Hall), Tony Roberts (Rob), Carol Kane (Allison), Paul Simon (Tony Lacey), Janet Margolin (Robin), Shelley Duvall (Pam), Christopher Walken (Duane Hall) Colleen Dewhurst (Mrs. Hall).


Sinopsis:
Alvy Singer es un comediante de clubs nocturnos que a los 40 años hace un repaso de su vida tras romper con su última novia, Annie. Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella, a la que conoce tras un partido de tenis. Alvy es un tipo especial, algo neurótico, dominado por una serie de obsesiones que acaban por destruir cada una de sus relaciones.


Comentarios:
Excelente película del genial Woody Allen, que en su momento marcó un punto de quiebre en su carrera, que hasta ese momento apuntaba más hacia la comedia con una estructura menos compleja. Usando el cine como psicoanálisis, Allen nos propone un repaso de la vida de Alvy (protagonizado por el propio Allen), basándose en la historia de sus desamores. Su familia, su infancia en una casa debajo de una montaña rusa, y por sobre todo sus diferentes amores, principalmente Annie, su última desilusión amorosa.
La película comienza con un pequeño monologo, en el cual el personaje dice de sí mismo “Nunca ingresaría a un club donde acepten socios como yo”, para marcar su grado de neurosis, tal vez demasiada para quedar solo encerrada en la proyección del cine. A tl punto que promediando la película rompe la regla número uno, y en determinados momentos el personaje le habla directamente al espectador, mirándolo a los ojos.
Manejando su humor tan particular que venía desarrollando en las anteriores películas, a partir de aquí Allen comienza a incursionar en el mundo de las relaciones amorosas. Con un maravilloso guion que escribió junto a Marshall Brickman, centrándose en la relación que Alvy y Annie mantienen en una ciudad como Nueva York por aquellos años, principalmente desde el punto de vista sexual.
Con la notable Diane Keaton en el papel de Annie Hall (según dicen, él la escribió para ella), el film nos deleita con su contrapunto actoral y un sinfín de escenas reideras que hacen de este film, uno de los grandes clásicos del cine Norteamericano. Mención aparte merece la escena en la terraza, en la cual ambos mantienen un dialogo sin interés, y por intermedio de subtítulos logramos ver lo que realmente están pensando. Magistral!
Más de 30 años han pasado, y este film ha servido de inspiración para muchísimas comedias que se basan en las relaciones de pareja, más de un chiste o gag ha sido copiado hasta el hartazgo. Pero a 30 años de su realización, aun mantiene su frescura y su encanto como la primera vez.


Bonus:
La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia (cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando pisó por primera vez la alfombra roja de este evento), aquella vez dijo que se le había olvidado, ese día se quedó tocando el clarinete. Antes de adquirir el título por el que es conocida, Annie Hall llegó a llamarse Anhedonia (incapacidad de disfrutar la vida, es una enfermedad psicológica, la productora no permitió que se le colocase un nombre tan poco atractivo) o Una montaña rusa llamada deseo, referencia doble a la montaña rusa que aparece en la película y a la obra de Tennessee Williams (Un tranvía llamado deseo).

Puntaje: 8,5

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viernes, 2 de octubre de 2009

LARS Y LA CHICA REAL


Título original: Lars and the real girl
Género: Drama
Año: 2007
Nacionalidad: EEUU
Duración: 106 minutos
Dirección: Craig Gillespie
Elenco: Ryan Gosling (Lars Lindstrom), Emily Mortimer (Karin), Paul Schneider (Gus), Patricia Clarkson (doctora Dagmar), R.D. Reid (reverendo Bock), Kelli Garner (Margo), Nancy Beatty (Sra. Gruner), Doug Lennox (Sr. Hofstedtler), Joe Bostick (Sr. Shaw), Liz Gordon (Sra. Schindler), Nicky Guadagni (Sra. Petersen).


Sinopsis:
Lars (Ryan Gosling), un joven enormemente tímido y dulce que vive en una pequeña localidad junto a su hermano (Paul Schneider) y su cuñada (Emily Mortimer), lleva por fin a casa a Bianca, la chica de sus sueños. El problema es que Bianca es una muñeca que encargó por Internet, aunque Lars la trata como si fuera una persona real. Alentados por una doctora (Patricia Clarkson) y en un esfuerzo por comprenderle, su familia decide seguir con la fantasía de Lars, de la que pronto acabará participando todo el pueblo.


Comentarios:
Hay películas que parten de ideas absurdas para retratar de una manera diferente situaciones cotidianas. Recuerdo vagamente una película del italiano Marco Ferreri, en la cual el protagonista se enamora de un llavero (Así como lo leen). En este caso el objeto de amor no es un llavero, pero si una modernísima mujer inflable. Lars, tan solitario como un perro, demasiado tímido como para relacionarse con el sexo opuesto, sin saber muy bien porque ni como decide encargarse una muñeca inflable, con la que se pasea por todo el pueblo cual si fuera su novia. Convencido de que se trata de una chica brasilera que conoció por internet, decide al fin salir del encierro en el que vivía para disfrutar de la vida junto a su amada. Su hermano y su cuñada se encargaran por todos los medios de convencer a las personas del pueblo para que les sigan la corriente a Lars, y la muñeca Bianca pasa a ser una habitante más del pueblo para alegría de Lars.
Más allá de lo absurdo, la historia es muy interesante, sobre todo para mostrar la soledad e indiferencia que sufren las personas extremadamente introvertidas. Lars vivía encerrado en su casa, y se negaba a tener contacto con el resto de los mortales (con la excepción del trabajo), y una vez dentro de su delirio comienza a abrirse a la sociedad, siendo una persona activa en las diferentes actividades del pueblo. Es feliz y se le nota. Entonces, por que romperle la ilusión?
El gran problema de la película radica en que el absurdo llega a todo el pueblo, diría que hasta un extremo, llegándole a sacar eficacia al recurso. Cuando los vecinos reclaman la presencia de la muñeca en diversas actividades, empezamos a sentir de que la historia tomó un camino en el cual deja demasiado de lado la realidad para transformarse en una fabula. Cuando la demencia de Lars es vista por primera vez desde los ojos de su hermano y su cuñada, es de los mejores momentos de la película. Es ese choque con la realidad, en donde ver a un ser querido delirando con una muñeca se transforma de tragicómico a doloroso y desesperante. Lástima que luego de esos minutos, el delirio transfiere la mente de Lars y se instala en el pueblo, dejando a un segundo plano los momentos de choques con la realidad que le habrían aportado mayor dramatismo a la historia. Sin lugar a dudas lo mejor de la película es el constante engaño que realiza la doctora Dagmar, haciéndole creer a Lars que le está haciendo controles médicos a Bianca, para psicoanalizarlo sin tomar conciencia.
Muy original historia, muy buenas actuaciones (sobre todo Ryan Gosling, excelente), y una película para ver algo distinto del cine que nos llega habitualmente de Norteamérica.


Bonus:
Ryan Gosling (actor que encarna a Lars) nació en Ontario, Canadá, el 12 de noviembre de 1980. A los 17 años abandonó los estudios para mudarse a Los Ángeles. Nunca realizó ningún estudio para llegar a ser actor, aunque sí toca la guitarra y tomó clases de baile y canto desde muy joven. Su primera experiencia en la televisión fue en 1990, en El Club de Mickey Mouse, donde compartió créditos con Justin Timberlake, Christina Aguilera y Britney Spears. Mantuvo una relación de tres años, anunciando su ruptura en noviembre del 2007, con Rachel McAdams. Otra relación conocida del actor es la que mantuvo con Sandra Bullock durante dos años, que comenzó después del rodaje de la película Murder by Numbers. Ryan es dueño de un restaurante de comida marroquí llamado "Tagine", ubicado en Beverly Hills (Los Ángeles). Además, tiene una banda llamada Dead Man's Bones donde participa como vocalista principal.

Puntaje: 6,0

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